Durante el 2011 vimos desfilar infinidad de artistas y bandas que deciden reunirse. Unos a tocar éxitos antiguos, otros más a componer material nuevo. De ‘artistas plásticos’ a leyendas consagradas…

¿Qué motiva estas reuniones? Está el obvio aliciente económico, pero sin satanizar esta cada vez más común práctica mercadológica…
¿Cuántos lo hacen realmente por amor a la música y cuántos por amor al dólar?

El punto principal no es elogiar o criticar estas reuniones, sino preguntarnos a quién hacen feliz. A manera personal y hablando de la experiencia más reciente, mi acercamiento al rock en español se dió con Caifanes (alrededor de los 7 años) y justamente fue uno de los motivos principales por los que jamás pude asistir a un concierto suyo.

Se ha dicho de todo al respecto, managers, pleitos personales, etc… el punto es que 15 años después Caifanes está de vuelta en los escenarios y tuve oportunidad de estar ahí. Me fundí en un concierto emotivo desde el primer minuto hasta el último, no importando si los presentes habían tenido la oportunidad de verlos antes o en su modalidad ‘Jaguares’… eran nuestros 5 Caifanes juntos, y de pie.

A ellos se unen Soundgarden, Azul Violeta, Pink Floyd, La Dosis, Deep Purple, Abba, Take That e incluso Ov7 y Mercurio, entre muchos más.

No es de dudarse la cantidad enorme de billetes que estos músicos (en su mayoría) se embolsarán, sino el público que cautivarán… desde padres de familia nostálgicos, adultos ‘forever’ e incluso señoras en modalidad ‘eterna adolescente’ desgarrarán sus gargantas al momento de verlos aparecer sobre el escenario.

La música, no importa el género que sea, sabe hacerse un camino a través de los oídos (y ojos) de cada uno de nosotros, hasta alojarse en el complicado mundo de las emociones, es por eso que siempre moverá fibras sensibles tanto del ‘rockero’, ‘popero’ o ‘cumbianchero’.

El elemento nostálgico es el mayor motor de compra en varios de nosotros, y es más fuerte aún cuándo es acompañado de un buen soundtrack. Los reencuentros (o reuniones) son una fórmula comprobada por las promotoras así que esperemos muchos más durante este 2012. Ojalá todos de calidad, si no en lo músical, al menos en lo teatral.

Cada que un reencuentro es anunciado, los ‘especialistas’ y críticos de música saltan a defender o tratar de enterrar el proyecto en cuestión, para terminar coreando los éxitos el día en que se presenten en su ciudad.

Nueva música, éxitos de antaño, playback, show mágico-musical, no lo sabemos, pero… ¿realmente es esto importante cuando haya miles de personas a quienes hace felices?

Negocio / Talento / Nostalgia / Melomanía… todo es cuestión de EnKuadre.

Por: 
@Alexx_Cardenas

FAT FAT FAT

still de la cuenta de youtube fmxfestival

 Fat Mariachi es la única banda regio/alemana que he conocido que da conciertos tanto en galerías de arte como festivales internacionales y lugares comerciales, sin embargo no solo eso asombra, los mariachis se encuentran dando una serie de conciertos en los que reinterpretan a su particular estilo las décadas más significativas para nuestras generaciones del siglo pasado, habiendo ya dado dos conciertos en los que re-hacen las décadas de los 60´s y los 70´s, este próximo jueves 23 se presentará en el Mexinaco lugar ubicado en la Colonia Condesa, para dejarnos en claro cómo es que Fat Mariachi reinterpreta una de las décadas más icónicas de la historia reciente.

El conjunto además de contar con nuestro ya conocido Daniel Lara, del cual puedes revisar el video de su concierto de habitación que organizamos en un par de horas para Play (Jeu), también cuenta en sus filas con Kai Kraatz, artista alemán radicado en DF que entre sus habilidades se encuentra la de generar un set basado en “scratches” con discos duros de computadora, haber diseñado el P.A. de la banda y haber participado en más de uno de los Dorkbots de la ciudad,  entre muchas más genialidades que en definitiva, requieren de una entrada completa.

No conformes con los genios locos de la banda, en la parte rítmica cuentan con una de las figuras más interesantes de la escena local, uno de los bateristas más solicitados por las bandas que realmente importan actualmente y una verdadera máquina de ritmos, además de gran fanático del mezcal, nos referimos a Mersi Gzz músico que puedes ver martillando tambores con bandas favoritas de Lunettes como: Mentira Mentira, Lorelle Meets de Obsolete y su proyecto Ventilader.

Habiendo asistido al primero de estos gigs dedicados a re.interpretar las décadas y siendo seguidor de la corta, pero intensa carrera del alguna vez performance Mariachero, puedo mencionar que de inmediato se trata de una nueva cara del conjunto, ya no tenemos en vivo el uso de la Leg-itar, instrumento construido a base de piezas de lego por Daniel, sin embargo, se ve substituido por cajas de sintetizador que modifican la señal de su guitarra, una de las guitarras más carismáticas que he visto en mi vida. La presencia en escena de Kai hace juego con su voz que toma nuevas tesituras e intenciones que hacen juego no solo con su traje de gala si no con un virtuosismo a la hora de interpretar el instrumento que jamás había podido admirar, no se confundan, por supuesto que tenemos lo que nos ha encantado del conjunto: Ruido* montones y montones de ruido, pero debo decir que con un uso sofisticado de éste.

Re.interpretar {

Las re-interpretaciones, podemos decir, que se dan bajo el contexto de sampleadores. En el podcast de lunettes creemos que el uso de samplers puede equipararse al uso que se le da al aparato crítico moderno, es por así decirlo tomar una “cita” o un texto musical de alguien más e incorporarlo a un nuevo medio: a un nuevo contexto, es jugar con el principio que dicta que hacer música es robar a alguien más e incorporarlo a una nueva velocidad, una nueva dimensión en donde suceden éstas ideas, crear como re-crear.

El ejercicio no solo es completado satisfactoriamente, si no que con kudos, jamás había visto a una banda kraut/regia, y suena como podrían imaginarlo, una combinación de talento y nivel musical con locura avant, motorik e intenciones honestas, todo lo que sucede es real, nada se esconde tras una pretensión, da mucho gusto ver a una banda que se parte en tantas dimensiones y  que todo eso suceda mientras escuchas el grito de: Arriba Aguascalientes´N.

}

En definitiva uno de los actos más interesantes en la ciudad y para sumar expectativa, una con el futuro más dudoso, no sabemos si terminaran regresando a sus lugares de origen después de éste último concierto de reinterpretaciones en los jueves de sediento del Mexinaco.

El concierto además será teloneado por otros de los actos que han llamado más nuestra atención, los Avant Gardish Defeño/bogotanos Boy Band pertenecientes al colaborativo Petit Pistolette que presentarán su constante flujo de sonidos con una colaboración especial que toma el nombre de BOUi Band.

Para que te animes a asistir al evento te dejamos la página de Facebook y un mixtape de los 80´s que nos mandan los Fat Mariachi, da clic aquí.

@notlunettes

puedes dar like a Lunettes en Facebook

Yo no se y no se sabe por qué seguimos declarando -cada uno con diferente tono- lo que todos han dicho tantas veces, tanto repetido y tantas lecciones no aprendidas, pero así lo hacemos, necesitamos escucharlo de propia voz, el verdugo interno que a duras penas pide palabras atropelladas de nuestro mejor intento; como esa tontería de amar, sin la cual no se puede vivir cual humano porque al final venimos a ese intento, esos son los recuerdos que vale la pena conservar, eso de sentir tanto que se pierde el orden de las cuatro letras que lo distinguen, esa tontería sin la que nacimos y pasamos la vida en búsqueda, por más buena suerte que tengamos, habremos de declarar que antes de encontrarlo lo intentamos varias veces más.

Heroica declaración la de perder lo que nunca fue tuyo.

El tiempo se nos va en declaración; como ahora que volteo al descuido de la cama y me encuentro con la patria en una mujer, el lugar único donde se amanece con movimientos quietos y se escucha su cabello, largo como penitencia adquirida con gusto de interés.

Yo no se cuándo el dios de la iglesia dejó de ir a misa, cuándo se colocó cuidadosamente la soga al cuello para dar de bruces con el suelo terroso en el intento fallido de su suicidio, no me explico de otra manera que las religiones estén tan abandonadas, su agenda abarrotada, huyendo del impuesto, la sotana del fuero externo solapando tanto error, tan costoso; sustituidas las vírgenes devotas con automóviles lujosos bendecidos contra robo.

No se cuándo uno dejó de ir al confesionario de caoba perfumada, esperando que el sacerdote llegara en acto de humildad, para confesarse con nosotros, tocando de paso la rodilla del niño y viendo el calzón -blanco como paloma rabiosa de espíritu santo- a la niña que asiste a la catequesis.

Pero tampoco se puede hacer más, al fin que su dios los protege bien y los cobija en ríos y ríos de tiempo.

Yo no se por qué se declara tanto, pero así lo hago ahora y los demás harán lo suyo, tan propio, que habremos de pedir permiso para entrar en tanta intimidad de letras.

Por: Fernando Benavides Roldán.

Casi siempre la voz del capitán es la que manda a la construcción o al paredón; al final, después de tantas ordenes, se devela el criterio acabado, reacio a la apelación de cualquier decreto por más descabellado que se encuentre en  principio de la orden. El parapeto de “sólo seguía ordenes” se ha demostrado muy extenso para actos criminales o simples irresponsabilidades; pero si nos ponemos a recordar, la frase nunca es usada para sustentar heroicidad.

En los momentos de gloria las ordenes son internas y personales, de conciencia, y los jefes y capitanes son monumentos a la inacción que están ahí, como pintados, desnudos de méritos, porque los resultados -los buenos- los recordamos como de iniciativa propia, nunca de ordenes externas, nadie las avala como un acto comunitario; aunque para el asesinato de lo que sea, con que pueda palpitar, el robo y el injusto desatino, para todo ello siempre se usa la frase: “sólo seguía ordenes”, entonces el ejercito y los soldados de todos los lugares, los desiertos y las batallas, todo eso obedece por costumbre de súper-resistencia a una orden superior, que de querer encontrarla se esconde en lo complicado, ladeada del imposible, y si se llega (en acto de suerte) a saber quién es el de la voz de mando, siempre, sin duda alguna, habrá de protegerse diciendo que hubo para él otra orden aun más superior, otras palabras y otros caballos que habríamos de seguir a la tierra donde nadie vive, que es la tierra del poder.

Cuando esto pasa nada se puede ver, porque nada existe, aunque los muertos estén enterrados a nuestros pies y los vivos encerrados y colgados en barrotes de bambú a nuestras espaldas, por las ordenes, siempre superiores del no cuestionamiento.

Nunca habrá culpables, eso ya lo tenemos entendido, ni cárcel suficiente para las balas que se han metido donde no las llaman, aun cuando suelen quedarse tan bien en los corazones, los reales, el músculo ese tan vital, las balas presentes en las crónicas donde no faltan, que son disparadas por una orden que sólo había que seguir, y así hasta dejar de encontrar preguntas, todas sin contestar.

Por: Fernando Benavides Roldán.

El hombre necesita declarar constantemente, de no ser así, sus propias verdades, siempre inquietantes, terminan reduciéndolo a la calidad de elefante, longevo y constante, sin gracia de ir más allá de donde lo lleva la ruta del agua.

Es por eso que nos metemos por pie propio a declaraciones pequeñas y grandes, las de hacienda, las internas, del pasado paseando por rieles de incomodidad, las de amor y las que duelen; esas las decimos chico para que no se abra la herida ni salga el tiempo parido entre nuestras piernas, pero al fin, con el primer gemido del hombre y la primer mirada de la mujer, eso mismo, ya es una declaración.

Yo no me miro muy seguido, porque avergüenza ser lo que no querías; tampoco creo que lo hagan los demás, ni creo que lo haga dios, si es que hay alguno, porque el resultado ha sido muy pobre, pero sobretodo triste, más aun, tristísimo.

Hay algunas cosas que han valido la pena esta tan grande de reincidir, que se merecen la declaración, se merecen estancia en nuestros días conforme van pasando. Sí, también hay momentos que vale la pena declarar, aunque sean los menos y aunque sean cortos.

Vamos a decir, poco a poco, que si no estamos muertos, habríamos de estar enamorados, y si no sucede eso, el grito de Lanzarote, siempre tan lejano, va a ser el grito sordo de lo que se dice en tantas letras melancólicas. Pero que no se confunda algún lector ni se distraiga el escucha, que el amor está para ser estampado, casi de manera vulgar, hasta en la sopa y tortilla, pero también, sin que lo digamos demasiado, en los labios de una mujer o en la piel perceptiva, son las cosas que no se declaran con las comas ni las sílabas.

Por: Fernando Benavides Roldán.

Así pues, no solamente se termina cenando atún en lugar de carne, sino que los servicios domésticos resultan imposibles de pagar, cargando la penosa frase de “moroso” en la nuca con el número de serie del departamento adherido a las nalgas.

Ahora con el recibo pendiente del agua, la luz, el mantenimiento y la renta se le suma el del gas, que había quedado casi librado, de modo que una semana después de la fecha de pago los señores del gas; gas natural, naturalmente nos cortaron el suministro de este precioso elemento que ha marcado una brecha en nuestro modo de vida, del prehistórico, al civilizado.

Ahora en casa somos cavernícolas, cazamos nuestro propio alimento comiéndolo crudo, nos olvidamos del refresco de cola y descubrimos ese raro sabor del agua preparada con un liquido mágico llamado “tang”, “cligth” y en últimos días saborizada con limones silvestres que Ariadna tiene a bien recoger del limonero que se encuentra dando sombra a la entrada de su trabajo.

Tampoco es que sea una catástrofe, al menos aun conservamos el idioma y nos hacemos entender, aunque se ha notado un incremento en las señas y los gruñidos se han manifestado en mayor medida para indicar “¡peligro, tigre atrás!”.

Dentro de la situación (ahora me doy cuenta, muy frecuente) uno encuentra causa común con la mayor parte de la patria, alejándonos cada vez más de la clase política o del señor Slim, que dudo se bañe con agua fría por falta de recursos.

Lo rescatable es saber que uno no es el único jodido ni el único pendejo que gastó todo su dinero antes de la primer semana de enero, de hecho, en las fechas del despilfarro navideño, los indicadores bursátiles auguran un apogeo económico en el país gracias al desaforado espíritu de ser felices por una quincena al año, viviendo como ricos por un par de semanas. Encontramos bandera enarbolada al olvido de la preocupación y resulta evidente el ánimo tan mexicano de obsequiar, compartir y desbordar en detalles que de gratuitos tienen poco.

Así que al dormir uno piensa en el agua helada que va correr por torso y piernas en la mañana, muy fríos los despertares por cierto, y se espera el día de la candelaria que llegará con tamales a torrentes y uno podrá creer que la cuesta de enero se va a acabar, aunque dure un mes más.

Las preocupaciones se hacen largas, pero como bien escuchaba ayer, en la noche de mis inquietudes; la diferencia puede estar en el desvelo solitario, o encontrarte con un buen alma samaritana que te quiera cobijar con brazos morenos y firmes en las madrugadas de los pesares por el resto de los tiempos y compartir un desvelo, tan sincero, que se olvida el titiritar de la cuesta, por un año, el resto de los años.

Por: Fernando Benavides Roldán.

3. En impresos, cualquiera de las partes en que suele dividirse verticalmente una página.

6. En lenguaje periodístico, artículo, espacio reservado para un columnista.

Hace tiempo hice el compromiso de escribir aquí con periodicidad decente, una vez a la semana. No lo logré.

Cuando niño me hice a la firme idea de ser abogado, siguiendo el curso familiar. No lo logré

En la adolescencia intenté escapar al bosque, vivir pescando truchas y después irme a Japón en un barco de carga industrial. Lo logré a medias, me fui de casa tres veces, perdí el manantial y el viaje con Pat Morita quedó fuera del deseo.

Una noche me descubrí tan sólo con una moneda de cinco centavos en la bolsa, ¡nunca más! Prometí que en adelante mejoraría mi situación y haría una fortuna. No lo logré; de hecho repetí la hazaña en repetidas ocasiones (incluso la he superado al no tener ni la moneda y seguir de largo con su recuerdo).

En alguna recurrente desesperación idee una revolución para defender causas nobles y sacar a los ladrones (tan hijos de puta) que nos gobiernan. No lo logré pero tampoco he abandonado el intento.

Entonces me digo ahora con la lluvia pisando el silencio: ¿por qué escribir una columna diaria? Por tonto, no hay otra explicación, justificación o razón. Pero me he dado cuenta que en  el día cierro tanto los ojos que no es posible andar así, sin lazarillo ni bastón plegable, con la oscuridad entre lo que pasa y lo que pienso, así que aquí ando abriendo los ojos, poquito o uno solo. Quizá sea tonto pero ¿quién en esta ciudad no lo está ya?

Por: Fernando Benavides Roldán.

Por Elena Montalvo.

2011 fue un año oscuro y al mismo tiempo liberador. Crisis economica, desastres naturales, narcoguerras, rebeliones mundiales, occupy movement, decapitados, colgados, quemados… Una gran introduccion a lo que los mayas nombraron el fin del mundo justo cuando pensamos que lo hemos visto todo. Aqui les dejo mis 10 de articulos favoritos del 2011.

top 10 items 2011.

1. all kinds of garters
Ultimamente este ha sido mi accesorio favorito para combinar, ademas de ser funcional, da un toque de sensualidad a cualquier outfit. Desde el clasico liguero de cintura para thigh highs, hasta ligueros mas sencillos para piernas o sujetadores de calcetas.

2. womanized creepers
Los creepers se han usado desde la Segunda Guerra Mundial, calzado de ex-soldados, de ni;os ricos en los 50s, de punks y rockers en los 70s, psychobillies en los 80s, goths en los 90s. Ahora han estado en muchas pasarelas con varias alteraciones al dise;o original.

3. harness
Por mas raro que sea usar dise;os derivados de arreos de caballo, de alguna manera funciona y se incorpora en el mundo de la moda para todos los fetichistas y los novedosos que siguen los ultimos trends.

4. plasticos
El plastico volvio desde hace un par de a;os y poco a poco lo vamos viendo mas como algo mas usable. Desde dise;adores high end hasta tiendas mas comerciales como forever 21 han sacado prendas hechas con plastico, variando el uso desde accesorios hasta prendas de vestir.

5. chokers, rings & earrings
Todo el tiempo descubro nuevos dise;os en joyeria que me encantan, etsy.com es una tienda increible para descubrir nuevos dise;adores independientes con propuestas muy interesantes. Estas son muestras de collares, anillos y aretes que me he topado en linea o recolectado por ahi.

6. backpacks
Dentro de las muchas cosas que volvieron de la decada de los noventas, regresan tambien las mochilitas. Me costo un poco perder la imagen de las Jeans usandolas, pero estos nuevos dise;os te pueden hacer cambiar de opinion facilmente.

7. duster coats
Otra cosa de los noventas que estoy reviviendo son los sacos largos. Especialmente para este oto;o/invierno les recomiendo ir en busca de alguno a un bazar cercano y darle un toque grunge noventero a sus outfits.

8. transparencias
Los sheer fabrics se han estado usando ya varios a;os y para mi siguen sin pasar de moda. Mi actual uso favorito es pantalones y blusas largas.

9. clutches
Nunca habia puesto tanta atencion en las bolsas de fiesta, pero aqui hay un par de dise;os que valen la pena aunque solo les quepa un lipstick.

10. collar tips
Un toque para sus blusas, pueden decidir entre darle un aire vaquero, o ir por un lado mas elegante.

@notlunettes.

@ninjaintherun

lunettesart.tumblr.com

Por: 
@Alexx_Cardenas

Una idea generadora de pensamientos, de obras, de impulso creador.

#PIENSOLUEGOCREO es un concepto que reúne a pensadores y creadores que nos dicen lo que piensan cuando crean, y de donde vienen esos pensamientos que los inspiran.

Esos creadores nos compartirán sus puntos de vista de temas como cine, radio, publicidad, diseño, revistas e internet.

Pienso Luego Creo es un concepto que reúne a pensadores y creadores que nos dicen lo que piensan cuando crean, y de dónde vienen esos pensamientos que los inspiran.

Pienso Luego Creo se llevará a cabo los días sábado 26 de noviembre y sábado 3 de diciembre de 2011.

Más información próximamente a través de dixo.com, buzon (@) piensoluegocreo.com, @piensoluegocreo y piensoluegocreo.com.

En la reseña del nuevo número uno de Superboy ya platicaba cómo al escritor Scott Lobdell le habían encargado el área de “jóvenes” de Los Nuevos 52 de DC Comics, lo cual puede resultar interesante para mantener una línea argumental general entre dichos títulos. Lobdell es entonces también el responsable de la nueva serie Teen Titans, que debe servir como eje al mencionado Superboy y a Red Hood and the Outlaws, con Jason Todd, el ex-segundo Robin al mando.

Hay dos características primordiales de los Teen Titans: en primera, suelen y deben tener en su alineación a los sidekicks de los superhéroes “mayores”, y debe presentar nuevos personajes adolescentes que se integren al grupo.

En los nuevos Teen Titans vemos entonces a Red Robin, Tim Drake, el tercer Robin; a Kid Flash, o sea, Bart Allen; Wonder Girl, Cassie Sandsmark y Superboy. La primera parte entonces, está satisfecha. Y con respecto a la segunda, en la portada vemos a tres personajes nuevos, y uno de ellos, de hecho llegó a las noticias: Bunker, Miguel Barragán, quien es un mexicano gay que se integrará pronto al equipo conforme avance esta primera historia. Los creadores aseguran que, a diferencia de otros superhéroes y personajes gays en los cómics, éste no dudará en decirle al mundo su preferencia y lo demostrará en su manera de hablar, en sus acciones y hasta en su vestimenta. Fuera dejaré si se trata de una herramienta para llamar la atención al concentrar dos minorías en una, sino que seamos positivos y agradezcamos que en un título de adolescentes se incluya un personaje de ésta naturaleza.

Este primer número no nos deja ver mucho, de no ser porque todos los disfraces de los personajes que conocemos han sido modificados, unos con mejor resultado que otros: Red Robin y Wonder Girl lucen bien; Kid Flash luce exagerado hasta la esquina de enfrente, y en artes promocionales, hemos visto que Superboy podría traer hasta un papel engrapado con la “S” en la espalda, a diferencia del traje que usa por lo pronto en su propia serie.

Lo que sí vemos es que, al igual que en Justice League, estos jóvenes no se conocen, no han actuado juntos y estos primeros números se dedicarán a narrar cómo se juntan, gracias a Red Robin. Así entonces vemos escenas de uno y otro, no de todos, con el arte de Brett Booth que no es malo. Teen Titans fue uno de los títulos que recibió las más bajas calificaciones, pero a mi parecer, podría tener potencial si lo que queremos es ver nuevos poderes para personajes ya establecidos, mucha acción y mucho conflicto adolescente.

P.D. Con este post termino mi serie de reseñas de algunos de los nuevos número uno de DC Comics. No compré todos, no reseñé todos los que compré y al estar en la segunda semana de octubre, tenemos ya inclusive reimpresiones de la mayoría y varios número dos de muchas de las nuevas series. Sin embargo, el resto, y más información, serán planteadas en un futuro podcast.

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Y del selecto grupo “Oye, ¿y si no nada más dibujas sino también escribes?” tenemos a Francis Manapul. Después del no tan claro regreso de Barry Allen a la vida durante la Final Crisis, de la tibia mini-serie Flash: Rebirth, de su importante papel durante Blackest Night, de su nueva serie mensual como parte de Brightest Day, y del mediano evento Flashpoint teniéndolo a él como eje central, llega, a tan sólo año y medio del otro número uno, un nuevo número uno de The Flash con Barry Allen como protagonista. En aquella ocasión, pretendiendo imitar lo que el escritor Geoff Johns ha hecho con Green Lantern, se le encargó a éste hacer el mencionado Rebirth y lanzar la nueva serie con Francis Manapul como dibujante. Sin embargo, ahora como parte de Los Nuevos 52 de DC Comics, le tocará a Francis no sólo el arte, sino también escribir las nuevas aventuras de The Flash.

Manapul tiene un gran estilo que luce sobre todo gracias a los colores y tintas más “pastel” que lo han acompañado. Ahora tendrá que demostrar que puede ponerse en el sitio de guionista y escribir para su propio arte. En este nuevo número uno vemos a personajes de soporte que se presentaron en la anterior serie, creados por Johns. Sobre todo a  la güera Patty Spivot, quien ahora sí es el nuevo interés romántico de Barry. Y es que, en efecto, The Flash es otro de esos personajes cuyo matrimonio, con Iris West, ha sido borrado de la continuidad en el nuevo universo DC. Es más, me parece pertinente mencionar a estas alturas que Dan DiDio, el co-publisher de DC Comics, dejó ver en su Facebook que en el universo de Los Nuevos 52 las“Crisis” no han ocurrido como las conocemos. Es decir, olvídense de si Flash Barry Allen regresó en “Final Crisis”, podría entonces ni siquiera haber muerto en la legendaria “Crisis on Infinite Earths”, o bien, nos irán explicando poco a poco cómo se acomodaron estos eventos para cada quién.

En este The Flash # 1 nuevo, veremos al Barry Allen que investiga homicidios y misterios, y que sabe usar sus poderes al máximo de maneras creativas, lo cual siempre será un gran atractivo. Y lo mejor, sin duda, es ver ahora cómo Barry Allen se cambia en The Flash. Con el re-diseño del traje, a cargo de Jim Lee, ahora vemos que se trata de módulos que se integran por separado para convertirse en el disfraz de The Flash. Sí, lo siento, debo decir que se parece un poco a como ocurre desde hace ya tiempo con la armadura de Iron Man, pero no me importa, me gusta y mucho. La portada y el logo también lucen muy bien.

Ahora, con las aguas más tranquilas y con un nuevo comienzo, The Flash necesita agarrar, irónicamente, su propio ritmo, con su propia historia y legado, y olvidarse un poco de los otros “Flashes”.

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Quiero creer que la decisión de Los Nuevos 52 de DC Comics no fue tomada a la ligera, y fueron muchas y muchas juntas de análisis de pros y contras. Cuando se realiza un movimiento atrevido y de este tamañote, entonces hay que cerrar bien la pinza, de lo contrario, todo se puede venir abajo.

Si para el nuevo título de Superman, el homónimo, recurrieron al talentazo de George Pérez, ¿por qué no hacerlo de manera completa?

Su fuerte siempre han sido los lápices, y de qué manera, y no es que la escritura no se le dé, pero sus obras más legendarias han sido al lado de grandes escritores, como Marv Wolfman y Kurt Busiek, por mencionar a sólo dos.

“Queremos que escribas Superman y que lo dibujes, pero no todo…” ¿O cómo fue la negociación? Porque el arte de este nuevo número uno de Superman luce fatal. Son los sketches de Pérez, pero terminados por Jesús Merino. O sea, no es ni uno ni otro. La portada, que si es completa de él, lejos está de ser uno de sus mejores trabajos, y sobre todo, como he insistido mucho en esta serie de reseñas, todavía más lejos está de ser un trabajo legendario, épico, digno de un número uno que pretende transformar épocas. Pérez no debería estar tan ocupado en estos días, hasta donde sé. Su otro trabajo es entintar los lápices de Dan Jurgens en la nueva serie de Green Arrow, personaje del que puedes encontrar mi reseña dando click aquí, y a menos que haya estado muy ocupado con la novela gráfica de los Teen Titans, que se viene, entonces sigo sin comprender esta dinámica. Sin embargo, tengo un vago recuerdo de haber escuchado en varias ocasiones que Pérez es de los dibujantes más rápidos. ¿Entonces?

Es importante anotar en estos momentos que, aún cuando no ha salido el número 2, ya se informó que este equipo creativo dejará el título con el número 6, y el guión quedará a cargo de Keith Giffen y el arte del mencionado Dan Jurgens, a mi parecer, uno de los dibujantes esenciales de Superman. No se sabe si éste siempre fue el plan original, de hacer una historia de 6 partes con este equipo, o exista otra razón como para que renunciaran o los corrieran.

Destruir el Daily Planet y cambiarlo por uno nuevo me parece un recurso muy forzado, como para establecer que ésta es una nueva era. Y bueno, el ver el característico globo terráqueo de la publicación destrozado, como por millonésima vez, ya me causa una impresión nivel cero. A veces, sólo a veces, hay ciertos guiños que se asoman de un Superman que vuela, que ataca, que se defiende, pero ponerlo a luchar contra un ser de fuego, me resulta francamente aburrido, como para alguien que tiene quizás su primera aproximación al personaje, como pretenden ser estos nuevos número uno.

Fuera del final del nuevo número uno de Justice League, ésta en realidad es la primera vez que podemos ver el nuevo traje de Superman, y a mí me terminó de convencer de que no me gusta. Quizás tenga que acostumbrarme, pero inclusive me remite a aquel Superman en la versión de Stan Lee en la que revisionó el universo DC en una serie de especiales, hace ya algunos años.

Éste es un nuevo universo, donde Batman tiene cuatro títulos y Superman dos, uno de ellos, por el momento, no convence.

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Greg Capullo nunca dejará de ser “el tipo que se encarga del arte de Spawn cuando Todd McFarlane no puede”. Y si más o menos conocen la historia de publicación del anti-héroe de Image, entonces sabrán que Capullo ha trabajado mucho. Antes de eso, fue “el tipo que se encargó de X-Force cuando Rob Liefeld se fue”, y su trabajo estaba muy cerca de lo aberrante. Sin embargo, ha evolucionado y lo ha hecho muy bien. No sólo como un digno sustituto, sino como alguien que fue agarrando su propio estilo. Y entonces, si, como yo, ya tenían años de no ver su trabajo, encontrarán en el nuevo #1 de Batman un dibujo muy agradable y muy consolidado. Las páginas iniciales en las que dibuja a una parte de la galería de villanos del héroe habla por sí sola, y su “Guasón” no tiene madre (las comillas las comprenderán una vez que hayan leído el número).

Desconozco cómo le habrá ido a Scott Snyder con su breve paso por “Detective Comics” antes de que el título terminara gracias a estos Nuevos 52 de DC Comics. No obstante al leer una parte de su trabajo de autor para el sello Vertigo de la misma editorial, es decir, American Vampire, me doy cuenta de porqué ha sido tan reconocido y recomendado. Es más, otra de las contables buenas cosas que derivaron de “Flashpoint” fue su visión del enviado de Krypton en ese universo alterno bajo la miniserie de tres números “Project Superman”.

Y entonces, con esta dupla, quizás se vale exigirle más a ambos creadores. ¿Estará sentando las bases para una saga memorable? Esperemos que así sea. Pues este Batman, sí, también tiene monólogos internos, pero mejor que en el Detective Comics. Vemos que tampoco escatimará en usar mucha tecnología y cualquier batigadget creíble que se pueda imaginar. Pero también quiero insistir, con base en reseñas pasadas, en que es un poco escalofriante ver el panel en el cual se encuentra Bruce Wayne y su kinder: Dick Grayson, Tim Drake y Damian Wayne. ¿Cuatro generaciones? ¿Eso es bueno para el personaje?

Misterio también hay en este título, por lo cual tampoco hay duda para adquirir el número dos, y ojalá éste título dé para mucho más. Eso sí, el logo de portada, al querer empatarlo con el de Batgirl, es una gran falla.

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El escritor Brian Azzarello es muy bien recibido por algunos sectores de los lectores de cómics. Es mejor reconocido por su obra de autor 100 Bullets, que fue publicada para el sello Vértigo de DC Comics. Su historia al lado del dibujante Jim Lee en Superman estuvo densa, al tratarse más del “superhombre” que del “superhéroe”. La que hizo en Batman, con Eduardo Risso, el dibujante con el cual también colaboró en 100 Bullets, me resultó aburrida y demasiado complicada. Sin embargo, esta misma dupla se encargó de hacer una de las historias que valieron la pena del evento “Flashpoint”: la miniserie de tres números “Batman: Knight of Vengeance”, con una de las más interesantes visiones alternas que se han hecho del personaje.

Por estas razones, la elección de Brian como el nuevo escritor de Wonder Woman me resultaba extraña. ¿Necesitaba la superheroína más importante del mundo un enfoque clavadón? Y es que La Mujer Maravilla ha sido uno de esos personajes a los cuales nomás no le dan. Ya hace algunos años en el podcast alababa el intento del escritor Allan Heinberg por hacer de WW la superheroína que todos queríamos ver, pero su trabajo en televisión evitó que se le pudiera dar continuidad. En años más recientes, el polémico J. M. Straczynski,  después de dedicarse por años a narrar el Amazing Spider-man, buscó traer atención para La Mujer Maravilla. A partir del número 600 de la serie, modificando su traje – ahora nuevamente con pantalones, diseño del mencionado Jim Lee – y alterando la realidad para darle un nuevo origen. Nada tampoco.

Entonces, este nuevo número uno de Wonder Woman me daba lo mismo, pero al ser uno de “Los Grandes Tres” del universo DC, no podía pasarlo por alto. Y entonces, me sorprendió.

La Mujer Maravilla no podrá desligarse nunca de sus orígenes en la mitología griega, y al comenzar las primeras páginas, uno no puede evitar en expirar un “ahí vamos de nuevo…”. Sin embargo, conforme vamos avanzando hay misterio, hay personajes nuevos, tanto monstruosos como humanos; hay dioses y hay una Mujer Maravilla, que puede pelear y pelear muy bien. Dentro de Los Nuevos 52 de DC Comics hay títulos que prefirieron enfocar el nuevo número uno a procurar explicar el origen, o el nuevo origen, de los personajes. Hay otros que optaron por meterse de lleno a la acción y comenzar una nueva saga como si nada hubiera pasado. Éste es de los segundos y, por lo pronto, ya nos ató para el número dos.

Hay un ligero cambio en el disfraz clásico y hemos visto en los artes promocionales que para sus apariciones en Justice League optará por el de pantalones largos. Eso sí, el arte de la portada me pareció bastante mediano, afortunadamente en interiores Cliff Chiang mejora considerablemente y podría llegar a convencerme. El logo me parece poco práctico, eso sí.

¿Será la buena para Wonder Woman? Es otro personaje al que se le debe y se le debe pagar ya.

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“Curarse en salud” equivale al gordo que entra al salón y, antes de que a alguien más se le ocurra, decir “hola, buenas tardes, soy tan gordo que al rato entro completo”. Geoff Johns sabe perfectamente que Aquaman ha sido más un superhéroe burlable desde hace mucho tiempo. Ni siquiera el escritor Peter David pudo mantenerlo interesante cortándole una mano, cambiándole el look y hacerlo más salvaje. Cuando murió en el 2001, nadie lo extrañó. Cuando volvió a morir en el 2006 y fue suplantado por otro, bueno, muchos ni siquiera sabíamos que ya había regresado.

Aquaman fue uno de los Linterna Negra que sí se quedaron vivos en la Blackest Night y, desde entonces, Johns ya traía algo entre manos con este personaje, que fue desarrollando en la poco práctica “larga miniserie” Brightest Day.

Afortunadamente, con este número uno, podría asegurar que el escritor está muy cerca de hacerle a Aquaman lo que hizo por Hal Jordan y los Green Lantern, más que lo que alcanzó a hacer por Flash en su Rebirth y Flashpoint.

Parte del éxito de Johns en GL fue ampliar la gama de personajes que giraban alrededor de éste, y convirtiendo a sus villanos en verdaderas amenazas. Ya lo hizo con Black Manta en la mencionada Brightest Day, y en este primer número nos presenta a una camada de monstruos de los cuáles queremos ya ver más, porque lucen espectaculares.

¿Funciona Aquaman como superhéroe en la tierra? Sí. Y en pocas páginas nos damos cuenta de cómo y por qué. ¿Cómo hacerle para olvidar los chistes de sushi, agua, caballitos de mar y demás? Curándose en salud: Aquaman puede comer pescado en un restaurant costero y está más que consciente de los chistes que se han hecho de él hasta en Saturday Night Live. Mención aparte merece su esposa Mera, quién también está muy cerca de convertirse en uno de los mejores personajes de soporte femeninos, con un gran protagonismo y energía sexual.

Por si fuera poco, todo esto apoyado por el dibujo de Ivan Reis, hace que este nuevo número uno de Los Nuevos 52 sea de los más recomendables. Si acaso, le podría criticar que el logo no es muy bueno. Por el bien de las leyendas, Aquaman se merece ya su lugar como uno de los personajes más reconocibles a nivel mundial.

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“Si no está roto, no lo arregles”. Palabras más, palabras menos, es uno de los lineamientos para la creación de Los Nuevos 52 de DC Comics: quitar lo que estorbaba, continuar con lo que funcionaba. Y si algo estaba funcionando, era el Green Lantern de Geoff Johns. Pensé que la saga “War of The Green Lanterns” era un esfuerzo débil por aprovechar, lo que en rating llamaríamos carry over, que le había dejado a Linterna Verde el evento Blackest Night. Sin embargo, fue una historia diferente y entretenida, y seguramente Johns ya tenía planeado lo que seguía, pues si hay un título que podríamos considerar prácticamente “inafectado” por Flashpoint y Los Nuevos 52, es precisamente Green Lantern. Inmediatamente después de las consecuencias de War of The Green Lanterns vemos a Sinestro portando nuevamente un anillo verde. De entrada en una portada que sí, Ivan Reis, sí entendió que se trataba de una tremenda oportunidad para hacer una imagen trascendental, impactante: un nuevo clásico, pues. Y entonces este numero se dedica a construir, aún más, las personalidades de Hal Jordan y del mencionado villano/antihéroe.

Repito, el título no fue afectado, pero ¿el personaje lo estará? Y es que si bien éste nuevo número uno parece indicar que la historia continúa tal cual, entonces aquí podríamos encontrarnos con las primeras discrepancias: este Green Lantern es el mismo. En Justice League veremos cómo se formó la Liga de la Justicia hace cinco años, cuando Hal Jordan, convertido en Parallax, se sacrificó para encender al Sol en el evento Final Night… había una Liga de la Justicia. Por poner sólo un ejemplo de cientos que podrían ser no irme ni tan atrás ni tan reciente. O Green Lantern: Rebirth o, me parece, que ni siquiera le busquemos explicación porque no la hay. Porque se alteraron las historias y se acomodaron para dejar lo mejor de cada una de ellas.

Si el dinero nos sirve como medida, este nuevo Green Lantern #1 en su primera edición ya es un nuevo clásico, pues se ubica dentro de los más cotizados a sólo unas semanas de su lanzamiento.

A mí el que no me sigue convenciendo en el dibujo es Doug Manhke, con esos rostros con demasiadas líneas. Aunque debo reconocerle la narrativa que tiene para presentar sus cuadros. Sin embargo, me hubiera encantado que también Ivan Reis hiciera los interiores, como ya lo ha hecho al lado de Johns en la mencionada Blackest Night, y muchos otros números de Green Lantern. No obstante, Johns prefirió llevárselo a otro de sus títulos: el nuevo Aquaman # 1.

Voy a ver qué hicieron y regreso.

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A mí me sigue haciendo ruido la onda de “Batman e Hijo”, pues me suena más a una caricatura vespertina de la hora de la comida que a algo que podría funcionar. Sin embargo, es ese mismo morbo el que hace al nuevo Batman and Robin # 1 interesante. Después de la “muerte” de Bruce Wayne, los pupilos Dick Grayson y Damian Wayne continuaron con el legado bajo la primera serie en portar el título Batman and Robin, con la exitosa mancuerna de Grant Morrison y Frank Quitely, en guión y dibujo. Después de Morrison, Peter Tomasi se encargó de escribir la serie con el artista Patrick Gleason, y son ellos mismos los que se encargan de este relanzamiento ahora con padre e hijo en los disfraces. Me parece curioso que, si por un lado, parte de Los Nuevos 52 de DC Comics sea hacer más jóvenes a sus personajes, como se ha analizado en podcasts anteriores, Damian Wayne permanezca dentro de estos cambios, cuando un hijo adolescente de Batman hace más viejo al personaje. Por algo ya en su momento Marvel desapareció el matrimonio de Peter Parker y Mary Jane Watson, y ahora DC lo hizo con Clark Kent y Louis Lane. Pero no es queja, pues me agradó la dinámica entre los nuevos Batman y Robin, y es que éste último está más cerca del rebelde Jason Todd, el segundo, a los obedientes Dick, el primero, y Tim Drake, el tercero.

Esta primera entrega contiene de todo: la mencionada complicada relación que habrá entre ambos, tanto en casa como en batalla; vehículos ultramodernos con el diseño de la casa, o de la cueva; un nuevo villano por demás interesante, misterios y casos por resolver, y hasta algo de “sanación”, con respecto a Bruce y la muerte de sus padres.

Este disfraz de Robin me agrada. La variación a aquél que debutara en manos de Tim, pero ahora con elementos más “pajarescos”, y claro, hay que ser muy cuidadosos en el arte para que Damian  esté más cercano a ser un niño que un adolescente o joven adulto, como sus predecesores. El hecho de que conservaran el logo de la primera serie, que nos evoca de inmediato a la serie televisiva de estos superhéroes, es otro gran acierto. Tenemos otro ganador dentro de Los Nuevos 52. 

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Scott Lobdell es un escritor con una amplia trayectoria ya en los comics trabajando para varias empresas. Pero es uno de esos curiosos casos en los que la gente lo ubica, aunque no lo recuerda por una grandiosa obra. Quizá su mayor aportación fue, en Marvel, la creación de Generation X, además de con esto guiar por un momento las aventuras principales de los mutantes.

Desaparecido de los grandes reflectores durante un rato, me sorprendió que figurara ahora como uno de los escritores de Los Nuevos 52, con tres títulos además: Red Hood and the Outlaws, Teen Titans y Superboy. Es decir, esa área  tan importante para DC Comics, que podría ser catalogada cómo el mini universo Titan, será completamente guiada por Lobdell. Lo cual puede ser bueno y no dudo de la capacidad de este creativo, sin embargo, el nuevo Superboy #1 no me entusiasmó.

Me han gustado las diferentes versiones de Superboy, de éste, el clon, por lo menos. Desde su creación a partir de La Muerte de Superman, como el punketín de la chamarra de piel, hasta la versión Conner Kent de la playera y los jeans. Bueno, quizás el hecho de que fuera mitad Kal – mitad Lex Luthor no me gustó tanto, pero de ahí en fuera fue una buena aportación a la familia Superman desde siempre.

En esta primera entrega vemos a un Superboy que apenas será liberado, cuya educación y entorno ha sido proporcionada por un programa de realidad virtual, mientras que él, en realidad, se encuentra sumergido en agua en un laboratorio. Ya sabes, lleno de tubos y esas cosas. En efecto, esa película ya la vimos. Bueno, es más… eso de un teen creciendo en una realidad virtual… pues lo tenemos hasta en el mismo DC, y con uno de sus compañeros de equipo: es prácticamente el origen de Impulse, o sea, el actual Kid Flash. Y si me apuran, pues acabamos de ver algo muy similar con la versión de Superman en el mundo Flashpoint, con el nombrado S1 o Subject One.

Entonces durante este ejemplar vemos mucho sobre el laboratorio, los científicos, claro, el proyecto y todo lo que un escenario de este tipo involucra. De no ser porque me sorprendió la incursión de Lois Lane a ésta historia, de manera que podría resultar interesante, el cómic estuvo a punto de perderme. El arte de interiores, de R.B. Silva, no es malo. El de la portada, sí. El logo es de los contados que no sufrieron ningún cambio, y ojalá vaya agarrando rumbo y forma. El traje negro con rojo, al parecer, será el que se use mientras se narra su origen, escape, adaptación al mundo exterior y el largo etc. mientras que para Teen Titans ya vimos que será algo más “urbano”.

Lo único que me pregunto es: si a Superman lo estamos viendo más joven en los demás títulos, ¿este Superboy no debería ser mejor un Superbro?

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Green Arrow siempre será un gran personaje de soporte. Sólo… no tanto. Desde siempre ha estado al costado de otros, como en la tan aplaudida corrida de Green Lantern/Green Arrow de inicios de los setenta, hasta en la hoy completamente olvidada saga Zero Hour. Y qué decir de su participación en Green Lantern:Rebirth o Identity Crisis. Es uno de los de la lista de aquellos que no se llevan bien con Batman y no teme en confrontarlo. Tampoco duda en expresar su calentura cuando su novia/esposa/ex-esposa Black Canary se encuentra cerca. Es un barbaján como sólo lo pude ser un tipo con ese bigotazo y esa barba.

Durante muchos años se le ha intentado dar más presencia al lado de los jugadores más establecidos del universo DC; sin embargo, pocas veces han logrado llamar la atención de no ser por la corrida del director/actor/escritor Kevin Smith, quien, después de su también apreciado trabajo con Daredevil, se propuso el reto de agarrar a otro personaje de segunda y ubicarlo entre los mejores, luego entonces, Flecha Verde era el cómic a leer.

Pues nos podemos olvidar de todo esto.

Con la llegada de “Los Nuevos 52” de DC Comics, vemos uno de los cambios más radicales de alguno de los personajes. De entrada el traje ha sido modificado, tendido más hacia una armadura, como parece ser el común denominador de la mayoría de los personajes, y se asemeja más a su versión “Smallville” como lo vio en televisión. Adiós al vello facial y la capucha podría ser sólo un adorno. No vemos a Black Canary por ningún lado, y los múltiples sidekicks que ha tenido Green Arrow en su historia son ahora suplantados por dos asistentes que lo apoyarán más vía radio y con tecnología inalámbrica. Aquella personalidad de la que les platicaba no se asoma, y es más un superhéroe que conquista la misión ocasional. Es un Flecha Verde que luce “más chavo”, la que seguramente fue la orden principal para el nuevo universo DC, como ya lo vimos con Superman y el Comisionado Gordon.

Además del personaje y de la importancia del título, otra razón que podría llevarme a suscribirme a algunos de “Los Nuevos 52” eran los creadores involucrados. En esta ocasión fue más por el dibujante Dan Jurgens y porque el entintador fuera George Pérez, que por el escritor J.T. Krul, quien ya venía narrando la historia de Flecha Verde como el Robin Hood moderno que cuidaba el bosque de Star City durante el episodio Brightest Day. Sin embargo, éste Flecha Verde, con esos dibujos, me saben más a un Booster Gold, el título del cual venía Jurgens.

Malo no está, pero me parece que ya tengo un primer candidato para quitarlo de la mencionada suscripción.

P.D. Minutos después de escribir ésta reseña, se dio a conocer que J.T. Krul había renunciado al título de Green Arrow para enfocarse únicamente al de Captain Atom.

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Watchmen, de Alan Moore, y The Dark Knight Returns, de Frank Millar, son consideradas dos de las historias que cambiaron el rumbo de los comics a mediados de los ochenta. Muy cerca de éstas debemos ubicar a The Killing Joke, también de Moore. Esta novela gráfica convirtió a The Joker en uno de los villanos más macabros en la historia de la cultura popular moderna, pues en primera, nos muestra su verdadero origen; demuestra que Batman está igual de orate que él, pero además, se encargó de destrozar la vida de Barbara Gordon, Batichica, al violarla, dispararle y dejarla paralítica de por vida… hasta septiembre del 2011.

Cuando DC Comics anunció que Barbara regresaría al disfraz clásico de Batichica, aquel legendario que inclusive vio su adaptación en la televisión en la mítica serie de la pantalla chica, me pareció una de las peores decisiones de estos cambios. Ellos aseguraban, sin embargo, que The Kiling Joke sí había ocurrido y no sería borrada de la continuidad.

Y es que Gordon se había convertido en un personaje con una gran evolución. Una silla de ruedas no iba a impedir que la heroína continuara con su lucha contra el mal, por lo cual se convirtió en Oracle, un apoyo incondicional para cualquier superhéroe que así lo solicitara, pues Barbara, frente a un puñado de ordenadores, podría conseguir cualquier tipo de información, rastrear llamadas y hasta coordinar operaciones encubiertas a través de una diadema y un auricular. Oracle se dedicó también, durante mucho tiempo, a reunir a varias superheroínas bajo el nombre de Birds of Prey, que inclusive llegaron a la televisión con actores reales, por lo menos durante trece episodios.

En protesta, fue uno de los títulos a los cuales decidí no suscribirme, pero la curiosidad me mató y me compré el nuevo número #1 de la serie. Y me gustó.

En efecto, lo que vemos es que The Killing Joke sí existió, pero Oracle no. Y entonces, después de varios años de rehabilitación, Barbara vuelve a usar el traje de Batichica: con el cabello pelirrojo al aire, la capa morada y los guantes amarillos/dorados; además de su característica motocicleta. Sin embargo, está lejos de superar mentalmente el trauma que le dejó El Guasón. El dibujo de Ardian Syaf es bueno, el logotipo no me gustó, y en el guión tenemos a Gail Simone, una de las escritoras de comics más populares de los útimos años, quien para nada es ajena a Gordon pues escribió durante varias etapas el mencionado Birds of Prey y a Wonder Woman, entre varios más.

A pesar de que durante varios años se intentó continuar con la leyenda de Batgirl, con diferentes personajes y disfraces, siendo la más interesante aquella “muda” con la máscara completa, creo que debo darle la razón a aquellos que aseguraban que ver de nuevo a Barbara como Batichica sería todo un placer. Y sí. Y si es lo que hay y Oracle quedará como el recuerdo de un grandioso y único personaje, pues adelante.

Ahora, mi siguiente pregunta sería: ¿para qué necesitamos entonces a una Batwoman?

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El segundo título en importancia dentro de la historia de DC Comics, es el Detective Comics, pues si en el Action Comics número uno, debutó Superman, fue en el DC número 27 -sí, de ahí el nombre de la empresa- cuando apareció Batman por primera vez. Con la llegada de los 52 nuevos títulos, cuya reseña comencé en el anterior post, entonces le toca al nuevo Detective Comics número uno.

Al darse cuenta que Geoff Johns y Grant Morrison no pueden escribir todos los comics mensuales, a DC no le quedó de otra más que darle oportunidad a talentos emergentes, y sí, hasta a dibujantes. Tal es el caso de Tony S. Daniel quien comenzó a llamar merecida atención cuando hizo mancuerna con el mencionado Morrison con El Hombre Murciélago, sobre todo en la conocida saga “Batman R.I.P” donde hizo un trabajo digno, más no espectacular. Ya como escritor y dibujante, se encargó de la secuela, es decir “Battle for the Cowl”, en la que varios presonajes se enfrentaron para decidir quién se quedaría como Batman ante el aparente fallecimiento de Bruce Wayne. No sé si es porque la miniserie fue de transición o porque Daniel simplemente cumplió, pero esperaba mejor dicho evento.

Así entonces, le han confiado encargarse del guión y dibujo del nuevo Detective Comics, en el cual nos queda a deber. La portada no es buena, no sabemos si vemos una cabeza decapitada de The Joker, o simplemente tiene cabecitas de muñeca en los hombros. El logotipo es feo y en una composición total, la portada debería de ser legendaria. Y no lo es.

La historia no es mala, y el enfrentamiento entre Batman y El Guasón es bueno. Sin embargo, habría que decirle a Daniel que ya estamos un poco aburridos del eterno monólogo interno y que ojalá no en cada número Batman diga “I´m Batman” porque entonces se convertirá en una broma recurrente. La historia, y algunas imágenes, son francamente violentas y el final es verdaderamente creepy. No se sí esa vaya a ser la nueva “propuesta” de los cambios en el universo DC.

Batman es de los personajes que menos cambios sufrirán en estos relanzamientos, lo que sí podemos ver es que el Comisionado Gordon ya no es tan viejo, y vuelve a ser el serio pelirrojo compadre con unos años menos.

No es una mala entrega y me interesa ver qué vienen en el 2, pero, me apresuro a decir, que el Batman # 1 estará mejor, simplemente porque tiene un mejor equipo: Scott Snyder en el guión, quien anda rompiéndola con su American Vampire, y Greg Capullo en el arte, el digno sucesor de Todd McFarlane en Spawn. Y entonces, poniéndome exquisito, no es un digno Detective Comics número uno, el cual, insisto, debió haber sido ya un clásico instantáneo.

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Llegó septiembre y con él, el nuevo universo de DC Comics. En un esfuerzo polémico y atrevido por captar nuevas audiencias y recuperar el terreno perdido que desde hace años llevan ante Marvel, el evento Flashpoint fue el pretexto perfecto para realizar una serie de cambios que podría resumirse como el “quedarse con lo que funcionaba y desechar lo que no”. De esta manera, no hay reglas. Los eventos que transcurrieron hace años no necesariamente continuarán, pero podrán mezclarse con sucesos de meses pasados. Y no hay una historia que lo vaya a explicar. Poco a poco nos iremos dando cuenta de cómo se acomodaron. El primer título, de los nuevos 52 números unos que editará DC este mes, fue el Justice League #1 en el que veremos cómo se forma, de nuevo, la Liga de la Justicia, pero hace 5 años.

El siguiente en importancia sería el Action Comics #1, el legendario título que le diera vida a Superman en  1938 comienza de nuevo, también con el primer superhéroe del mundo como protagonista.

El ver a Superman con jeans y una capita corta no me motivaba mucho. El hecho de que Grant Morrison fuera a encargarse del título, menos. Y es que su JLA me la esperaba mejor. Su All-Star Superman me encantó; su Batman R.I.P. me costó trabajo; su Return of Bruce Wayne me aburrió, y Batman and Robin estuvo entretenido. Pero lo que si se pasó de tueste fue su Final Crisis: complicada a morir. Me parece que Morrison funciona mejor si lo mantiene simple y, de entrada, es lo que hace con el nuevo Action Comics. La mayoría de las veces que hemos leído la frase “regreso a las raíces” nos hemos llevado un chasco, y no ha sido más que un gancho para vender un evento o historia. Morrison sí lo hace. Hemos visto en esta primera entrega al Superman que todavía no vuela, sino que brinca muy alto. Al que, para avanzar, corre muy rápido, no eleva los brazos y flota. Un Superman cuyo rostro aún puede ser dañado en una pelea, y claro, quedar al borde de la muerte después de detener un tren.

Ayuda el dibujo de Rag Morales a hacerlo parecer retro, sobre todo con algunos rostros que nos remiten a la caricaturización de Joe Shuster, recordando la portada clásica del primer Action Comics #1.

Desde que se mostraron las primeras imágenes sobre el rediseño de personajes para Los Nuevos 52, se vio a un Superman más joven y quizás es lo que más me brinca de ésta nueva versión, pero fuera de ello, ya llevamos dos palomitas. La primera fue lograda con el Justice League, conseguida en su totalidad por el dibujo de Jim Lee, quien hace a unos extraordinarios Batman y Green Lantern en el nuevo número uno de dicha serie.

¿Lo irá a lograr DC Comics?

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A todos nos ha pasado el fenómeno de la sobrevaluación o la subvaluación. Nos hablan maravillas de un disco, de una banda, de una serie de televisión y claro, de una película, elevando las expectativas al límite, para entonces, al momento de consumirlo, quedarse con un sabor de boca que dice “Sí está bien, pero no es para tanto”. Por supuesto, funciona a la inversa cuando te hablan de una verdadera porquería, y a la mera hora, no lo es tanto, en un análisis más meticuloso. Es muy probable que esto último me haya pasado con la primera película de Linterna Verde. Nunca me latió Ryan Reynolds como Hal Jordan. No sólo porque me parece que su fuerte es la comedia romántica, que ha logrado con buenos resultados como es el caso de “Definitely, Maybe”; pero, además, porque en acción nunca ha convencido, como en “Blade 3” y en “X-Men Origins: Wolverine”, cuyo Deadpool se quedó a medias. Agregándole, claro, como ya lo hice con el caso de Chris- Soy la Antorcha Humana pero también el Capitán América- Evans, como lo decía en mi anterior post, me cuesta trabajo creer que de verdad no había nadie más indicado para el papel del Green Lantern humano.

Que el traje fuera completamente animado por computadora me daba mala espina, además de pretender hacerlo más “orgánico”. A mi eso me empezaba a oler a un “Episodio I de Star Wars” dónde se exageró con los efectos especiales, que fuera de adornar, distraían de lo principal. Las malas críticas y la lenta recuperación de costos en la taquilla norteamericana decrecieron mi interés por ver la cinta.

Pero había que hacerlo, y entonces, primero lo malo:

A pesar de que semanas antes de su estreno, se dio a conocer que a la cinta le habían destinado aún más presupuesto para efectos especiales, pues los que tenía no convencía a muchos involucrados en la producción, no fue suficiente. El poder verde luce feo, chafa, sin definición. Me parece que no hubo un estudio o guía de cómo querían que se viera en la pantalla. Más real o más caricaturizado, lo que fuera, pero que se viera definido, constante, congruente. Pero la medalla al poco y mal logrado diseño de los efectos especiales, se lo lleva Parallax. Este ente, que en los cómics luce completamente diferente, resulta patético y se parece más al Spider Baby, la araña mecánica con cabeza de bebé de juguete de Toy Story. Si me apuran, Parallax no era un villano que debía aparecer en una primera entrega, pues en un afán de querer explicar de una vez el poder verde de la voluntad y el poder amarillo del miedo, se pierde tiempo y la película llega a sufrir de demasiado diálogo y de escenas innecesarias: si voy a ver una película de Green Lantern, quiero ver a Linterna Verde, no quiero ver una persecución de aviones que, créanme, ya he visto una y otra vez en el cine. Hector Hammond tampoco me pareció una buena elección de villano, a pesar de que, en un inicio, el actor Peter Sarsgaard lo hace muy bien, pero conforme el personaje se va caricaturizando, cuesta más trabajo creerle. Y es que no había manera de que un maloso cabezón luciera bien en la vida real, ya de origen era difícil. Al contrario, conforme avanza la cinta, debo decir que tanto Ryan Reynolds como el traje me convencieron. No me conformo, pero me convence. Me parece que la mejor secuencia de toda la cinta es cuando Hal visita, por primera vez, Oa.

Y es que he dejado lo mejor para el final:

Mark Strong como Sinestro está fenomenal. Y ahí estaba la respuesta para crear una película redondita: Contar entonces mejor, sí, el origen de Hal Jordan, pero de la mano de la transformación de Siniestro, el “Mejor Linterna Verde de todos los tiempos”, a la de “Nemesis de Los Linterna Verde” y claro, terminar con la creación del primer anillo amarillo, pues la escena post créditos, no tiene, hasta el momento, justificación alguna en la historia.

Green Lantern, entonces, se queda verde en varios aspectos y no termina por cerrar la pinza. Vaya, hasta en la primera pronunciación del juramento, ¿cómo para que tenía que estar entrelazado con la transformación de Hammond? Y es más, es en ese momento cuando debimos de haber visto la primera aparición del traje. Pero, a pesar de todo, hay un mundo de oportunidad con la ya anunciada secuela. Sí, todavía hay luz al final del túnel…

Aquí el trailer del filme:

Video tomado de YouTube, de la cuenta del usuario: ‘rojano25’.

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De las cosas rescatables de las dos películas de Los Cuatro Fantásticos fueron la interpretación de Chris Evans como La Antorcha Humana, y la muy bien retratada relación con La Mole. Es en The Losers (muy recomendable) donde se mereció mucho más respeto de mi parte, porque son precisamente ese tipo de papeles los que le quedan muy bien, con tonos de comedia y aventura. Desde que nos enteramos que él sería quien interpretaría al Capitán América en la nueva adaptación cinematográfica, muchos brincamos por dos cosas; en primera, porque no se vale interpretar a dos superhéroes, y menos del mismo universo y de la misma casa, pues resulta poco creíble que él, y sólo él, fuera el único apto para el papel. (El caso de Ryan-Deadpool, pero también Green Lantern-Reynolds, será tratado en otra ocasión); y en segunda, porque, lo primero que me vino a la mente es: si Evans y Robert Downey Jr. se van a juntar en la cinta de The Avengers en el 2012, hay uno de los dos que robará cámara por su capacidad histriónica, y vaya, simplemente por personalidad… Y creo que no necesito aclararles a cuál de los dos me refiero. Sin embargo, habría que esperar… y confiar.

Confiar en que el director Joe Johnston no era ni ajeno a las películas situadas en la Segunda Guerra Mundial ni a los personajes de cómics, como lo hizo con The Rocketeer en 1991. Si además, se iban agregando grandes actores como Tommy Lee Jones y Hugo Weaving en el rol del villano principal, las cosas marchaban bien. El traje no tenía que ser fiel. Es uno de esos casos en los que se podían unir varias ideas, como bien se nota que tomaron el original y le agregaron elementos de la versión Ultimate del Capitán América. Es más, resulta un buen gag dentro de la cinta burlarse un poco de cómo se vería si hubiera sido trasladado tal cual.

Pero el resultado final… no cumplió del todo.

La vara había quedado elevada con Iron Man y con Thor ( no así con Iron Man 2, opino yo), pero además, era el último escalón para la valiente, audaz e innovadora reunión de todos en The Avengers. Pues en el camino hay un ligero tropezón. Ligero, porque no es grave, porque la película dista mucho de ser mala o insufrible. Sin embargo, me faltó algo espectacular. Si bien en Thor muchas cosas me sorprendieron, y Iron Man fue una gran montaña rusa de emociones, gags y acción, Captain America: The First Avenger se queda corta, porque nunca terminé de creerle a Evans que él será el líder y guía de Los Vengadores. Porque la muerte de Bucky resulta simple, sin chiste, poco impactante. Y si quisieran continuar con una trilogía por separado del Cap, se arrepentirán de no haberle dado la importancia requerida a este evento.

El resto de la historia no es mala, y cumple bien la función de continuar hilando eventos de las cintas paralelas de los ya mencionados. Es más, los que estén leyendo el evento actual “Fear Itself” de Marvel Comics, encontrarán varias similitudes.

Odio la maldita costumbre de que, en las películas de superhéroes, haya un momento en el que pierden la máscara y así continúan luchando. Pasa en Spider-Man; pasó con Batman; pasó con Iron Man… supongo que obedece a cuestiones visuales y hasta de presupuesto, pero me parece que le restan importancia a todo lo que hay detrás de una máscara y las consecuencias psicológicas de la mitología de un superhéroe. Bueno, pues en Capitán América me pasó al revés: le creí perfecto a Evans que él era Steve Rogers cuando, después del suero del super-soldado, sale corriendo a la calle, pero perfecto. Weaving me logró infundir temor durante toda la planeación de la trama… hasta que revela su cara roja, la cual, desde que apareció la primera foto, no me dio mucha confianza. Sí, es Red Skull, pero, ahora sí, buscando ser más afín con el cine que con el cómic, me hubiera gustado ver algo más “real”, quizá algo de músculo al aire, dañado. Más Two-Face en The Dark Knight, y no ver al “Cráneo lleno de labial Rojo”.

Eso sí, perfectamente logrado e impactante la tecnología que se usó para la transformación de Evans cuando aparece como el “Skinny” Rogers. No hay un sólo error, o dudoso mash-up, como a veces ocurre en El Extraño Caso de Benjamin Button. Aplaudo también la interpretación del genial Stanley Tucci como el Dr. Abraham Erskine.

Llegó el Capitán América y ya no hay marcha atrás. Llegó con el primer teaser partemadres de Los Avengers; y sí, a pesar de la rapidez… insisto, Evans quedará opacado por Downey Jr. cuando en los cómics, Tony Stark debe ser, si acaso, el igual de Steve Rogers pero nunca superior. Bueno, es más, si me apuran, hasta Chris Hemsworth, como Thor, tiene más presencia.

Ahora sí, todo está listo y estamos a menos de un año para que el grito de moda sea el Avengers Assemble!

Mira el trailer de la cinta:

Video tomado de YouTube, de la cuenta del usuario: ‘luis619ism’.

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Por:

En las películas animadas directas a DVD/Blu-ray, tanto DC Comics como Marvel han encontrado una nueva oportunidad para exponer a sus personajes e historias. Por una parte, aquellos que difícilmente veríamos en la pantalla grande, y por otra, adaptaciones de historias específicas que gustan  a los que ya las vivieron en el cómic, pero sin dejar de ser nobles y accesibles para aquellos que no cuentan con la información previa. Ya para estas alturas son varias las cintas animadas que podemos encontrar, pero, como en todo, algunas salen mejor libradas que otras.

Aprovechando, por supuesto, el debut cinematográfico del Dios del Trueno, la más reciente entrega de Marvel es Thor: Historias de Asgard. De unos años para acá, en los cómics se han creado historias que pretenden ahondar más en la juventud de Thor y su crianza; la relación con Odín, su padre; así como la de Loki, su medio hermano; y todo lo que hubo antes de que Thor llegara a la Tierra a través de Donald Blake. (Para ahondar más en esto, sugiero, sin pena alguna, la serie de podcasts dedicadas al personaje: Thor, parte 1 y Thor)

Para ser sincero, dichas historias pocas veces han cobrado una gran relevancia, por lo que la cinta animada a revisión no me atraía del todo. A Thor ya lo vimos de manera animada en la doble entrega “Hulk Vs” en la que el gigante verde pelea, en el primer episodio, contra Thor, y en el segundo, contra Wolverine. El que vale la pena es precisamente éste último.

Para “Thor: Historias de Asgard” optaron por algo que podríamos llamar “Teen Thor”: con un chalequito, sin la capa, sin el casco, y vaya, lo que más duele, sin el martillo Mjolnir, quien aparece nada más como una mera referencia y en un gag que está divertido. Los creadores tomaron elementos de las Amazonas, de La Mujer Maravilla, de Las Crónicas de Narnia, La Brújula Dorada y sobre todo, de El Señor de los Anillos. Uniendo todo esto, más música con bases celtas, nos dicen que así es Asgard, y bueno, pues hay que creerles. Cuesta trabajo, entonces, entrarle a este joven Thor con su joven hermano Loki y con los también jóvenes Warriors Three; además de Lady Sif, el mencionado Odín y un elfo que, si no mal recuerdo, no suelen vivir junto con los asgardianos. Bueno, pues una vez superando todo esto, poco a poco la cinta nos va divirtiendo, con una vuelta de tuerca interesant, y presentándonos uno de los pasajes que también pudimos ver, a su manera, en la película con actores reales: la irresponsabilidad de las acciones de Thor que desatan el rompimiento de una tregua.

La animación cumple, no hay algo que sorprenda. El casting de voces es adecuado y aquí debo anotar que no es la primera vez que Videomax, la distribuidora en México de éste material, evita ofrecer versión con subtítulos, y sólo puedes verla o doblada en español o en versión original en inglés por lo que, al usar palabras rebuscadas asgardianas, a veces podría resultar difícil entender ciertos diálogos.

“Thor: Historias de Asgard” se queda como una curiosidad, más para la colección que como una compra obligatoria.

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Este post funciona a manera de continuación del anterior, o sea, el que pueden encontrar dando clic aquí, y que se escribió antes de que viera la película. De tal forma que ésta es la reseña.

No puedo evitar, entonces, pensar que realmente estaba muy sencillo usar a los personajes que en el cómic formaron parte de la verdadera primera generación de X-Men. Es decir, en lugar de Havok, Cíclope. Un Iceman transformado completamente en hielo, con un efecto visual mucho mejor que el de diamante de Emma Frost, que se ve realmente gacho. Y procurar acomodar a Ángel de alguna manera, puesto que, como todos sabemos, en la cronología de las películas lo acomodan hasta The Last Stand. Y es que no es sólo eso, sino que la historia de Mystique con Xavier termina por hacer, de todo esto, un cagadero.

La única manera en la que esto podría funcionar, y lo haría muy bien, es como lo han hecho entrever sus productores y realizadores: que está planeada como una nueva trilogía y que ésta terminará justo para darle paso a la historia de la original saga. Si es que en un futuro veremos la incorporación de los originales originales, entonces: adelante.

X-Men First Class falla en la elección de muchos actores. La mencionada Emma Frost nunca impone, nunca es la femme fatale que es en el cómic. Vaya, ni guapa es. Mientras que en la historieta cada aparición es para poner de nervios a todos, no sólo por sus atributos físicos que no duda en mostrar cada que puede, sino porque, como ya también lo mencionaba, en cualquier momento apuñala por la espalda; Mystique es una niña chubby y aunque quieren justificarlo con sus problemas de personalidad y aceptación, y su eventual transformación en la versión de Rebecca Romijn, no puedo evitar ver a una Bridget Jones con piel azul; el adorable Nicholas Hoult funciona perfecto como Hank McCoy, más no  como Beast, y el pésimo maquillaje no le ayuda para que realmente creamos que su transformación mutante ha ocurrido; Michael Fassbender cumple muy bien como Magneto y la escena del levantamiento del submarino me parece que es una de las mejores, no sólo de la cinta, sino de toda la saga en cine; del otro lado, James McAvoy no me terminó de convencer como Xavier. A veces se la creí, a veces no, y quizás obedezca más a un problema de guión, pues eso de verlo tomar cerveza como para creer que Charles es “cool” era completamente innecesario; en esta área, entonces, el que realmente me sorprendió fue Kevin Bacon como Sebastian Shaw: un gran villano, poderoso, al que hay que temerle y mucho, sin necesidad de un disfraz subidito de folklore.

Y entonces, después de todo esto ¿qué? Bueno, los aciertos de X-Men FC recaen en que, por momentos, logra recrear y representar en la pantalla lo que el grupo fue: una serie de adolescentes que no se conocían entre sí, buscando ser aceptados, descubriendo sus poderes y el uso que les pueden dar. El que ahora serán los protagonistas de una guerra entre tres bandos y que habrá consecuencias se alcanza a ver, no por la muerte de Darwin cuyo período de luto dura menos que lo que se tarda el tipo en explotar, y bueno, claro, el objetivo principal era la relación de amistad entre Erik y Xavier que se fragmenta y se convierte en el pilar sobre el cual giran las confrontaciones entre ambos. Es precisamente por esto que en las reseñas a la cinta le está yendo muy bien, porque la aventura y la evolución de los personajes está, y bueno, hasta los trajes con amarillo lucen fenomenales en la pantalla, así como todo el entorno de la época en la cual se desarrolla la historia. Que si es mejor que Thor, que sí la franquicia estaba muerta y acaba de revivir… no comparto dichas opiniones. Que me la esperaba peor cuando vi los primeros trailers, sí. Que me la esperaba mejor después de tanto aplauso, también.

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Primero que nada, debo de sacarlo de mi sistema: Sí, la elección de los personajes es la peor. Son integrantes que han formado parte de los X-Men pero siempre han sido considerados de medio pelo. Y ya iré llegando al punto poco a poco. El hacer una precuela de una trilogía complicaba ciertos eventos, como el incluir a Wolverine, a Rogue y a Angel. El primero, claro, porque el ya tiene su cinta aparte, pero además porque los tres conocen a los X-Men hasta la primera y tercera  película de la adaptación en cine de los mutantes más populares del cómic. Pero entonces,  hubieran optado por ser más fieles al cómic y entonces irse por la verdadera primera generación de los X-Men: es decir Cíclope, Jean Grey, Beast, Iceman y Angel. En el caso de Cyclops, urge una redención del personaje en el cine después de cómo lo trataron en X-Men: The Final Stand. Por lo que entonces, si se iba a modificar la historia de todas maneras, pues por lo menos lo más apegado al cómic hubiera sido lo ideal. He escuchado buenas críticas de la cinta, y debo decir que no fue sino hasta el último trailer que entonces más o menos comenzó a convencerme de que podría tener algo interesante. Me parece entonces que, dejando a un lado a los personajes, lo que podría estar muy bien logrado en la historia es el eje de la misma: la relación entre El Profesor Xavier y Magneto. Esto sí ocurre en los cómics: en algún momento, se conocen, forman una amistad y se preocupan por el futuro de los mutantes ante los ojos del homo sapiens. Sin embargo, en el camino Eric, Magneto, va tomando decisiones radicales que obligan a Xavier a desmarcarse y elegir su propio camino para llegar a su sueño: el respeto y la convivencia total entre ambas razas. A lo largo de la trilogía original de los X-Men en cine, pudimos ver destellos de esta relación cuando los dos personajes platicaban, por lo que ojalá todo vaya encajando de manera inteligente y lineal.

Ahora bien ¿quiénes son los integrantes de la primera generación de X-Men en la película? En los cómics, éstos son:

Beast: Hank McCoy, quien cuenta con gran agilidad, fuerza e inteligencia. Desde su primera aparición y durante muchos años, no contaba con pelo azul, sino que tenía un aspecto “simiesco”. Después de experimentar consigo mismo con genes de mutación, detona la siguiente etapa de su propia metamorfosis, para ahora lucir peludo, con garras y con una cara… de bestia. Fuera de un breve período en el que retoma su apariencia humana, ahora inclusive luce más “felino” y será siempre el doctor/científico al cual los X-Men recurrirán, pero además, al ser uno de los fundadores, es una de las almas que siempre mantendrán con esperanza al equipo

Banshee: la segunda gran generación de X-Men llegó con un equipo internacional formada por la africana Storm, el canadiense Wolverine, el alemán Nightcrawler, el indio Thunderbird, el ruso Colossus y el irlandés Banshee. Cuenta con el poder de gritar… sí, gritar muy fuerte y su grito sónico sirve para atacar pero también para volar. Fuera de Thunderbird, que murió de inmediato, Banshee fue el personaje que no alcanzó a despuntar (¿ven?) y a los pocos años de debutar, se retiró del equipo y más bien fungió como personaje de soporte, hasta que en los noventa se convirtió en uno de los líderes de Generation X. Actualmente está muerto.

Havok: corresponde a una etapa intermedia entre los Nuevos X-Men, mencionados anteriormente, y la primera generación. Hermano de Cíclope, lanza rayos de plasma e ingresó al equipo al lado de Polaris, hija de Magneto. Por varios años fue el líder de X-Factor y actualmente se encuentra en el espacio

Azazel: uno de los tantos personajes inventados sólo para satisfacer cierta historia. Es el padre biológico de Nightcrawler y después de su debut en los cómics de Uncanny X-Men para explicar su origen, ha desaparecido… y eso es todo.

Emma Frost: La vimos ya en la película de Wolverine. Es de los personajes de las últimas dos décadas que, uniéndose a los X-Men, aún continúa ya como parte integral del equipo. Comenzó siendo villana, conocida como la White Queen, como parte del Hellfire Club, y su conversión al lado de los buenos llegó cuando, al lado de Banshee, también dirigió a Generation X. Es el actual interés romántico de Cíclope, desde hace ya varios años, aunque no deja de tomar decisiones polémicas por lo que en cualquier momento, todos lo sabemos, es probable que regrese al lado del mal.

Mystique: Ya la vimos en toda la trilogía original. Villana que a veces ha ayudado a los X-Men, inclusive ha sido parte, pero nunca se puede confiar en ella. Es la madre de Nightcrawler.

Sebastian Shaw: uno de los líderes del grupo secreto de mutantes malos conocidos como el Hellfire Club. Se han enfrentado a los X-Men en muchas ocasiones y son responsables en gran parte de la transformación de Phoenix a Dark Phoenix, en la legendaria saga de la misma.

Dejaré a otros personajes fuera; sin embargo, con todo esto podremos ver la película y entonces ver qué tanto fueron cambiadas las historias de los mismos. Que quede claro, que si nos van a ofrecer un buen producto, entonces no hay problema. No se trata de ser terco o fanático aferrado.

Video tomado de YouTube, de la cuenta del usuario: ‘xmenmovies‘.

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Datilera en maceta, de la serie Naturaleza para uso humano.

Los Beastie Boys editaron su octava producción discográfica oficial bajo el título Hot Sauce Committee Part Two. Un disco que además de ser fresco y actual  también es innegablemente parte del sonido e historia de estos raperos. La lírica me recuerda a la insolencia del  Licensed To Ill y Paul’s Boutique y musicalmente es más cercano al Hello Nasty y a algunos tracks del To The 5 Borroughs.

El lanzamiento de este material me inspiró instintivamente a largas sesiones durante las últimas semanas recorriendo todos los álbumes oficiales, antologías y hasta disfruté nuevamente del Some Old Bullshit (la colección de las canciones punketas y abrasivas de sus inicios). El futuro de los Beastie Boys no está planeado, no se puede afirmar la aparición del Hot Sauce Committee Part One, que originalmente estaba planeado para mediados del año pasado ni tampoco se tiene presente una gira del trío de MC’s . Esta incertidumbre está inspirada en gran parte por la enfermedad de MCA.  Lo que se tiene con certeza es que los Beastie Boys vuelven a sacudir el hip hop; en la primera semana vendieron más de 128,000 copias y el disco se encuentra en segundo lugar de popularidad, detrás de Adele y en primer lugar en las listas especializadas en hip hop.

Les presento un recorrido por los los 8 discos de estudio, considerados como los álbumes oficiales de los Beastie Boys, ya que todos y cada uno de ellos merece ser celebrado. En estos discos escucho como su pasado continúa siendo vibrante en el presente.

Licensed To Ill (1986)
El debut de los Beastie Boys es legendario por varias razones. Históricamente, el álbum fue editado por una de las disqueras más importantes del hip hop, la en ese momento recién fundada Def Jam Recordings. El sello fue creado por Russell Simmons y Rick Rubin, este último también estaría a cargo de la producción del LP. La combinación entre los tres carismáticos y extrovertidos Beasties  y la particular estética que transgrede cualquier género musical de Rick Rubin resultó explosiva. Musicalmente,  les será muy difícil encontrar un disco más divertido, travieso y contagioso que este.  Los Beastie Boys se presentan como tres estereotípicos raperos, malos, vandálicos y hasta homofóbicos y misóginos, pero todos sabemos y escuchamos que sólo son tres lindos y flacuchos nenes judíos de Brooklyn. Aún así, su conciencia y ética les pesa tanto, que en 1999, Ad-Rock publicó una carta abierta en la revista Time Out New York pidiendo disculpas por sus letras ofensivas.

Paul’s Boutique (1989)
El segundo disco de los Beasties se convirtió en una producción de culto. Originalmente no atrajo la popularidad y atención que su debut ni generó instantáneamente un himno como ‘Fight For Your Right‘, pero es uno esos álbumes que con el tiempo fue ganando el estatus que no recibió en sus inicios. Este es un disco de big beats, de grooves de carácter fuerte y de sonido confrontativo in your face. La producción corrió a cargo del dúo Dust Brothers, que llevan a su límite composiciones de otros artistas por medio del sample y el sentido del humor y aliviane de Mario Caldato Jr. Se podría decir que Paul’s Boutique es el Licensed To Ill con bling bling en dónde cuenta.

Check Your Head (1992)
Este álbum fue lanzado en el año de 1992, justo en el momento que el mundo entero había adoptado al grunge como un movimiento propio. El sonido de este disco de los Beastie Boys parece adecuado a su momento histórico, la música es alternativa y su trío de instrumentos dominan la parte central de las canciones. El rock-punk lleno de distorsiones se hace sentir y  el groove hip hopero no se ve afectado. Las canciones tienen un ambiente particularmente oscuro y aunque en las letras son tan engreídos como siempre, las nihilistas melodías son indiscutiblemente himnos de la generación X. Este disco bien se puede considerar el Nevermind del hip-hop.

Ill Communication (1994)
Si el Check Your Head es el Nevermind, entonces el sencillo ‘Sabotage’ es la ‘Smells Like Teen Spirit’ del hip hop. La canción venía acompañada de un video dirigido por Spike Jonze inspirado en los programas policíacos de la televisión de los años setenta y esa estética retro también se aprecia en la música del álbum. Ill Communication es un disco en el que se escucha la aguja cruzando un vinil sucio y las bases rítmicas son extraídas del old school funk. Si hay un disco que puede resumir todo lo que significan los Beastie Boys, es este. Entre los colaboradores se encuentran Money Mark y su fiel productor Mario Caldato Jr.

Hello Nasty (1998)
La quinta producción de los Beastie Boys es un asunto fiestero, de club y con toda la estética reventada de la música electrónica. Apropiadamente, en la canción ‘Unite’ hacen la invitación: “Ravers of the world unite”. En este disco pueden encontrar beats que rebotan, la fiebre global que existía en esos momentos alrededor del drum&bass y mucho loop dance. En la canción ‘Picture This’ hasta se escucha la presencia de Portishead. Un disco para bailar que cae en los excesos y que probablemente sólo de escucharlo debería dar cruda.
No sé exactamente el porque, supongo que me nace del mismo lugar de donde criticamos a las bandas mexicanas cuando cantan en inglés, pero me emociona de sobremanera el final en español de la canción ‘The Move’ que cierra con un sampler de ‘El Rey y Yo’ de Los Ángeles Negros.
Este sería el último disco producido por Mario Caldato Jr y el inició de la fructífera relación entre los Beastie Boys y el tornamesista Mix Master Mike. Probablemente este es el título de un disco de los Beastie Boys que mejor define su contenido. La música es guarra, necia y sudorosa.

To The 5 Buroughs (2004)
Este disco está dedicado a la ciudad de Nueva York y sus cinco barrios, pero no sólo es una carta de amor a la ciudad natal de los MC‘s, también es un tributo al mismo hip hop. Este es, indiscutiblemente, el disco más serio de los Beastie Boys. En el exploran la tradiciones más trascendentes y esenciales de la cultura de este género musical. El álbum es el sonido que resulta de la clásica combinación entre MC’s y DJ, este último siendo el asombroso tornamesista Mix Master Mike. Este es un disco que se encuentra lejos del antro y cerca de la calle. Su actitud es urbana, pero lejos de caer en los clichés del rap ghetto, es un sonido muy refinado y elegante. Una de las partes estéticas del hip hop es el graffiti y si este fuera un trabajo visual, no sería del que se creaba en acto de rebeldía en los vagones del metro nuyorquino de los años setentas, sino el graffiti que actualmente se muestra en museos y galerías. Este LP es el arte consagrado y aceptado por la academia del hip hop.

The Mix-Up (2007)
No se puede escuchar este disco sin recordar la colección The In Sound from Way Out!, un acoplado editado en 1996 que contiene las piezas instrumentales que originalmente habían aparecido en su mayoría en los discos Check Your Head e Ill Communication.
La música instrumental de los Beastie Boys es de raíz blues, pero no se distraen del groove a favor de la abstracción a la que puede llegar ese género musical. Si los Beastie Boys son ligeros y alivianados, no lo dejan de ser en su propuesta instrumental. Se escucha claramente que se divirtieron como enanos al grabar estas piezas y que su intención nunca fue romperse el coco o desafiar matemáticamente la gravedad tonal, como lo hacen muchos de los jazzistas. Este disco me recuerda a la obra de gente como Booker T. Jones y John Lurie, es blues eléctrico con mucho funk. Esta obra ganó el Grammy por mejor obra instrumental pop en su año.

Hot Sauce Committe Part Two (2011)
Después de la seriedad del To The 5 Buroughs y la sofisticación del The Mix Up, los Beastie Boys presentan las letras más pubertas,  ego-fantásticas, y elocuentes que hayan grabado en cualquiera de sus trabajos previos. La grabación del disco ya estaba iniciada cuando recibieron la mala noticia de la enfermedad de MCA y decidieron mantener la ruta alegre por la que habían optado desde un principio. La música feliz y fiestera de este disco no sólo fue una terapia para los miembros de la agrupación, sino lo es para todos los que lo hemos escuchado. La música es tan exagerada como sus alardes. Los beats son de esos que se te meten al sistema motriz y no puedes evitar moverte al escucharlos, aunque sea por lo menos marcando el ritmo con el pie debajo del escritorio.
La conclusión a la que llego con este disco, es que los Beastie Boys difícilmente me decepcionarán, porque hasta ahora, no han hecho nada que no me encante.

En el mes de abril el autoproclamado colectivo de arte terrorista, llamado Voina (Guerra), ganó el premio de arte “Innovación 2011” entregado por el Ministerio de Cultura de Rusia por su intervención radical al puente levadizo Litneyny en la ciudad de San Petersburgo.  En 23 segundos, antes de que el puente se elevara, dibujaron un pene de aproximadamente 65 metros de altura con pintura blanca. Cuando el puente quedó en su posición vertical, la imagen del gigantesco falo, con todo y sus testículos, apuntaba directamente al edificio de la Dirección del Servicio Federal de Seguridad (SFS); el título de la obra es “Un miembro capturado por la SFS“ (A dick captured by the FSB). Voina fue otorgado casi 15 mil dólares, pero el premio no les llegó fácil. Primero causaron controversia cuando originalmente fueron descalificados, por no firmar un documento en el que sometían su trabajo a competencia. Posteriormente, según informes del miembro del jurado, Ekaterina Degot, no fue tanto que la mayoría votara a su favor, sino que la mayoría no quiso votar en su contra. Voina es un grupo radical de arte y sus miembros están acusados por varios crímenes, entre las imputaciones más severas esta el voltear varios coches de policía, con los oficiales adentro, frente al palacio de gobierno en un happening titulado “Golpe al palacio“ (Palace Coup). Algunos miembros del colectivo podrían llegar a tener una sentencia de hasta 7 años en la cárcel.  El Ministerio de Cultura, expresó que no censuraría la decisión del jurado, pero que le parecía insólito premiar a vándalos y criminales.

El arte callejero, como el graffiti, los carteles, esténciles e intervenciones a propiedad pública y privada, se ejerce a pesar de las leyes, la buena moral y lo aceptado como apropiado en nuestras sociedades que pretenden ser civilizadas.

El reconocimiento en el mainstream que ha ganado el arte callejero en la última década, y cuya inercia probablemente nace principalmente de la fama y obra del artista inglés Banksy, ha puesto tanto a los artistas, como a los consumidores y a los mercaderes del arte en una situación incómoda.

El arte ilegal, plasmado en la calles, despierta preguntas retóricas sobre la propiedad, sobre los derechos de autor y sobre la pertenencia en general. Los artistas callejeros no ganan dinero directamente de plasmar sus imágenes en las ciudades, pero ahora sus obras se subastan en Sotheby’s y se exhiben en museos de arte contemporáneo y  en mansiones de coleccionistas. Para muchos críticos, esto significa la máxima glorificación del vandalismo. Para muchos amantes del arte callejero, los artistas se venden al sistema contra el que se expresan.

Desde el 17 de abril y hasta el 8 de agosto se celebra el arte calllejero, en una exhibición titulada “Art In The Streets” en el Museo de Arte Contemporáneo Geffen en la ciudad de Los Ángeles. Este mismo museo mandó eliminar el mural exterior que se había comisionado del artista urbano italiano, Blu. La obra presentaba ataúdes de soldados cubiertos de dólares, lo que se consideró inapropiado por la proximidad del edificio con un hospital de veteranos y el Monumento a los Soldados Japoneses- Americanos. El arte callejero es desafiante por naturaleza y por más que la controversia sea lo que, tristemente, más buscan los vendedores de arte, la esencia del arte urbano, es ilegal.

Varios admiran los murales, o las obras de artistas como Swoon o el político Banksy, pero rechazan los tags y los graffitis. Se sienten con el juicio estético de hacer distinciones entre los graffitis buenos y los que consideran sólo rayones. Pero en esencia, nacen del mismo lugar; de la necesidad de dejar tu marca en una pared, sin tener que comprar el edificio o tener la aprobación de un curador.

El arte terrorista de Voina levanta fuertes cuestionamientos contra su estado y esta es la misma motivación de muchos artistas que llevan su obra a las vías públicas. El arte de Voina, la estética, esta en el acto mismo, no en la imagen, al igual que en los tags (aunque personalmente me encantan las paredes donde se reúnen muchos tags, para mi, en el caso de esas firmas, más siempre es mejor).

Querer vivir en una ciudad sin rayas en nuestro país, es querer vivir en las falsas apariencias (algo que parece gustarle mucho a nuestra sociedad). Las ciudades están intervenidas, porque tienen seres que las habitan y las hacen suyas a pesar de no ser dueños de nada; nuestras paredes están pintarrajeadas con el respeto que se merecen nuestro estado.

@lamadela

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Posibles spoilers, ¿ok?

No recuerdo dónde leí que la onda de los dioses asgardianos, no es que usaran magia, sino que su tecnología era tan avanzada y tan alejada a la nuestra, que podría parecer magia. Y ponían el mismo ejemplo: es como si le hubieran dado un iPod a un hombre de Cro-Magnon

Era muy fácil crear un Asgard y unos trajes que cayeran en lo ridículo, en lo poco creíble. Y si bien las fotos previas no me daban mucha confianza, la integración de todo el concepto ya en la pantalla grande me parece de un diseño de arte excepcional, del que me atrevo a decir, estará nominado al Oscar. No es sólo la ciudad, es la visualización del puente Bifrost y la manera en la que se transportan a la Tierra. Son esos movimientos de cámara que suben al cielo, topan con “el techo” y dan la vuelta para hacernos imaginar cómo y dónde se ubica el reino de los dioses nórdicos.

 Era también fácil irse por el lado del Thor poderosísimo, al que no se le mueve el pelo y entre más mamón hable, más se le respeta. Afortunadamente hay una mezcla del Thor que impone, pero del Thor que sonríe y que hasta puede bromear. Ya les mencionaba yo en un podcast que en el relanzamiento de la serie mensual de Thor del 2007, me parecía que el escritor J. Michael Straczynski había encontrado justo ese balance entre el si hablar de manera elegante y suntuosa, pero sin llegar a las frases intragables y hasta agotadoras. Y pues cual es mi sorpresa, que sí, al ir rolando los créditos, veo que la historia para la película fue co-escrita por JMS.

Iré dudando menos cuando un director que no había realizado una película de acción, de repente es comisionado para encargarse no sólo de una cinta de gran presupuesto y de verano, sino de un personaje establecido. Así me ocurrió con Bryan Singer y los X-Men, y así dudaba de la capacidad de Kenneth Brannagh para que no nos ofreciera simplemente una novelota. Su capacidad como actor no la dudaba, ni su facilidad para hacer llevar la obra de Shakespeare de manera amena y divertida. Pero en Thor lo logró, palomeando cada una de las escenas que queríamos ver: Volando. Estrellando el martillo contra el piso. Conjurando un rayo estirando el brazo. La capa inamovible. Y es más, nunca esperé ver el efecto del martillo girando y destruyendo enemigos.

El actor Chris Hemsworth cumple muy bien. Natalie Portman llega a ser adorable. Me parece que el que menos luce es Anthony Hopkins y dejé al final a Tom Hiddleston porque me parece formidable en el papel de Loki. Toda la complejidad del personaje en cada una de sus etapas: el celoso, el traidor, el no-villano, el maldito, el manipulador. Con la confirmación de que Loki será uno de los villanos de la cinta de los Avengers del 2012, podemos estar tranquilos por ese lado, pues el papel quedó en perfectas manos. Los personajes de soporte como Heimdall, Los Warriors Three y Sif no son de los más populares en el universo de los cómics, pero su aportación, apariciones y personificaciones están justas y necesarias sólo cuando lo requieren.

Si le quitaría algo a la película de Thor, sería algunos chistes, sobre todo los físicos, más inclinados hacia el pastelazo. Sin embargo, también hay dos maravillosos: la taza que se estrella y el “Miu Miu”, para referirse a Mjolnir, el martillo. Me hubiera gustado también ver un poco menos de romance, pues me parece que podría llegar a confundirse que, si Thor recupera sus poderes, es porque aprendió la humildad, como se lo había propuesto Odín, y no el amor para con Jane.

Thor aporta también en que, como muchos ya lo saben, veremos ya en acción a otro Avenger, Hawkeye, en el papel de Jeremy Renner. Y si bien podría parecer que para la cinta del 2012 usará ese mismo disfraz, o sea ninguno, más en la onda del universo Ultimate de los cómics, creo que sí necesito verlo en algo… más vistoso. Valga la expresión.

Que no se deje de reconocer al agente Coulson de S.H.I.E.L.D a quien, independientemente de Nick Fury, y aquí es dónde debo mencionar que deben quedarse después de los créditos de Thor, de ser el personaje conductor de las películas de Los Avengers, al verlo ya en Iron Man, Iron Man 2 y ahora en ésta, ya también lo sentimos con un amigo que conocemos y que agradecemos su participación.

Creo que es aquí también dónde debo mencionar otra tradición: Sí, la aparición de Stan Lee una vez más, es maravillosa.

Thor entonces es integral, disfrutable, emocionante. Y me robo una frase que me parece ideal para concluir: Thor ya cumplió, y lo hizo bien; ahora, le toca al Capitán América.

Mira el trailer:

P.D. Aclaro, porque a veces pensamos que es del dominio público: La película de los Avengers será la reunión de Iron Man, Hulk, Thor y el Capitán América. Por supuesto, con el elenco que los ha venido interpretando, excepto Hulk, o Bruce Banner que ahora será Mark Ruffalo. Y si todo sale bien, no me queda duda que será un momento histórico, no sólo para los cómics, sino para el cine en general.

Video tomado de YouTube, de la cuenta del usuario: ‘Newfromhollywood’.

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Si hay un tema con el cuál no me gusta bromear, es la inseguridad. No está padre, no estamos bien y creo que en el poder de las palabras, por lo que prefiero no invocarla. Sin embargo no pude pensar en un título más ad hoc para hablar de otro tipo de inseguridad, aquella que atenta contra la privacidad de las personas y que de un par de semanas para acá, he vivido en carne propia.

Era el puente primaveral y creo que la primera vez que me di cuenta de que no podía acceder a mi Facebook fue el sábado. Lo dejé pasar y lo atribuí a un error temporal del servidor. Pasó el domingo y el lunes y el martes que retomamos actividades normales, por Twitter nos vamos dando cuenta de que a los cuatro integrantes del programa de radio La Suerte del Conejo nos habían cancelado la cuenta, y también, la del programa en sí. En el mismo Face viene un formato que puedes llenar con algunas preguntas y te piden que mandes un scan de una identificación oficial, para comprobar que la cuenta es tuya. Poco a poco lo fuimos enviando, y en el inter, Tiro se dio cuenta de que había un nuevo Héctor Padilla, con una foto mía, perfil, que por supuesto, yo no había creado. Cabe mencionar que tenemos la ligera sospecha que la foto que ocuparon no la tomaron del Face del programa, sino podría haber estado en el perfil de Peez, el cual, al igual que el mío, no está abierto para todas las personas. Son perfiles personales.

Para éstas alturas también, ya me habían complicado parte de mi trabajo pues soy Community Manager de una de las marcas de una empresa, y claro, yo era administrador por medio de mi FB, así que pasaron dos días antes de que tuviera que crear un nuevo perfil exclusivo para el funcionamiento de dicha página.

Poco a poco los FB de mis amigos y del programa fueron reactivados, excepto el mío. Vale la pena aclarar que cuando esto ocurre, desapareces. Desapareces de manera literal. Los comentarios que alguna vez hiciste en el muro de otra persona, los mensajes privados, los tags en las fotos. Todo deja de existir. Lo cual resulta interesante como para analizar la presencia en las redes sociales.

Me llegó un correo en el cual me avisaban que mi cuenta por ningún motivo sería reactivada, puesto que había hecho uso de lenguaje ofensivo y que las políticas de Facebook no permiten de ninguna manera la discriminación racial, sexual, religiosa, etc. Bueno en caso de que lo hubiera hecho, es con mis amigos, ¿no? Con mi Facebook y lo uso como quiera. Pero no, era evidente que aquí había algo detrás. Alguien nos había denunciado a todos de un jalón, provocando el bloqueo de las cuentas, pero se había ensañado conmigo, y había creado el perfil falso. No, no era un error de servidor. Era la mala intención de alguien.

Los correos que me llegan de Facebook, en español, son párrafos pre-redactados, preparados para cualquier caso. He procurado contestar de manera concisa y explicando que, claro, se trata de un caso de seguridad y de incursión a mi vida privada. Inclusive ya me respondieron con la misma respuesta y les pedí que de verdad prestaran atención a mi caso. En el último correo, del 4 de abril, me pidieron que enviara un nuevo scan de mi ID. Envié de nuevo el IFE y ahora también pasaporte y hasta el momento no me han respondido.

En días recientes, me llegó un tuit en el cual venía copiada Jimena, la muy popular chica del Diario Récord dónde un usuario le sugería que me preguntara cómo recuperar el Facebook, pues a ella también se lo habían quitado. Le recomendé el primer paso, el formato.

Más para acá, otro tuit, dónde le dicen al monero Trino que les puedo ayudar. (Ahora resulta que soy una referencia para recuperar Facebook, jajaja) y es que, también, a nuestros amigos Jis y Trino, les habían tumbado el Facebook de su programa de radio, La Chora Interminable.

Pero el caso más grave llegó anoche en las primeras horas del día. El insomnio hizo que me despertara alrededor de las 2:00 A.M y con el sueño espantado, me puse a checar el Twitter en el teléfono. Veo dos tuits de otro amigo, Raúl Guzmán, director de Récord Guadalajara, en el cual mencionaba nuevamente a Jimena, y que las propuestas sexuales que estaban apareciendo en su Twitter, evidentemente no eran de ella y que alguien acababa de hackear su cuenta. De inmediato me pasé a revisar el TL de Jimena, y en efecto, los tuits eran explícitamente sexuales y vulgares. Pasaron algunos minutos y Jimena, la real, comenzó a comunicarse con el hacker a través de la cuenta de su programa de radio de Récord FM, la Banda de Jimena, con una clara impotencia por parte de la chica ante el sujeto que evidentemente estaba buscando atacarla, primero con su FB y ahora con su TW. Al parecer mantuvieron comunicación por Mensaje Directo, pero el tipo no la bajaba de mamona y de que si no contestaba rápido, cancelaría la cuenta. Para éstas alturas, el avatar ya había cambiado por una foto, vulgar, de una chica que parecía Jimena. Cuando parecía que el tipo ya se iba a desconectar y que mañana nos enteraríamos que pasaría con el Twitter, al parecer dejó dicho que mejor no, que mejor cancelaría la cuenta y con una evidente amenaza en la cual aseguraba ser un tipo influyente y que ya sabía dónde vivía, etc. Quiero repetir: fue una amenaza. Y de inmediato me hizo recordar el no tan lejano caso de la colaboradora de Brozo a la cual también habían hackeado y usado información personal para chantajearla. En ese caso, muchos se dejaron ir por si Brozo había usado un medio para amenazar, que si había abusado de la cámara. No no, perdón, ¡con justa razón! Cierto es que en el momento en el que decidimos entrar a una red social, asumimos la responsabilidad, pero no debería de ser así, ni en FB ni en Twitter ni con nuestras cuentas de banco, las líneas telefónicas y un largo etcétera. Pero creo que se nos está olvidando el tema de fondo: la privacidad y la inseguridad.

Y así, a los pocos minutos, adiós. La cuenta de Jimena ya no existía. El usuario había desaparecido.

Si Jimena es o no santo de la devoción de todos, no está a discusión. Se metieron con su trabajo, con su vida privada y caray, lo que más duele, la intimidad ¿O vamos a creer que el sujeto no habrá leído sus mensajes directos? ¿Qué tanta información valiosa pudo obtener sobre ella?

En mi caso, pues me tranquiliza saber que mi Facebook está retenido… por Facebook pues. Y que no lo tiene nadie más. Pero en el de ella, no está nada divertido lo que le ocurrió. En tiempos de la Inseguridad 2.0

Cobardes, los que no están dando la cara. El chiste de una travesura es darse crédito. ¿O su vida está tan jodida que hasta en su falsa identidad son inseguros?

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UPDATE 7 abril: Parecería que fue todo planeado, pero les juro que no fue así. Más bien le agrega un tinte de ironía muy particular. Me gustaría pensar que la gente de Facebook leyó mi post y que tomó acciones. Sí, aja. O simplemente la realidad se encargó de cerrar este texto de una manera en la cual ni siquiera yo tuve el control. Hace un par de horas me llegó un correo donde se anunciaba que, después de analizar mi situación, llegaron a la conclusión de que mi cuenta de Facebook, había sido retenida por un error y que ya estaba reestablecida. Y así fue.

Para realizar la serie de podcasts dedicados a Flash, cuya primera parte se encuentra con un click aquí, y todo su universo particular, siento la necesidad de tener la información, los datos, y sobre todo el mood muy frescos, porque así podré explicar lo que está en una delgada línea de que a la gente que no la conozca le resulte interesante, o simplemente le represente un lío tremendo del cual se aburrirán muy pronto.

Sobre todo, hay que comprender el entorno histórico bajo el cual van surgiendo las diferentes etapas del personaje y el por qué. Y entonces, de repente, todo se me comenzó a acomodar: no era sólo darle una revisada a fechas y detalles, sino abrazar las situaciones para entonces contar la historia de manera pareja: entre el mundo del cómic y del mundo real. Digo que todo se acomodó porque he comenzado a leer la saga ‘DC:The New Frontier’ y que, por supuesto, el hilo conductor es el surgimiento de la época plateada (y a la cual claro, le dedicaré un post aparte) mientras que, buscando precisamente la adaptación animada de dicha mini-serie, que no encontré, me topé con otro DVD de esos que ahora traen la caja amarilla, pero de importación: ‘Secret Origin: The Story of DC Comics’.

Se trata de un documental editado el año pasado, narrado por Ryan Reynolds, el ahora Linterna Verde del cine, y que cuenta con entrevistas con varias figuras claves de los 75 años de historia de la compañía, desde las épocas pre-DC, hasta lo que eventualmente se convertiría en la creadora y punta de lanza en la industria del entretenimiento del cómic. Y es que ésta información resulta primordial para otro post que tengo planeado sobre el cómo DC Comics no ha sabido capitalizar el potencial que tiene y ocupar el lugar que en varias ocasiones ha ocupado sobre Marvel. Lo bueno es que se reconocen estos errores y se analizan y entonces es lo que hace a este documental tan interesante y rico en contenido. Memorable es, por ejemplo, cuando se recuerda, por si ustedes no lo sabían, como un juego de golf detonó que Stan Lee creara a Los Cuatro Fantásticos, en respuesta a la recién creada Liga de la Justicia en la época plateada.

No busquen el ‘Secret’ en ‘Secret Origin’, simplemente se trata de una marca que usa DC para sacar especiales cuando se trata de contar o revitalizar el origen de alguno personaje, e inclusive llegó a ser una serie mensual que se dedicaba a contar precisamente el origen de éstos. Pero tampoco busquen la historia de los personajes, sino, insisto, es un documento del cómo las historias y el mood bajo las cuales se creaban, reflejaban lo que estaba ocurriendo en el entorno social del mundo y sobre todo, de Estados Unidos. Y es por esto que vale la pena adquirir este material, inclusive sabiendo o no de la historia de DC Comics, y para conocer más, no sólo de ésta compañía, sino como medio de entretenimiento.

Es más, para que no se diga que en éste espacio, no se le da a usted el lector más por lo menos, les dejo éste pequeño corto, que precisamente va justo en éste sentido. No tiene que ver con el DVD pero sí refleja todo lo anterior:

Velo con un clik acá.

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“The Elevation of Black Women in New Media”.

Durante el festival SXSW, la agencia Ogilvy estuvo presente así. No se sorprendan si comienzan a aparecer propuestas “similares” de empresas mexicanas.
Capturada en Autin (Texas) por Carlos Andrade.

* Para participar, envía tu imagen a carlosandrade (@) dixo.com con el nombre de tu imagen, el tuyo y una descripción corta de la obra. * El uso de cada imagen se limitará a su publicación en Dixo.
* ¿Quejas? ¿Dudas? ¿Sugerencias? ¿Soluciones? ¿Alternativas? No dejes comentarios, mejor escríbe a carlosandrade (@) dixo.com y hazlo de manera directa.

Quedó fuera del podcast la charla con el dibujante mexicano Humberto Ramos (el cual encuentran dando click aquí), por cuestiones técnicas, no por otra cosa, la parte en la que menciona a ”Kraven´s Last Hunt” como una de sus historias favoritas de Spider-Man. Curiosamente, ante el regreso del personaje en la saga “Grim Hunt” que ocurrió el año pasado en el título Amazing Spider-Man, me dispuse a leer su muerte de nuevo, pero me di cuenta que sólo tenía la versión mexicana publicada por allá de 1989 a través de Novedades Editores. Luego entonces, me lancé a comprarme la recopilación con las 6 partes de la historia y ya tenía ganas de escribir sobre ésta. La reimpresión de entrada vale la pena por la introducción que escribe el autor de la saga, J.M. DeMatteis, en la cual nos platica el origen de dicha historia y cómo en su momento era un guión planeado para Batman. Y que de hecho, y siguen las casualidades, es una trama (que eventualmente sí escribió después para Batman) en la cual quiero basarme para escribir un post sobre la risa, pero eso será después. 

Comenzando entonces, coincido completamente con DeMatteis en que Kraven podría no preocuparme menos. Un tipo barbón con un chalequito de peluche de león y chanclas al lado de un Rino o un Doctor Pulpo no tenía nada que hacer. Lo que sí me preocupó mucho fue el cómo “La última cacería de Kraven” me voló la cabeza, y al abrir el trade paperback y leerla de nuevo, recordé paso a paso el porqué. 

Kraven sepultaba a El Hombre Araña. Lo sepultaba vivo: Uno de mis mayores miedos. Estaba esperando que en cualquier momento pudiera voltear la página y que todo se tratara de un sueño. Porque robar bancos y matar a tu novia güera, pues está bien, ¿no? Pero, ¿sepultar vivo a alguien? Eso sí está manchado. Kraven entonces se convertía en un ser de cuidado. Sí, en un ser que no podía hacer nada contra Spider-Man, de no ser por sus dardos con tranquilizante para elefante y sus boleadoras. Nada más que aquí no le había dado tregua al héroe. 

Por si fuera poco, se nos presentaba, o por lo menos quizás por primera vez para mí, a un tipo que era una rata. Una rata humana, repulsiva, nauseabunda, asquerosa. Vermin, el hombre rata. Es realmente grotesca la escena en la cual este sujeto lame la cara de una mujer policía y uno no puede evitar imaginarse a lo que sabe eso, a lo que huele, lo que debe sentirse. Deja tú agarrarte a golpes con un ser de estas características, sino simplemente tocarlo. 

El dibujo corre a cargo de Mike Zeck, quien siempre lo hizo muy bien y de quien es una verdadera lástima que no se tenga tanto material como de otros dibujantes legendarios. Zeck es recordado por la primera mini-serie de The Punisher y su corrida en el título del Capitán América y ahí fue el autor de una imagen clásica: la portada del anual número 8 en la cual Wolverine saca chispas con sus garras al estrellarlas contra el escudo del Cap y que tantas veces ha sido homenajeada/parodiada. Zeck también es responsable del arte de Secret Wars, la épica saga de los ochenta, y fue él el co-diseñador del traje negro de Spider-Man, que dicho sea de paso, también es el que porta en Kraven´s Last Hunt. Otro de los motivos por los cuales me atrae tanto la historia pues debo decir que, dejando a un lado nostalgias y clásicos, siempre será mi favorito. 

Esta historia también es conocida como “Fearful Symmetry” y es que otra de las genialidades de DeMatteis es irnos narrando el cuento desde los diferentes puntos de vista de los involucrados, haciendo énfasis en aquellas similitudes no tan obvias de los mismos. La obsesión y resignación de Kraven, el paralelismo entre estar enterrado vivo y escalar hacia la luz de Spider-Man, la soledad de la recién casada Mary Jane y la búsqueda de Vermin por saberse si es un ser animal o un humano incomprendido. Sí, así: son sólo cuatro actores, los cuales se mueven en esta obra teatral con la ciudad lluviosa, las coladeras y la gran mansión como escenarios. 

Sí, hoy Brian Michael Bendis es un experto, y en sí, muchos de los comics de Marvel hoy en día se escriben así, en la “descompresión”, o sea, paneles casi estáticos que se mueven poco de uno a otro, o cuadros con nada de letras. Ya DeMatteis lo estaba haciendo desde entonces, y fue una gran característica de su trabajo en los años siguientes. Si hoy en día no es nada raro encontrarnos con comics de por lo menos, una página completa con un sólo dibujo, en las 6 entregas de Kraven´s Last Hunt veremos varias realmente impactantes. 

Años después aparecería una secuela con el mismo equipo creativo, un one shot llamado “Soul of The Hunter” pero era completamente innecesaria y poca justicia le hizo a ésta. Si bien muchos dicen que ahora con “Grim Hunt” se le faltó el respeto a la saga original, insisto en que habría que verlas por separado y son muy diferentes, y por su lado, sin estériles comparaciones, “Grim Hunt” no está mal. 

Si andan buscando clásicos, que se pueden comprender en su totalidad, y que quizás no son tan mencionados en las listas de lo mejor, les aseguro que ésta es una de las aventuras más completas de El Hombre Araña.

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A ver de qué cuero salen más correas…

El estado como siempre, y ante la magnitud de estos tres pesos crucero (por su poder mediático y económico) ha optado por hacerse de la vista gorda y voltear hacia otro lado.

Si tiene uno un poco de curiosidad podría autoflagelarse y ver los noticieros nocturnos de ambas cadenas, solo para constatar que en este país “donde no pasa nada” no se mencionara nada del asunto, porque los simples mortales estamos muy chiquitos para entender u opinar al respecto.•

En la comunidad Villa Cárdenas los delincuentes exigían a los habitantes que entregaran las armas que poseyeran (normalmente en comunidades rurales se suelen tener armas para caza y protección del hogar), ante la negativa del pueblo a acatar sus órdenes los maleantes atacaron un domicilio con granadas, lo que desató la respuesta de los pobladores que culminó con la muerte de dos delincuentes.

Este tipo de respuesta es cada vez más frecuente y han ido desde los intentos de linchamiento hasta enfrentamientos como este último. Un caso muy sonado fue el del Sr. Alejo Garza, habitante de Tamaulipas. Alejo Garza de 77 años, se negó a entregar su rancho como se lo exigían los sicarios y los enfrentó para perder la vida en la refriega, no sin antes matar al menos a 4 de ellos.

Otro caso diferente pero sintomático de esta situación, fue el asesinato de los líderes mormones Franklin Le Barón y Luis Carlos Widman, en Chihuahua, donde la respuesta de la autoridad castrense en este caso fue sugerir a la comunidad menonita que compraran armas para defenderse, ya que es su derecho.

Cualquier parecido con películas post-apocalípticas es pura coincidencia, aunque este tipo de respuesta, tanto de la población como de la autoridad, pareciera acercarnos cada vez más a éstas.

Y de pronto es como si el país fuera retrocediendo en el tiempo, al México bárbaro que se supone habíamos dejado atrás.•

En Los Cuatro Fantásticos, Peter Parker ha encontrado grandes aliados no sólo para los golpes, sino en Reed, una especie de padre con quien puede ñoñear de tecnología. A Sue llegó a tirarle la onda recién se conocieron, con Ben ha tenido grandes aventuras y ahora son compañeros en los New Avengers. Bueno, tan es así que los cuatro ya conocen de nuevo la identidad de Spider-man, por voluntad de Peter, después de los eventos de Brand New Day, pues ahora era Mary Jane la única que conocía dicho secreto.

(Comienza Zona Spoiler)

Pero en Johnny, en Johnny Storm, Spider-man ha encontrado al hermano que nunca tuvo. Con quien puede pelearse y lanzar bromas pesadas para luego estar comiendo pizza a la media hora. Sí, si cualquiera de los cuatro muriera, sería un duro golpe para Spider-man, pero Johnny, quizás Johnny le dolería más. 

Con todos estos elementos, la noticia se confirmaría no el día de la venta de la esperada conclusión de “Three”, sino un día antes. Se sabía que el número vendría en una bolsa negra para que la sorpresa realmente fuera eso. Sin embargo, los medios de comunicación para tener la nota, sin cautela soltaron la noticia tal cual. Habría que revisar quién fue primero, si el resto o el mismo Marvel a través de su página de Internet, quien ese mismo día había subido un artículo, claro, advirtiendo de spoilers pero en el cual también se revelaba la verdad. ¿Marvel cedió ante la filtración de la noticia? ¿O simplemente se dio un tiro en el pie y la función de la bolsa negra había quedado nulificada? 

En 1997 el número uno de la serie Thunderbolts sorprendió con una espectacular página final en la cual se revelaba que en realidad el grupo estaba confirmado por villanos. El escritor Kurt Busiek declaró estar muy contento de que, aún en una época en la que todo se filtraba por Internet (y eso que era 1997), habían podido mantener el secreto.

No fue sino hasta que salió  y tuvimos en las manos el número 2 de la mini-serie Civil War en el 2006 que todo el mundo nos enteramos que Spider-man había tomado la decisión de desenmascararse en una conferencia de prensa. 

Fuera entonces de que se le quitó cierta magia, el esperado número llegó. En una sencilla trama, o más bien en la trama de cajón número 16 para matar a alguien en la cual el-sujeto-en-cuestión-decide -quedarse-a-combatir-a-los-malos-porque-alguien-tiene-que-quedarse-para-que-los-demás-se-salven. La Antorcha Humana es atacada por una horda de miles de seres de la Zona Negativa y desaparece entre éstos ante la mirada de La Mole, quien no puede evitar soltar una lágrima en quizás el cuadro más emotivo del cómic. El otro es justo el último, en el cual Ben abraza a Valerie y a Franklin Richards, quienes acaban de perder a su tío. La última página del cómic nos revela, con un 3 en un círculo azul, el título de dicha historia: The Last Stand of Johnny Storm. 

Tenía rato de no ver tanta euforia por un cómic. En la más popular tienda de cómics en México, me suscribí para asegurarme de alcanzarlo. El ejemplar se te entregaba en caja y sólo se permitía uno por persona, por más que vi rogar a un sujeto que quería llevarse dos (“es que mi hermano no pudo venir”). Desconozco en cuánto esté un ejemplar original aún cerrado, pero sin duda alguna ya alcanzó un nivel de nuevo clásico. Y sí, a pesar de que ya sabíamos quién era el elegido por la muerte, sacarlo de la bolsa y conocer por primera vez la portada me hizo sentir que, afortunadamente para románticos como yo, estamos lejos, muy lejos de que el cómic impreso sea suplantado por el cómic digital. 

Lo que sigue es que Reed y Sue se enteren de lo que sucedió, lo cual seguramente quedará  explicado en el número 588, el cual será el último de la serie Fantastic Four. 

Se sabía ya que en marzo saldría el título “FF” con los mismos: Hickman en el guión y Steve Epting en el dibujo. Lo que se reveló esta semana es que “FF”  quiere decir Future Foundation, y que ante la muerte de Johnny, el resto tomará la decisión de dejar de llamarse Los Cuatro Fantásticos pero además, el personaje que se les unirá en esta nueva asociación será… Spider-man, y entonces todo aquél con lo que comenzó éste post, cobra más sentido.

La FF tendrá nuevos trajes y un nuevo logo, incluyendo uno para El Hombre Araña, como si los que están debutando en el Amazing Spider-man no fueran suficiente, y claro, por si no apareciera en otros títulos como Avengers y New Avengers.

Así entonces por el momento, no hay más Cuatro Fantásticos… claro, hasta nuevo aviso.

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(Continúa del post anterior)

Después de la mini serie Dark Reign: Fantastic Four, Jonathan Hickman comenzó a hacerse cargo del guión del título mensual “Fantastic Four” en el número 570, en agosto del 2009. Y así comenzó a jugar no sólo con Johnny, Ben, Reed y Sue, sino con los hijos de éstos, Valeria y Franklin, además, claro, con villanos clásicos de los FF y creando nuevos personajes alrededor de la vasta mitología de la primera familia de Marvel. La crítica de inmediato comenzó a ovacionar la corrida de Hickman, logrando inclusive que varios números se fueran directo a reimpresión. Los Cuatro Fantásticos viajaron a diferentes mundos, conocieron dimensiones alternas y enfrentaron a diferentes seres, hasta que en algún momento, se soltó la bomba: uno de los Fantastic Four moriría en enero del 2011, y la historia sería contada en la saga cínicamente conocida como “Three”, que comenzaría en el 583 y concluiría en el 587. En estos números, se pondría a cada uno por separado, en situaciones que apuntarían a que cualquiera podría fallecer o ser asesinado. La Mole regresa a su estado humano, Susan se involucra con seres submarinos al lado de Namor, Mr. Fantastic se enfrenta a Galactus, otra vez, y Johnny será vital para evitar una invasión de la Zona Negativa a la Tierra.

Pero aún así, existían unos que tenían más probabilidades de morir que otros. Y no por la historia dentro del cómic, sino fuera de él.

(Comienza la Zona de Spoilers)

Ya en el número 381, de 1993, Reed había muerto, junto con el Dr. Doom. En una etapa polémica pues sin duda alguna era una respuesta, una de las cientas, ante el éxito de La Muerte de Superman, y en la que la Mujer Invisible portaba un traje en el que el “cuatro” era formado por un agujero en el escote, además de usar una especie de “hot pants” y botas hasta las… O sea, en pocas palabras, parecía una p    una p     ok, no, no puedo decirlo.

Reed regresaría casi tres años después, en el 407 y el título iba de mal en peor hasta que ocurrió el evento Onslaught y fue relanzado bajo la visión de Jim Lee, como les comentaba en el post anterior.

A menos entonces, que Hickman fuera un cínico, era poco probable que Reed muriera.

Más adelante, con el maravilloso equipo de Mark Waid en el guión y el ya fallecido Mike Wieringo en el dibujo, los Cuatro Fantásticos quisieron levantar la cabeza y asomarse en las listas, pero tampoco funcionó. Durante esta etapa, se regresó a la numeración original y entonces en el número 500, La Mole murió, pero muy pronto su alma sería rescatada para regresar a la vida. Así que, nuevamente, a menos que quisieran ensañarse con Ben Grimm, ahí teníamos otro descartado.

Nos quedaban Sue y Johnny, en mi particular punto de vista, que la Mujer Invisible fuera quien falleciera, le daría interesantes herramientas al escritor para contar la historia de cómo la familia tendría que lidiar sin el corazón de Los Cuatro Fantásticos. Sin la contraparte femenina, sin la que, a final de cuentas, tiene el superpoder más fuerte en cuanto más lo desarrolla. Sin embargo, cuando se dieron a conocer los avances para los comics de marzo, cualquier duda fue disipada y la respuesta me la dio el Amazing Spider-man #657 en el que se muestra al superhéroe en cuclillas, melancólico hasta cierto punto y en el cielo, el tradicional “4” iluminado que en diversas ocasiones fungía a manera de bati-señal. 

(Continuará) 

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“The World´s Greatest Comic Magazine” y “Marvel´s First Family” son sólo algunas frases que los que amamos los cómics identificamos directamente con Los Cuatro Fantásticos. Y tienen toda la razón para ser tan presumidas, pues la era Marvel de los cómics comenzó claro, con aquél Fantastic Four número uno de 1961. No hace falta ser un erudito para comprender el porqué rompió con todo lo establecido e hicieron que los lectores comenzaran a prestarle atención a lo que un sujeto apodado Stan Lee estaba haciendo: superhéroes sin identidades secretas, personajes unidos más que por el destino, primero por lazos sanguíneos, amorosos y amistosos, y sobre todo, un monstruo como parte de los “buenos”.

“Imaginautas” es la palabra acuñada tiempo después que describía a la perfección lo que son Los Cuatro Fantásticos. Porque antes que ser un grupo de superhéroes que combatía a los malos y salvaba el mundo, primero eran unos aventureros cuyo entusiasmo de su líder Reed Richards, el Mr. Fantastic, por descubrir nuevos mundos e investigar a seres de otras dimensiones, los llevaba a vivir las más inverosímiles odiseas.

Y así fue por mucho tiempo, y así se pretendió, pero las frases se quedaron en eso, pues a lo largo del tiempo, Los Cuatro Fantásticos dejaron de ser el título a comprar. Suplantado por la problemática vida de Spider-man, la incomprensión que vivían los X-Men, los anti-héroes con garras y pistolotas, etc.

Se puede afirmar que la gran época de Los Cuatro Fantásticos, fuera de la corrida original de Stan Lee en el guión y Jack Kirby en el dibujo, ocurrió cuando John Bryne escribió y dibujó el título durante la primera mitad de los ochenta, cuando venía de crear otra época plateada para otro título de Marvel, el Uncanny X-Men.

Pero después, nada. Algunos intentos con verdaderas superestrellas tanto escribiendo como dibujando, pero definitivamente para la gente, el título era tan invisible como Sue Richards. Solamente sabían que ahí seguía. Ni siquiera en el evento Onslaught y Heroes Reborn a mitad de los noventa, en la cual el título fue relanzado con el superestrella Jim Lee tomando las riendas, logró ocupar el lugar que históricamente se merece.

Bueno, es más, todavía hasta hace poco, le pidieron a Mark Millar que escribiera, con Bryan Hitch en el dibujo, la vida de Ben Grimm, La Mole, y compañía. Equipo que la había hecho en grande anteriormente, reinterpretando el concepto de Los Avengers para el universo Ultimate de Marvel, con el nombre de Los Ultimates. Bueno, pues ni así.

Hasta que entonces surge el nombre de una nueva generación: Jonathan Hickman, en quien uno de los pilares del crew de escritores de Marvel de la última década, Brian Michael Bendis, vio un tremendo potencial. De hecho, como para encargarle la co-escritura del título mensual de una de sus creaciones durante la Secret Invasion: Los Secret Warriors. Además de otro título nuevo: S.H.I.E.L.D., al que la crítica no ha dejado de alabar.

Así entonces, tarde o temprano, habría que soltarle a Hickman uno de los títulos ya establecidos, a ver si podría hacer algo para hacerlo brillar como cuando Johnny Storm, la Antorcha Humana, hace un “nova”.

Y no sólo logró captar la atención, sino que lo llevó a las noticias y a todos los medios, cuando en el 2010 se anunció que en enero 2011, moriría uno de Los Cuatro Fantásticos 

Continuará…

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Los premios serán entregados en Nueva York, el 13 de febrero, durante la semana de la moda.

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Con el rush decembrino ya no me dio tiempo de expresar en este espacio mi opinión sobre la película Red Social, pero ante su gran triunfo en la pasada entrega de los Globos de Oro, me regresaron esas ganas de analizarla.

Comienzo diciendo que, a gusto personal, Inception se quedó como una de mis favoritas del 2010, y que hubo algo, que no sé que sea, que dejó a The Social Network en el camino, que de ninguna manera quiero decir que no sea una gran película, emocionante y divertida. De esas raras ocasiones en que es mejor llegar al cine sin conocer nada sobre la verdadera historia. Divertida desde que nos da a conocer el origen del gran juguete que tenemos en nuestra pantalla, el Facebook. Juguete para la mayoría y un must para las empresas que se adentran en el mercadeo, promoción y publicidad de las redes sociales, el social media, el community manager pues.

David Fincher no es un director constante, pues así como nos puede ofrecer verdaderas obras de culto como Seven o Fight Club, nos avienta una desangelada Panic Room, una difícil Zodiac o una, valga la expresión, curiosa, Benjamin Button. Pero en Red Social podemos ver esas maravillosas situaciones en las que no sabemos sí el director es tan bueno que sacó lo mejor de los actores, o si éstos ya lo traían y su papel simplemente fue encausarlo. Lo que más importa es el resultado y así entonces Jesse Eisenberg nos ofrece una increíble interpretación del fundador del Face, Mark Zuckerberg, en una de esas fascinantes historias de la vida real de los genios convertidos en villanos incomprendidos. De los genios, en esta ocasión por demás irónica, antisociales, con poco tacto, que tantas veces hemos visto en la pantalla grande, y que en la chica podríamos mencionar, siendo ficticio claro, a Dr. House.

A su lado, otro que también sale muy bien librado, Andrew Garfield, como el mejor amigo de Mark, Eduardo Saverin, y que para aquellos que sí lo vimos en Lions for Lambs, pero que ya no nos acordábamos, o en The Imaginarium of Doctor Parnassus, The Social Network representaba una oportunidad de oro para conocer al que será el nuevo Peter Parker/Spider-man y que quizás no por nada, en recientes días, como lo conocimos aquí en Dixo, se mostró ya la primera imagen de Andrew con el nuevo traje del arácnido trepamuros. Y por no dejar, también hay que resaltar la actuación de Justin Timberlake, a quien el papel de Sean Parker, co-fundador de Napster, le queda perfecto por ser tan parecido a la personalidad del también cantante.

Con el score de Trent Reznor, la mente e imagen detrás de Nine Inch Nails, y Atticus Ross, me pasó  lo mismo que con el trabajo de Daft Punk para Tron:Legacy. Sí, suena bien escuchándolo antes de la cinta pero nada extraordinario hasta que se convierten en verdaderas maravillas una vez que ya lo escuchamos empatado con las imágenes.

Si en la mencionada entrega de los Globos de Oro se preguntaron que hacía Kevin Spacey en la mesa de The Social Network, es porque el actor funge como productor ejecutivo de la cinta, y desde que lo vi en los créditos, me hizo recordarlo en otra cinta basada en eventos de la vida real, de genios cuya historia había que contar y otra de mis grandes favoritas: 21 (o “21 Blackjack” en español).

Al ser los Globos de Oro, la no oficial “antesala” del Oscar, ya muchos apuntan a que The Social Network podría repetir triunfos en la entrega de los premios de la Academia. A mí por lo pronto ya me urge que, si la distribuidora tiene visión, la reestrenen en el cine, o bien, que salga ya en formatos caseros DVD o Blu Ray para volverla a ver.

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La belleza es relativa.

La simetría es necesaria.

Lo nuevo viaja constantemente para ser lo que fue.

La moda es.

Rojo + Rosa: Mi espacio está lleno de inspiración básica para transmitir mi visión de la moda.

Escrito por Sofia Irene

Para nadie es misterio que la transformación del internet de juguete a herramienta/medio de comunicación así como la proliferación de la comunicación inmediata en la que vivimos (me refiero por supuesto a los SMS y al microblogging en los status de Facebook y Twitter) la ortografía ha tenido que ser sacrificada por el espacio, por el recuadrito en el cual nos caben sólo cierto número de caractéres. Pero. Pero. Pero…aún así, hay maneras de hacer que luzca bello. Es decir, soy un ñoño al cual sí le sigue gustando cómo luce una frase bien escrita, bien acomodada, que a partir del sujeto y predicado se atreve a romper todas y cada una de las reglas para luego acomodarlas de manera inteligente, novedosa, bella pues. Sí, eso es el arte, caray. ¿Cuestión generacional? Quizás. Pero no  encuentro belleza a ber ezzcrita una fRaSe kOn ste stilooo cuyo problema no radica en que rompe las reglas. El problema es que las rompe pero ahí las deja. Yo sí quiero, insisto, de la manera más ñoña, que mis letras cobren vida, que de repente me encuentre en un mundo con B´s y M´ gigantescas que bailan al ritmo de una varita mágica y que van formando palabras con una simetría, con un poder, con una hermosura tal que desafortunadamente hemos olvidado y a lo gacho.

Igual, nuevamente, tengo que poner el escudo antes de ser atacado, pues no soy nadie para juzgar pero para mí, una persona que tiene mala ortografía, me representa dos cosas: que no lee lo suficiente y que no observa lo suficiente.

Lo primero, vaya, es principio básico de nuestro sistema de educación: la repetición. Por medio de la repetición recordaremos siempre que la Independencia es el 15 de septiembre y la Revolución el 20 de noviembre. ¿Por qué o para qué? No importa. Apréndase las fechas. El riesgo por supuesto es ver en la víspera de las mencionadas fechas, mil y un reportajes que ya no son chistosos, cuando en la calle le preguntan a la gente qué se celebra el 15, o el 20, y no saben. Sí, es culpa de ellos. Sí, pero también del sistema que dejó de recordárselos. Es decir… a lo que voy es que siempre voy a recordar que la palabra “borrador”, “berenjena” y “boliche” comienzan con “b” pues entre más lea, más probabilidades hay que en aquellas novelas o cuentos me tope con éstas palabras y nunca más las olvide. Porque no sólo estoy usando la ortografía, la estoy consumiendo. Y bueno claro, mucho ayudaría que todos escribiéramos algo. Diario. De rigor. Un pensamiento, un poema, un post, un… algo, caray. Pero en eso no me meteré ahora.

Si tienes mala ortografía, no sabes observar.  Porque, ok, ok entiendo que quizás no sepas escribir “berenjena”. Es más ¿sabes qué? ¡No tienes porqué saberlo! Pero te juro, te juro, que si escribes “teléfono selular” tienes muchos muchos problemas de observación en un mundo en el que la palabra se mira en la calle, en el cine, en la televisión y aquí mismo al lado de esta pantalla. Perdón, no sabes observar y para mí sí es un grave problema.

Aprende a diferenciar el “haber” del “a ver”. Neta no está tan complicado. Porque me cae que si pones “me voy haber una película” tienes groseros pedos de lectura, ortografía, observación y hasta de sentido común. (Y les juro que lo acabo de ver en Twitter, en lugar de darle unfollow le hubiera tomado screenshot)

Aprende a diferenciar el “Ay”  del “Hay” del “Ahí”. Éste, si quieres, sí, quizás te implica un poquito más de comprensión, pero si en éstos momentos quieres comentarme un “Ahi! Eres bien exagerado,Pada”, entonces estamos fritos.

Lo que más me puede, es la gente que, cuando le haces notar su estúpido error, te responde con el tan mediocre: “Bueno, pero me entendiste, no?”

No. Al parecer el que no me está entendiendo, eres tú.

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Nos vimos en el Mundial, nos vimos barbones como prueba de nuestra fé. En un juego, que no se confunda. Nos vimos en éste evento deportivo que a su vez me trajo un nuevo trabajo, del cual, como siempre se dice, se aprende, se gana, se gozó, en su momento, pero hasta ahí. Nos vimos en otro trabajo al cual fue requerido gracias, quiero pensar, a que a veces hago las cosas bien. El resultado no fue el que yo, y quizás el que ellos, esperaban, pero otra vez: se aprende, se conoce y se disfruta. Y nos vimos, casi también de inmediato, en otro nuevo proyecto que continúa y que precisamente hace un año, al incursionar en la red social novedad, jamás me imaginé que se convertiría en otro recurso y lugar, éste virtual, para trabajar y aprender.

Nos vimos en la fiesta y en la cruda. Nos vimos viviendo aventuras inverosímiles, dignas de guión de comedia hollywoodense y sobre todo, nos vimos riéndonos a carcajadas, de cuando el humor duele, no por gacho sino porque no se detiene.

Nos vimos y nos encontramos. Ok, no. Nos encontramos, nos vimos, nos conocimos y nos encontramos de nuevo. Que no lo es lo mismo a re-encontrarnos. Y en esos encuentros, nada más ustedes y yo, nos vimos.

Digo que nos vimos porque ni siquiera yo me vi cuando me solté aquél pesado grillete. Cuando menos me lo esperaba, volteé y ya no lo ví. Y sólo por si acaso traigo otro del que ni cuenta me he dado (Naa, no te hagas, bien sabes que ahí anda) seguramente se irá pronto, porque ya me ví.

Nos vimos creciendo como unidad, dejando en el camino al enemigo que teníamos en casa para preparar el siguiente aniversario. Nos vimos otra vez de lunes a viernes y a pesar de que hubo momentos ríspidos, parece ser que son pasajeros.

Nos re-encontramos, aquí  si, para preparar lo que podría ser un proyectazo de proporciones épicas para el 2011.

Nos vimos sufriendo, ustedes y yo, sin necesidad de hacer comparaciones, con la tensa situación económica, pero a pesar de todo, nos pudimos seguir viendo y no se si pecaba de inocencia, desidia o qué, pero sabía que todo se arreglaría pronto.

Nos vimos, ustedes y yo, por aquí, en este espacio, o nos escuchamos, hablando de cómics y de todo, hablando de si Inception y Scott Pilgrim vs. The World se quedan como mis películas favoritas del año.

Nos vimos una vez más en la música, con discos como el de Kings Of Leon o los conciertos de Muse y de Coldplay.

Nos vimos, porque sé  que se los puedo contagiar, con un gran poder para hacer lo que queramos, y ahora que estoy convencido, mucho cuidado. Nos vimos con una gran piedra de poder en la mano, que, aunque la cerremos, su luz se escapa por los dedos.

Nos vimos 2010.

Nos vemos en el 2011. 
 

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Llegó ya de manera comercial “Seguir Siendo” el documental que de cierta manera celebra los 20 años de carrera de Café Tacvba. La dirección corre a cargo de Ernesto Contreras y José Manuel Cravioto y los protagonistas, son, por supuesto, Rubén, Joselo, Quique y Meme. Aunque eso de que sean los protagonistas, es un decir, pues la verdadera estrella es un ente mágico, amorfo, propiedad de muchos y de nadie en específico, llamado Café Tacvba. A través del largometraje nos daremos cuenta, sobre todo, de que, queramos o no, la música de éstos cuatro elementos forma parte… pues sí, tendré que decirlo… del soundtrack de nuestra vida. Me cuesta trabajo pensar que haya personas que estén en contra de las creaciónes de CT, pero supongo que, como en todo, así es. Lo que comenzó primero con fusiones de raíces de la música folklórica mexicana, el rock y tintes poperos, lo cual de inmediato creó conexión entre la audiencia, ahora es un proyecto que se da el lujo de hacer melodías sin etiquetas o dicho de manera más coloquial, lo que se les antoje, y todo sonará bien, algunas canciones más afortunadas que otras, por supuesto.

A “Seguir Siendo” le falta algo, no podría explicar que es lo que sea. Quizás una conclusión que de entrada sería un error buscarlo cuando por lo general los documentales te plantean el dilema, la situación, la historia, los vértices y los diferentes puntos de vista y el final te lo dejan a tí. Quizá es un final emocionante, un final que nos haga salir adorando a Café Tacvba. Un final que sea tan emotivo con ciertos momentos en los que uno no puede evitar sentir la piel de gallina y un sabroso escalofrío que recorre la espalda. Ver cómo surgió la ahora mítica coreografía de “Dejate Caer” es un agasajo. Resulta curioso ahondar, hasta dónde se nos da permiso, en la personalidad de Rubén: un hombre tímido pero que cuando deja salir al adorable divertido, vemos que lo es tanto arriba como dentro del escenario. De Meme podemos ver… ciertas dificultades para expresar lo que quiere, pero así son aquellos que traen cientos de ideas en la cabeza. Quique nos saca varias carcajadas y Joselo nos ofrece una fuerte revelación, de esas que quizás muchos hubieran querido más. A lo cual podría haber varias explicaciones: No lo quieren contar, cuesta trabajo sacárselos o bien, simplemente no existen.

La cinta cuenta con montajes maravillosos, como la edición de los phoners entre los cuatro, en un hotel. El de Ingrata partida entre el pasado lejano y el pasado inmediato. Y quizás mi favorita: el armado de una canción que no quedaba, no satisfacía, y al final.. esa canción les otorga un reconocimiento más. Soy fan de los documentales que cuentan con la fortuna de haber estado filmando/grabando ese momento, ese momento que quizás quedaría en la sala de edición, como cinta desperdiciada o como miles de bytes de la papelera de reciclaje, pero que de lo contrario, se agradece que se haya capturado.

Recuerdo el momento exacto en el que se estrenó Revés como sencillo. Recuerdo dónde compré el Sino. Recuerdo cómo se estrenó el Cuatro Caminos. Recuerdo el concierto de los 15 años. Recuerdo muchas, muchas cosas de Café Tacvba, sin ser mi favorita del rock mexicano. Y esos recuerdos, esa nostalgia, es lo que hacen que “Seguir Siendo” nos lleve por un maravilloso paseo inocente, en el sentido más bello de la palabra. Quiero pensar, y me atrevería a asegurar, que “Seguir Siendo” no pretende convencerte de que Café Tacvba es hoy el grupo de rock más importante de México. Bueno, no me importa, antes y sobretodo después de “Seguir Siendo”, ya lo eran para mí.

Te dejo con el trailer de la película..

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So pretexto de haber visto ya Biutiful, ví de nuevo Amores Perros y no me había dado cuenta que la película cumplió ya 10 años a mediados de éste 2010. Desconozco la razón pero era para que se le hiciera más ruido ¿no? Por lo menos una edición especial, o bueno ya de perdida, una re-edición de la película y del soundtrack, que no le vendría nada mal en ventas, precisamente casándola con el estreno de la más reciente cinta del director mexicano.

Sigue siendo mi largometraje favorito de AGI y después de revisarla de nuevo me atrevo a decir que casi no ha envejecido. Casi, sí. Porque hay actuaciones y diálogos que la distancia ya no se ven tan bien. Un joven Rodrigo Murray que precisamente se ve muy “chavo” en su interpretación. Un Jorge Salinas cuya confrontación final con el medio hermano incómodo hasta da un poquito de risa. Pero del otro lado, nos damos cuenta que para ser la primera película de Gael García, lo hizo bastante bien. Una Adriana Barraza que no por nada años después estaría nominada al Oscar. Y bueno, por supuesto, ni que decir de Emilio Echavarría en el papel de El Chivo sigue siendo espectacular y la transformación del final es impresionante.

Que interesante que todos recordamos a la segunda historia, la de Daniel y Valeria cómo la más floja y la más lenta, cuando en realidad es la más corta, aproximadamente media hora. Claro que se cuenta parte de ésta dentro del primer segmento y también continúa en el tercero, pero la percepción del tiempo en esa primera impresión me resulta interesante.

Era un AGI emocionado con su primera película. Un AGI que inclusive, recordarán, se da el lujo de aparecer a cuadro en las oficinas de la revista para la que trabaja Daniel e inclusive tiene un muy corto díalogo. Un AGI que se dio el lujo de meter los comerciales que hizo para el Canal 5 y para WFM. Se valía. En ese momento seguramente no sabía si sería su primera y última película y si uno uno presume sus logros, entonces ¿quién? Hablando de televisión, era también para que ya se hubiera retransmitido el cortometraje para TV, Detrás del Dinero, con la actuación de Miguel Bosé, el cual realizó en 1995 y que es bastante bueno. O bien, que viniera incluído en el DVD de los 10 años de Amores Perros. O algo pues. Como que hace falta visión para dar a conocer éste y otros materiales que AGI ha realizado para otros proyectos como el 11 09 01 con motivo del 11 de Septiembre o el corto que realizó para internet de BMW.

Regresando a Amores Perros, el soundtrack no pudo haber estado mejor en su momento. Independientemente de la colaboración (y que continuaría a lo largo de su historia por el cine) con Gustavo Santaolalla, teníamos canciones de Julieta Venegas, Café Tacvba, Control Machete con Ely Guerra, Titán y por supuesto, la clásica Lucha de Gigantes de Nacha Pop, que en su momento AGI declaró ser su canción favorita de todos los tiempos. Y sí, nuevamente, había que meterla ya, pues nunca sabría si tendría otra oportunidad.

El famoso choque sigue siendo una de las secuencias no sólo del cine mexicano, sino me atrevería a decir que del cine en general, y se necesita una gran visión para realizarlo de esa manera y entrelazarlo de varias maneras. Estoy convencido que, de no haber tenido a Crouching Tiger Hidden Dragon enfrente, Amores Perros se hubiera llevado al Oscar. Y es que su momento, la oriental innovó en el sentido estético de las peleas, pero el recurso fue tan explotado, que hizo implosión muy rápido mientras que Amores Perros trasciende mejor.

Tristemente, como solemos hacerlo, se le ha cuestionado a AGI si el cine que está realizando se olvida de sus raíces, o inclusive si Biutiful debería representar a México en los premios de la Academia. Creo que lo más importante, es que, hace 10 años, nos entregó una cinta que rompió parámetros y se atrevió a varias cosas, y deberíamos de hacerle más fiesta.

Y como hablar de Amores Perros sin escuchar ésta canción de Café Tacvba que viene el soundtrack de la película y una de las más representativas:

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Dibujaba. Mucho. Muchísimo. Por supuesto: superhéroes. Y específicamente: al Hombre Araña. Un amigo y yo jurábamos que Marvel iba a publicar nuestra Secret Wars III. Hasta que un pendejo se cagó de la risa de mis dibujos. Y ya no terminamos la historia. Pinche Eduardo pendejo. Me cagan muchos Eduardos. (El Pocas no… aún). Pero seguí dibujando… y Emilio me dijo cuál era mi pedo: había que crear primero los bocetos de un cuerpo, con curvas y figuras redondas, para entonces precisarlos mejor.

Y seguí dibujando y mejoré considerablemente… y todavía tengo varias hojas guardadas, pero poco a poco dejé de hacerlo.

Y entonces escribí.

Escribía, claro, las tareas de la escuela. Pero también para algunos fanzines y revistas de corta duración. Curioso que nunca llevara un diario, demasiado ñoño, aún para mí supongo. Y escribía guiones: de los Especiales WFM y del CharrockyFunk en su etapa con Poza. Y los W-Info que luego se convirtieron en Reporte Radical. Y ¿saben qué me sale muy bien? Las propuestas de promociones. Dinámicas, premios, logística, etc. Ya sea enviando un mail o en una bonita presentación más pro. Eso si, me cuesta un huevo sentarme a hacerlas, pero una vez encarrerado, quedan de lujo y no hay cliente que se resista.

Y entonces hablé. Y hablaba mucho. De 9 a 11 o de 1 a 3 y a veces en las madrugadas y a veces desde la calle. Hablaba tanto que en mi casa era lo que menos hacía. Y hablé durante muchos años. Hasta que había que poner las cosas en la balanza, y el habla perdió.

Entonces planeaba, comunicaba y enviaba… pero seguí escribiendo; las noticias de Charo y los Bios de Martha Debayle. Y hablando, aunque mucho menos. Pero dejé de hacerlo.

Al más puro estilo Looney Tunes, salió un lápiz desde fuera de cuadro y me borró la boca con su goma rosa. Pero las ideas, inquietudes, anécdotas, amistades, confesiones y necesidades de comunicar seguían ahí. Y entonces escribí de nuevo. Y mucho más que antes. Porque además de mis labores principales en Sónika y Sputnik-Tráfico, Promociones y Web-a escribir de televisión, a reseñar discos y a realizar entrevistas otra vez. Pero había que hacer público lo privado, porque así me entiendo mejor. Y escribí. Y cree un blog: Y la conversación vía msn con Mimoso para entrar a Dixo fue más o menos así: “Queremos que escribas un blog” Y dije “Sí” de inmediato. Ya luego pregunté de qué o porqué y dónde o cómo.

Así que si quieres platicar de los más recientes estrenos en cine, de las nuevas voces de Los Simpsons, de la angustiante espera para que comience la quinta temporada de 24, de la vez que camine pedísimo al lado de la pista de canotaje de Xochimilco en absoluta obscuridad, de Mia Kirhsner, leer mensajes ocultos, burlarte de mis anécdotas o recordar un buen concierto, bienvenido. Tráete pomo.

Y para finalizar, les pido cantar alto esta bonita canción, pero en lugar de Lisa, ponerle Dixo, y nuevamente decir… Dixo, It´s your birthday!

Un día como hoy, pero de 2005, se abrió una nueva era de la comunicación en México. Aprovechando el auge del ya tan necesario Internet y mezclando ideas innovadoras y un mucho de magia, nació Dixo. Todo esto gracias a la mente creativa de Dany Saadia, Fernando Benavides (entre otros), que además resultó ser un líder que sabe sacar lo mejor de su equipo.

Estoy muy feliz de formar parte de ésta familia donde todos son bienvenidos. Gracias Yoshi, Pada, Brontis, Dany, Alex, Charly, club de los 21, Fer y todos los demás que hacen posible que el encanto surja y siga.

¡Salud!

Por: Recienmentero.

Habíamos iniciado de la nada, en un momento espontáneo, quizá en algún otro año lo confiese… Habíamos pensado que era una idea sin tantos problemas, fluyó correctamente, la emoción estaba presente y el reloj en contra.

Ya había letras de por medio, palabras en las bocinas, diseños sobre la mesa, números rondando las oficinas, acuerdos, nuevos tratos, nuevas palabras, todo era virgen. No parábamos de pensar, hablar e imaginar el potencial, las nuevas formas. Sabíamos que estábamos haciendo lo correcto y era muy tarde para detenernos.

El día de su nacimiento oficial todos estábamos esperando el día perfecto; No llegó. Ese día a la Delegación Miguel Hidalgo se le ocurrió abrir justo la calle donde se encontraba el antro en el que se celebraría el llamado, justo ese día llovió como nunca, justo ese día el transito fue imposible. Quizá la vida nos advertía que el camino sería complicado, pero que valía la pena llegar. Y así fue.

Hace cinco años llegaron al lugar Mariana H, Linda Cruz, Arturo Hernández, Carlos Andrade, Leonardo Lambertini, Eduardo Peñafiel, Abel Membrillo, Danny Saadia, Rafael Jiménez, Birch y su servidor, todos esperando la llegada de familiares, amigos, medios. El lugar cedió su espacio airado a los cuerpos emocionados. La canción con la que abrió los ojos el sueño fue I love Rock and Roll. Nadie sabe por qué pero a la fiesta llegó ¿Kalimba? pues sí, nadie sabe porque pero se quedó. Ese día festejamos y sonreímos pensando que estábamos en el lugar correcto. Hoy, cinco años después lo seguimos pensando…

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FT: Ilona Skorobulatova.

Comentarios: [birch (@) dixo.com](mailto:birch@dixo.com) • Likántropa75 · Tumblr

Normalmente al rock se le relaciona con ideas políticas de izquierda, con discursos liberales y hasta con propuestas anarquistas. Aunque en el rock habitan seres con todo tipo de ideologías. Ted Nugent, de la agrupación Damn Yankees, es un famoso rockero por canciones como ‘High Enough’ y también por su apoyo al Partido Republicano estadounidense. Nugent es de opiniones políticamente conservadoras y conocido además por su amor a las pistolas y la cacería. Pero dentro del rock también existe Metal Cristiano completamente opuesto a la idea que el rock es sólo satánico. En la música popular habitan personas de todas razas, religiones y posiciones políticas aunque nadie esperaría que en la agrupación The Velvet Underground existiera un conservador. The Velvet Underground es una banda experimental de punk originaria de Nueva York  fundada por John Cale y Lou Reed. The Velvet Underground fue la agrupación favorita de Andy Warhol y eran los músicos del estudio/antro, The Factory, de Warhol. La percusionista y baterista Maureen Tucker fue miembro de The Velvet Underground durante la mayor parte de su trayectoria y también ha sido integrante de la banda en sus más recientes reuniones entre 1996 y 2009. The Velvet Underground es una de las bandas más originales que dio paso a la estética punk.; su música fue ruidosa, primitiva y desafiante. Durante una conferencia de prensa en la biblioteca de Nueva York en el año 2009, Lou Reed comentó que desde esa agrupación original él ha buscado un baterista que pudiera hacer lo que hacía Tucker y nunca dio con uno. Reed definió a Tucker como una baterista “tribal”. Sorprendentemente, esta mujer que es miembro de una de la bandas más radicales de la historia del rock, se pronunció públicamente en favor del Tea Party, el sector más conservador del partido Republicano. Maureen Tucker, en un reportaje de la cadena televisiva WALB, se pronunció en contra de un supuesto “socialismo” promovido por el Presidente Barack Obama y el Partido Demócrata. Pareciera casi inverosímil que una mujer envuelta en una de la escenas artísticas más libertinas y radicales del rock se pronuncie hoy en favor de una moral conservadora. Me pregunto ¿qué pensara Lou Reed, un intelectual del rock, del activismo político en el que ahora se pronuncia Tucker?

por @lamadela

Es difícil distinguir entre un disco de estudio de uno en vivo de la banda escocesa Mogwai. Al revés de la mayoría de las bandas (por ejemplo, se me viene inmediatamente Def Leppard a la cabeza) que sufren de ese fenómeno, normalmente  las canciones en vivo suenan igualitas a las versiones de estudio, pero en el caso de Mogwai es porque sus trabajos de grabación también suenan en vivo.

La música de Mogwai no sólo suena orgánica, parece ser un ente que nace, se alimenta, se reproduce y finalmente tiene una muerte dolorosa; es como si cada una de las rolas lograra completar  una existencia entera y además con una experiencia mucho más emocionante de la que llevará la mayoría de las personas que conozco. Julio Martinez alguna vez definió una canción como una de esas que te insita echarte a correr y ese es el efecto que varias composiciones tienen sobre mi también; en el caso de la música de Mogwai, me provoca querer pararme a salir a buscar una vida más sensacional, experimental e inverosímil, crearme una biografía que si la relatas nadie la creería. Suena a que las piezas de Mogwai tienen su crisis existencialista resuelta, saben porque vinieron a esta tierra y están llevando a cabo su misión.

El disco Special Moves fue grabado por Mogwai durante tres conciertos en The Music Hall of Williamsburg en Brooklyn entre el 27 y el 29 de abril del 2009.

@lamadela

Aún recuerdo a mis 10 años pedir día a día a mi mamá que me llevara al cine ver El Callejón de los Milagros. Tanta fue mi insistencia que finalmente accedió, pagó 40 pesos por dos boletos y me advirtió: “a la primer escena fuerte, nos salimos del cine”. Mi madre no contó con la curiosidad que Rutilio (Ernesto Gómez Cruz), uno de los personajes principales de la película, tendría en entablar una relación más que amistosa con Jimmy. En ese momento me invadió una gran incomodidad de ver tal escena junto a mi madre, además pensé que era momento de salir de la sala. Pero gran sorpresa que me dio mi mamá cuando me volteó a ver y en voz baja me dijo “esta película la tienes que ver, así que pon atención”.

En seguida empecé  a ver que la escena donde Alma (Salma Hayek), está con Abel (Bruno Bichir) en una azotea, tomaba otro significado según el ángulo donde era captada. En ese momento supe que el Callejón de los Milagros, sería una de las películas que me marcarían de por vida y por ende nació mi curiosidad por el trabajo de Jorge Fons, el cuál en lo personal, es uno de los mejores directores mexicanos.

Quince años tuve que esperar para ver el siguiente largometraje de Fons, ¿qué estuvo preparando durante este tiempo?, ¿qué aportación le dará al cine?, ¿cómo sorprenderá esta vez? Fueron las preguntas que como gran admirador del director, rondaron por mi cabeza y el resultado fue ver un atentado contra Jorge Fons.

El Atentado, película estrenada para unirse como parte de los sin fines de festejos del mes patrio, cuenta la historia de Arnulfo Arroyo, interpretado por el cada vez mejor José María Yazpik, quién teniendo una vida y un pensamiento liberal para su época, es convencido de asesinar al Presidente Díaz el día de la Independencia de México. Tal acto está rodeado por intereses políticos, amorosos y de honra que se irán desenvolviendo a lo largo de la cinta.

Con una producción de 5 millones dólares, el cuál un 60% viene de fondos públicos, cómo lo observamos en los primeros créditos/comerciales con los que abren la cinta, parece que no fueron suficientes para grabar en exteriores. Me pregunto si las calles del Centro Histórico de la Ciudad no eran ilustrativas o adecuadas para filmar diversas escenas que fueron hechas frente una escenografía que  desmerita considerablemente el arte y la dirección de la película.

El hecho de que la mayor parte de las escenas tomaran lugar en un foro, produce una sensación de claustrofobia visual. La misma iluminación, los mismos movimientos de cámara, la misma esencia y táctica, una y otra vez. Nada sorprende, nada resalta, todo se queda plano y desdibujado como los fondos falsos que vemos durante la cinta.

La parte rescatable de la película es conformada por el gran desfile de actores nacionales que hacen su aparición durante el filme, como ya lo mencioné Yazpik realiza un gran trabajo, al igual que Giménez Cacho y María Rojo, quien con solo dos apariciones en la película, deja claro que su nombre debe seguir siendo respetado en el cine nacional.

Por otro lado Fons se muestra desganado en esta ocasión. No brinda algo nuevo como director, no hay esas propuestas que vimos en Rojo Amanecer o en Los albañiles. No se ve su marca, salvo en una serie de sátiras cómicas que son repetidas en múltiples ocasiones, donde el pueblo se entera de lo que pasa en el mundo de la política gracias a una especie de teatro ambulante que hace mofa de la situación en el país.

El haber aceptado Fons este trabajo tan lleno de expectaciones, de historia y de grandes pretensiones lo orilló a ser víctima de su atentado. Ojalá que en mi niñez no haya visto lo mejor de este director y que todavía genere más sorpresas para el cine mexicano.

La famosa ciudad norteamericana que se publicita como la cede del pecado, usa como slogan la frase: “Lo que sucede en Las Vegas, se queda en Las Vegas”.  Se presume que uno va a ese “oasis” plástico situado en el desierto del estado de Nevada a reventar, caer en excesos y dejarse llevar por el libertinaje. Por lo tanto, no se trata de Las Vegas, en realidad esa es la primera regla de la fiesta: “ Lo que pasa en el reven, se queda en reven”. Es una regla casi implícita entre amigos, cuates y pachangueros; se da por hecho que cuándo un grupo de amigos en la peda acaban en el table, no se lo irán a platicar casualmente a las parejas de los asistentes de dicha bacanal.  Años después de una gran fiesta, cuando te topas en la calle con un cuate con el que asististe, no balconeas cuantas drogas se metieron esa noche en presencia de personas desconocidas. Si te encuentras en el super a una chica con su nuevo novio, no presumes que en una noche alcoholizada tuvieron sexo caliente, banal y frívolo. Así es como también se van desarrollando amistades llenas de confianza que existen casi exclusivamente gracias a la fiesta.

Cada reunión entre amigos con una botella de vino y una chelas, cada vez que entre cuates se le sube un poco más al volumen de la música para bailar, cuando un grupo de conocidos se encuentran en un concierto y hasta a veces cuando un par de amigas cambian el planeado té de las 6 de la tarde por unos vodkas con jugo de naranja, se abre una ventana con vista a los excesos. Sí, el alcohol es un desinhibidor social y unos lo necesitan más que otros, pero el reven por si mismo necesita generar una cierta inercia para que realmente se llegué hasta a las últimas consecuencias de la noche. En el mejor de los casos, todos los involucrados se la pasan igual de bien, pero nunca falta aquel que le da la también legendaria “mala copa”. En circunstancias extremas los sucesos en el reven también pueden acabar con amistades, pero en la mayoría de los casos es difícil juzgar a un cuate cuando se habían sobrepasado los límites de la lucidez. Y esa debería ser la segunda regla de reven: “Si te vas de reven, no le tengas resentimientos al reven….si ya sabes como se pone…” Es el slogan que Las Vegas nunca utilizará, porque evidentemente la ciudad del pecado no quiere que te detengas a pensar en las consecuencias que el reven conlleva; los dueños de los casinos definitivamente no están interesados en que recapacites como se encontrará tu estado de cuenta al regresar a casa después de una vacaciones apostando y puteando. Lo que me lleva a la definitiva tercera regla del buen reven: “Lo vivido nadie te lo puede quitar”. En el reven he conocido ha gente extraordinaria, he presenciado eventos cautivadores y visto como intrigantes historias se desenvuelven. Supongo que por eso me gusta pensar que la vida es una fiesta… y que la cruda valga la pena.

Tricky – Mixed Race

Domino Records, 2010.

Mientras los miembros de Massive Attack han declarado que están abiertos a volver a trabajar con este ex-miembro, Tricky edita una nueva producción solista. Actualmente el músico británico reside en Paris y su influencia cosmopolita se escucha a lo largo del trabajo; esta presente desde que retoma ‘Technologic’ de Daft Punk para hacer su propia ‘Kingston Logic’ y también aparecen el aura y los aromas de las culturas del norte de África que son parte vital de la capital francesa. Me sería imposible definir éste como un disco de world music, porque es demasiado oscuro y desafiante como para ser una celebración antropológica; es demasiado postmoderno y nihilista como para esperar que este disco preserve culturas y sonidos milenarios. La novena producción de Tricky es, como bien indica su nombre, es un mestizaje globalizado. Como en todos los trabajos de Tricky, es la definida estética de este oscuro compositor la que domina la producción. En Mixed Race se escucha la influencia y curiosidad de un productor inglés por la electrónica francesa, por los ghettos africanos en Paris, por la inhalación de humo y su eterno amor por la rítmica afro-caribeña, pero todo homogenizado dentro de su particular estilo.

También es una constante en todos los trabajos de este hombre que nació con una voz que parece tener una caja de efectos incluida, que las canciones buenas son simplemente geniales y las malas parecen una auto-indulgencia de hueva.

Es El Infierno una de las múltiples películas mexicanas que se estrenaron en la víspera del aniversario del Bicentenario de la Independencia de México. El director Luis Estrada es reconocido por otras cintas como Un Mundo Maravilloso y  La Ley de Herodes, y es precisamente con ésta última con la cual escuché que la comparación era inmediata: “Es como La Ley de Herodes pero con…”

Bueno, pues yo ni ví  “La Ley…” ni “Un Mundo…” por lo que comenzaba desde cero con Luis Estrada.

Son varios los puntos a rescatar y a criticar de “El Infierno” por lo que voy a dividirlos, sí, en 9. Los 9 círculos de “El Infierno”

9.- Impecable la fotografía, las locaciones, la producción pues. No sólo afortunadamente ya no vimos el CUM o Coyoacán, sino que nos llevaron a aquellas tierras áridas y fronterizas, creadas, montadas y recreadas, con cada uno de los detalles muy cuidados (Aunque debo decir que por ahí caché uno de esos cuchillos mágicos. Sí, esos a los cuales les desaparece la sangre de un cuadro a otro)

8.-Al audio lo puse aparte. El sonido. ¡Vaya! No me cansaré de decirlo pero que difícil es toparse con una película mexicana cuyo audio sea bueno. No hablo de un diseño de audio basado en THX, hablo de que lo básico, o sea los diálogos se entiendan. Hay cintas que ni siquiera eso logran bien

7.-¿Qué tipo de diálogos? Desafortunadamente, los peores. Salvador Sánchez, en su papel de “El padrino” no actúa, sino más bien parece que recita la sinopsis de la caja del DVD cuando le está explicando al Benny lo que ocurrió con su hermano. Cuando un hermano traiciona al otro, el hermano uno explica “soy pobre, no como tú…” denotando su origen humilde y características de tan secundario personaje, el cual se va al traste cuando vuelve a hablar y dice “mi hermano lleva ahi un par de horas”. Palabras que usamos al escribir, pero poco al hablar en nuestra cotidinidad, como la palabra cotidianidad. Diálogos que desafortunadamente no machaban, no eran creibles.

6.-Aderezados con un exceso de groserías. Perdón pero a mi ya dejó de darme risa el “órale pendejo” o el “no seas puto” forzado, repetitivo, poco natural y sin chiste. Cuando comenzó “El Infierno” pensé que estaba viendo una película enlatada de 1997, de aquellas que se aferraron a reflejar la clase media y hacerla sufrir, sufrir y sufrir, con chingos de chingadas malas palabras. No hemos encontrado un balance entre el lenguaje cotidiano y la sobreexposición del mismo. A la tercera vez que uno escucha a María Rojo decir “Hijos de la chingada” ahí es precisamente a dónde uno quiere mandarla

5.-¿Sátira? ¿Caricatura? ¿Humor Negro? Si pero como que no se define. Si pero como que a momentos es una y a momentos es otra y a momentos no es nada. Sí, porque cuando el Benny se desmaya después de la escena de tortura es maravilloso. Sí, porque la imagen del cuerpo de Reyes derramando sangre sobre el escudo nacional es excepcional. No, porque cuando el Benny se está dándo a la cuñada me pude imaginar a El Comanche y a Lin May. No, porque el papel de Emilio Guerrero como El Alcalde se pasa de parodia y se convierte en caricatura ortizdepinedoesca

4.-En actuaciones, quien se lleva la cinta es Joaquín Cosío. Sí, cierto es que el personaje le ayuda mucho y parecería creado para él, pero el Cochiloco te cae bien, te da miedo, lo conoces, lo entiendes, lo lamentas. Es tan grande la actuación de Joaquín, que se come inclusive a alquien que supuestamente tendría que ser más grande que él, o sea Reyes, que podría ser a propósito que ésto ocurra, pero entonces, por lo menos debía haber tenido mejor balance. Ernesto Gómez Cruz se queda muy mediano en comparación con Cosío

3.-”El Infierno” llega a extenderse en demasía. Si bien la vuelta de tuerca con aquel subtrama de “la protección de testigos” esta buena, queda opacada por querer llevar la historia de Benny hasta las últimas consecuencias y querer reflejar el esterotipo/realidad de todos los personajes. No había necesidad de mostrar lo que todos sabemos/pensamos de cada uno de ellos. Por ejemplo, la escena con el Diablito al final ya era innecesaria, ya nos había quedado, desde el inicio, que son patrones que se repiten.

2.-Mucho cuidado con catalogar a “El Infierno” como una película “atrevida” o, gasp, “censurable”. No nos está diciendo nada que no escuchemos en las noticias, o leyendas urbanas desafortunadamente muy reales, de conocidos de conocidos. El chiste de Calderón es finísimo pero no para espantarse o para cuestionarnos “Cómo le hicieron para que no lo editaran?!”. “El Infierno” refleja una tristísima realidad, para reflexionar sobre un problema cuya solución está enredadísima, pero tampoco es que nos  esté mostrando las entrañas y los obscuros secretos de “ese” mundo.

1.-Nunca perderé la fé  en el cine mexicano. Pero ojalá que la afinación ya esté  dominada y se trabaje ahora en el balanceo. Ya no deberíamos de ir para atrás, y que de “El Infierno” no se baje, sino se suba, porque todavía hace falta ascender.

Por:

Grinderman – Grinderman 2

La encarnación sin moral ni escrúpulos de Nick Cave & The Bad Seeds regresa con una nueva producción: Grinderman 2. Estos personajes solidamente desafían todas la buenas costumbres y cometen todos los pecados bíblicos e imaginarios con el blues rock más deliciosamente marrano y voraz. Grinderman 2 es la poesía de la insolencia; las canciones son las épicas desventuras de una banda de condenados; son composiciones viscerales y experimentadas en el arte de los excesos. Las rolas son tentadoras, este es el rock peligroso que las autoridades dicen tiene el poder de incitarte por el camino del mal.

@lamadela

La música se engrana en el cerebro, décadas después puedes recordar la letra de una canción, una melodía te transporta a un preciso instante de tu vida o te despierta un aroma que habías olvidado conocías. Una canción se vuelve entonces una forma de despertar partes de tu cerebro que pueden estar dormitando durante años… hasta que escucha la secuencia de notas indicadas. Hay cajas fuertes dentro de nuestro cráneo que sólo se abren cuando por nuestros oídos entra la clave indicada. Por eso es tan difícil distanciarse emocionalmente de una rola que ha sido parte de nuestras historias, porque literalmente son la forma de accesar a los recuerdos que nos han marcado.

También me deja una reflexión, siempre tener cuidado de no permitir que una mala canción sea participe de un gran momento de la vida, porque sino me acompañará el resto de mi existencia.

De concierto, creció  a evento y de evento, a marca. 212 se convirtió en un happening esperado por Guadalajara y que se fue contagiando a las demás plazas conforme RMX fue creciendo.

Y tengo tantos recuerdos…de las bandas, de los afters, de los asistentes, del escenario, de los problemas…ya cientos de memorias auditivas y gráficas.

Y ahora venía, una evolución del 212. Necesaria y exigida por la audencia.

¿Qué tal cerrar una avenida? Chapultepec ¿Qué tal varios escenarios? Cuatro ¿Qué tal varias bandas, entre nuevas y ya posicionadas? Más de 30 ¿Qué tal que no sólo nos traemos a una banda por plaza, sino camiones completos con gente de la audiencia? Torreón, Laredo, Nuevo Laredo, Celaya, San Miguel y Querétaro (sin contar aquellos que se organizaron por su cuenta como en Morelia y Tijuana)

¿Qué tal que nos juntamos en La Perla Tapatía prácticamente el 80 por ciento de gente que conforma toda la cadena RMX? Nada más dejamos a los necesarios en su plaza

Bueno, ¿y luego? Con todos éstos elementos, la emoción debería de estar ahí. Pero algo me pasaba, con la esperanza de que prendiera en cualquier momento…

Nos subimos a la montaña rusa cuando menos lo esperábamos. De un momento a otro ya todos estábamos asignados con nuestras tareas específicas, sabiendo que seguramente habría problemas y eventualidades por resolver. Que afortunadamente, fueron las menos. En serio. Uno siempre habla bien de su evento y que salió a la perfección. Y que no hubo nada que lamentar. No, es que si los hubo. Pues claro, pero nada que no se arreglara en menos de 15 minutos. Así, tal cual.

Y entonces ya no hubo tiempo para preocuparme por mi emoción. Nah. Me encantaría hacerles más romántica esta historia diciéndoles que apareció como por arte de magia en el momento en el que sonó el primer acorde, o se subió la primera banda a uno de los escenarios. Nah. La emoción creció conforme creció el evento. Con sentimientos encontrados, como el saber que a kilómetro y medio estaba ya tocando La Gusana Ciega y no podria llegar a verlos, pero de este lado, en nuestro backstage las cosas estaban saliendo de maravilla. Y mientras más de 20 mil personas veían a La Maldita Vecindad, acá no nos podía quejar porque con Disidente nos estabamos sintiendo fuertes, potentes y realizados.

No es una reseña musical. Es un pequeño punto de vista de los 212 X 212 que surgieron en un evento que crece exponencialmente gracias a los que están adelante, arriba y detrás del escenario.

212 se llevó a cabo abarcando más de un kilómetro de la Av. Chapultepec en la ciudad de Guadalajara. La primera agrupación daba inició a las 4:45 de la tarde y desde temprano la gente empezó a llegar en cantidades respetables y constantes. A lo largo de la Av. Chapultepec se colocaron 4 escenarios. Como en ningún festival al que he asistido organizado por Ocesa, el audio de un escenario no invadía el espacio sonoro del siguiente, lo que permitía que cada uno de las tarimas mantuviera su integridad y personalidad.

Sí, se acabaron pisoteando las plantas de las jardineras del camellón de la avenida y también hubiera sido mucho más gratificante que la extensa campaña de reciclaje que se implemento hubiera sido utilizada por los asistentes para que al final del concierto la calle quedara limpia, pero realmente fueron los únicos dos detalles que se podían criticar y sobre lo cual se asentó un artículo del periódico Mural de Guadalajara. Lo importante, lo verdaderamente sorprendente, fue que en un evento con tantas miles de personas, muy poca supervisión de seguridad y habiendo generado un ambiente de tolerancia en donde la gente consumió en la vía pública, se contó con un saldo blanco. No sólo no hubo grandes perturbios, sino los asistentes se comportaron de forma pacífica y respetuosa.  La diversidad de personas reunidas también era extensa, fue un ejemplo cívico de cómo todos los miembros de una sociedad pueden compartir un espacio público y disfrutar de un evento cultural. Personalmente, de lo que más disfrute fue de las miles de sonrisas que tuve la oportunidad de observar.

En los escenarios se presentaron reconocidos actos como la Maldita Vecindad, Nortec: Bostich + Fussible y Los Bunkers, pero también fue un espacio para varias bandas locales como Vainilla y Thermo y un espacio para celebrar a bandas de culto como La Revolución de Emiliano Zapata. El 212 le abrió las puertas a varios actos nuevos y la gente los recibió con mucha curiosidad y atención. Todos los escenarios gozaron de siempre tener público atento frente a ellos. Me fue imposible ver a todos los actos, pero de lo que sí llegué a disfrutar, me quedé feliz con la actuación fúrica y ácida de Descartes A Kant, los poderosos novatos (a los que les deseo un gran futuro) Robot Junkie Paradise, la creatividad de Los Impostors, el colmillo de La Revolución de Emiliano Zapata y la confianza en escena de Bostich+Fussible.
212 promete regresar el año entrante, pero en esta ocasión fue un exitoso evento que llevó música, cultura y fiesta para todos en las calles de Guadalajara.

(escenario amarillo durante Descartes a Kant)

por @lamadela

Vamos por partes; en los ochentas una de las bandas más importantes del movimiento punk gringo fue el trío Hüsker Dü. De alguna forma, la historia de esta agrupación originaria del estado de Minnesota es la arquetípica narración romántica de casi cualquier banda respetable de este género musical: chamacos insolentes hacen una banda de sonido furioso y tan desesperado como sus quebrantados espíritus; la banda toca y graba sin esperar nada del de por si incierto futuro; los chamacos ganan un pequeño público de culto y sin llegar a la fama su propia popularidad mata al punk y por ende acaba el proyecto; décadas después son venerados como los verdaderos precursores de ese sonido por nuevas generaciones. Esta historia, cada una con sus propios tintes trágicos, se repite en la historia del punk una y otra vez, por sólo nombrar algunos ejemplos obvios: Ramones, The Stooges, Television, New York Dolls, sus contemporáneos Black Flag y también podría mencionar a los Pixies.

El guitarrista y cantante de Hüsker Dü era el talentoso Bob Mould (y ahora sí vamos de lleno a la reseña que nos concierne en esta ocasión). A principios un Bob Mould adulto y mucho más seguro de si mismo, retoma sus excepcionales capacidades melódicas que le dieron a Hüsker Dü ese sonido pegajoso que los volvió leyenda, para hacer una agrupación de rock. En 1992 debuta el trío Sugar y aunque alcansaron un estatus de culto casi inmediatamente gracias a los antecedentes de Mould, para el público masivo pasaron desapercibidos, aún hasta hoy en día. En retrospectiva, lo excepcional de Sugar es que estaban creando lo que hoy reconocemos como el sonido “post-grunge” del rock alternativo o indie  antes de que siquiera muriera Kurt Cobain. En sólo dos años de existencia, Sugar editó 2 Lp’s  y un EP oficial pero su legado se escucha aún hoy en día. Lo peculiar de Sugar es que generalmente se escapan de la atención de los consumidores del rock pero son muy conocidos entre el circuito de los músicos… créanme, Dave Grohl sabe quien es Bob Mould.

Copper Blue fue el primer trabajo de estudio de Sugar y es un disco de rock melódico con guitarras poderosas y apasionadas, líneas de bajo pesadas como plomo y un bataco amante de los redobles acelerados. Es la perfecta combinación entre una composición sensible y una interpretación enajenante.

por @lamadela

Por ahora cerraré la ventana.
Ayer soñé contigo, pensé te había olvidado, pero los sueños, sueños no son. Repetías mi nombre, sonreías con fuerza, con soledad, con mi parte new age de eternidad.
Veía encendida mi Combi de la infancia, pero estabas ahí, a tus 23, a mis 25; poderosa, irritable, desconfiada del tiempo pasado, del tiempo sin vernos. Desconcentrada por mi entorno de colores, por mi voz requerida por los años.
- “we´ll dance this one when we get married” she said- mirabas detenidamente mis ojos, escribías una nota sencilla, directa, internacional, en rojo.
Mis manos están ocupadas en romper la rama de un árbol de eucalipto, sentado a la sombra, esperando tu decisión irrestricta. Por lo menos, tu gesto ha cambiado, tu ironía exótica descansa, el periódico del 28 de noviembre está borroso. Farfullamos nombres, historias, recuerdos. Predijiste nuestro encuentro, nuestra pelea, nuestro entorno, nuestro cuento, nuestro olvido. Estupor.
Agazapado tras mutismos. Volviste, eso me da alegría, tus ojos, tus leves arrugas laterales, tu piel blanca; erigiendo el momento exacto en que corres tras mi espalda y mis hombros, removiendo antiguos osarios, parpados tiritan.
Has dicho que sí, has cambiado la historia, has reconocido mis palabras, haz un esfuerzo por despertar.
Iras vestida
Reencontramos nuestras manos
Estoy esperando.
Náufragos en nuestro propio escenario. Destruyendo notas salidas, dignas elocuentes, desaparecidas.
Soy anormal, soy remolacha y llegas, despiertas, des existes.

De forma muy discreta, una de las casas disqueras más importantes de Gran Bretaña, 4AD, celebra su aniversario número 30 y también su capacidad de mantenerse en la vanguardia del rock. Todo los discos editados este año por el sello llevan en su número de catálogo la insignia “3X” para mostrar su longevidad en una industria tan competitiva.

El sello fundado en 1980 por Ivo Watts-Russell y Peter Kent ha sido el hogar de importantes actos como Cocteau Twins,  Dead Can Dance, Pixies y también le presentaron al mundo el éxito de M/A/R/R/S, ‘Pump Up The Volume’.

El mes entrante 4AD lanzará Halcyon Digest, la nueva producción de Deerhunter.

Este es el segundo disco producido por el artista británico que trabaja bajo el nombre de Skream. El joven músico sorprendió a la crítica con su primer disco y ahora parece estar dispuesto a convencer a las audiencias masivas. En éste disco, el reflexivo compositor aplica su sorpresivas tácticas rítmicas a canciones en esencia de pop electrónico.

El álbum tiene varias baladas con el groove y tarola del dub, con lírica pasada por vocoder y dulces melodías, como la canción ‘Where You Should Be’ con vocales de Sam Frank o la cadenciosa ‘I Love The Way’. Los beats nunca se acaban de revolucionar, pero la rítmica siempre es intensa y persistente. El disco utiliza la versatilidad del pop para crear también momentos del más fino techno paisajista. El dubstep de Skream radica en su capacidad de arrastrar el ritmo y crear interesantes figuras percusivas que hacen de una simple melodía pegajosa un suceso mucho más hondo. Esto es pop sin frivolidad.

Estas pequeñas creaciones han acompañado a los libros a lo largo de toda su historia y su creación ha despertado el interés de artistas de todas las épocas (como Durero, Goya, Dalí, etc.). En México su uso se inicio en la época colonial y siguió presente durante la época independentista y moderna, artistas de la talla de Julio Ruelas, Diego Rivera, Leopoldo Méndez, José Luis Cuevas, entre muchos otros han creado ex libris, sin embargo en la actualidad la tradición de su uso y creación está prácticamente en desuso. Pocos artistas o diseñadores se dedican a crearlos y únicamente coleccionistas o personas muy conocedoras e interesadas en el mundo de los libros los siguen colocando entre los ejemplares de sus valiosas bibliotecas.

Habría que decir que NO hace falta tener una gran biblioteca, ni siquiera poseer libros carísimos o ediciones raras y limitadas para que nuestros libros tengan un gran valor para nosotros, lo único que se necesita es tener libros que apreciemos y queramos cuidar y honrar, dándoles el reconocimiento de la importancia que tuvo su presencia en nuestras vidas y dejándoles como obsequio una pequeña y bella huella de nuestro afecto.

amor libro. Por una cultura del libro desde el diseño

amor libro ha invitado a un grupo de destacados diseñadores, tipógrafos e ilustradores a crear sus propios ex libris con el fin de reunir una muestra que será reunida, exhibida y difundida, de tal suerte que resulte ser ejemplo y aliciente para que otros colegas se interesen en su creación. Al mismo tiempo hacen extensiva la invitación a todos aquellos diseñadores interesados en participar.

Para más información visita amorlibro.blogspot.com o puedes seguirlos en Facebook dando click AQUÍ o en twitter.com/amorlibro.

estudiantes tecos

Recuerdo bien áquel fin de semana en el que saliendo de un 7Eleven me fijé en la portada de un periódico. El logo de los Tecos en grande y un titular que decía algo así como “Se acabó”. Al acercarme, la nota trataba sobre ése, el último día de los Tecos como tal, pues de ahora en adelante, cambiarían nombre e imagen: Estudiantes era el nuevo nombre oficial del equipo de la Universidad Autónoma de Guadalajara, acompañado de un nuevo logotipo, nuevo uniforme…nueva imagen pues.

Me parecía una gran estrategia: un cambio radical a una marca que estaba gastada, muerta y dañada. Todos sabemos que la sensación de estrenar algo te carga de energía por lo cual el cambio le vendría muy bien a los jugadores. Un movimiento con muchas raíces mercadotécnicas y que demostraba que la directiva estaba tomando cartas en el asunto. Bueno, hasta estrenaro nuevo himno y se lo encargaron a la banda tapatía Plástiko, con miras por supuesto a atraer a una nueva generación de aficionados.

El logo no era nada más rediseñar la imagen del ave, sino darle un significado, pues ahora se mostraba con las alas abiertas, en señal de una nueva actitud (la que siempre deberían tener). Los colores, haciendo alusión a su pasado, más elegantes…si me atrevo a decirlo… más “europeos”.

Pero nada pasó. La era Estudiantes comenzó el 25 de mayo del 2009 y el cambio de fondo y de resultados no ha llegado aún. Los Estudiantes-Tecos, como más bien se les sigue conociendo dentro del pópulo, se han vuelto una broma constante al tener la extraordinaria facultad de empatar o perder partidos que comienzan ganando. No todo es trágico, porque han ganado algunos partidos importantes, los del orgullo pues, sobre todo contra sus coestatales Chivas y Atlas. No son “el pan” ante los equipos grandes pero fuera de eso, nada está pasando con los Estudiantes.

Sin que sea queja, me parece increíble que Miguel Herrera siga como Director Técnico. La ex-estrella del Atlante lleva desde el 2008 comandando a los Estudiantes y cualquier otra directiva ya se hubiera cansado de los tristes resultados del equipo y le hubieran dado las gracias. ¿Será que aún hay gente inteligente en los altos mandos que sí entienden la palabra “continuidad” ? Si éste es el plan maestro, felicidades. Porque entonces los resultados llegarán. Quizás no en el segundo torneo del 2010, quizás inclusive no en el 2011. Pero no hay nada más aplaudible que la paciencia y de entender que los goles y puntos tarde o temprano llegarán, si es que en efecto hay un plan trazado a mediano y largo, no a corto plazo.

Herrera se lo merece. Con esa personalidad polémica, explosiva, adorable. De los que no se callan pero también de los que aguantan. Desconozco cuál es el sentir de la afición Estudiantes con respecto al equipo y a Miguel, pero ojalá pronto su pasión/necedad/necesidad sea recompensada. Necesidad porque el primero y único campeonato lo consiguieron en la temporada 93-94 (aunque cada que entre esa ansiedad y nostalgia, no hay como mirar al vecino Atlas).

Cuando me refiero a Estudiantes como tercer equipo, no se me ofenda. Es que simplemente necesita, como ya lo decía, en convertirse en una marca, y no se necesita a un equipo de encuestadores profesionales para demostrar que en el top of mind se encuentran Chivas, Atlas y Tecos, en ese orden.

La historia, sin comparar, la tienen pues. Pero es momento de ir creando una nueva. Es momento de capitalizar los cambios y de concretar la marca: que la tradición de Tecos se quede atrás y que inicie la de Estudiantes. Suerte. Suerte Miguel. Suerte a los Estudiantes.

Dropbox es un increíble sistema para generar folders pesados en la red y poderlos compartir; por citar la mejor analogía que he escuchado, Krisstiane lo sintetizó: “es como un ftp, pero chingón”.  No me quiero desviar en las tecnicalidades de un servicio gratuito que al instalarlo notarán sus virtudes, me quiero concentrar en lo que podemos hacer con él. No, tampoco voy a gastar nuestro tiempo en las millones de razones que se me ocurren para que nos compartamos arte libremente.

Con KCT grabado, Carlos Andrade y yo hemos empezado una pequeña comunidad de melómanos que compartimos música. Parte del atractivo es que cada uno de los miembros funciona como un editor musical y sube una obra seleccionada del universo de discos que están a su alcance, así se han ido juntando discos como el concierto de Peter Gabriel en Guadalajara, estrenos muy recomendables como el EP en vivo de Underworld en el iTunes Festival en Londres y discos ilegales desde su concepción (por incluir samplers de los recelosos Beatles) como el Grey Album de Danger Mouse.

En China los servidores pueden hasta bloquear el google search; el tráfico de información se ve amenazado por actos legales como A.C.T.A. y desde Napster nos vienen persiguiendo a todos los que “pirateamos” música en línea. Pero los famosísimos “loopholes” han sido imposible de sellar. En algún momento, las disqueras le quisieron poner candados a los CD’s para que no se pudieran rippear (idea que con la popularidad de los reproductores portátiles de MP3 es imposible de imaginar el día de hoy) una idea tonta, ya que justo ahí radica el primero de los grandes “loopholes” tecnológicos en la música: si se puede reproducir, se puede grabar. Y así, no han encontrado la forma de sellar completamente el intercambio de archivos.

Lo interesante de la idea del “peer to peer” es que son dos personas en un universo anónimo compartiendo algo que les parece tan interesante que no deberían quedarse sólo para ellos; es un acto desinteresado y sin egoísmo que requiere de un poco de esfuerzo y tiempo. Estudios cuestionables aparecen por todas partes e indican cómo las redes sociales nos vuelven anti-sociales, como la internet nos aleja del supuesto “mundo real” y no se dan cuenta que millones de archivos de interesante información son generados por personas y que lo hacen sólo por compartir. En la mayoría de los casos, el intercambio de música en línea es uno de los actos menos egoístas que me puedo imaginar. Recientes estudios de las Universidades de Emory y Claremont indican que las hormonas responsables del sentimiento que llamamos amor, también despiertan un intenso sentido de posesión por el amado.

Parece que estamos programados para no poder sentir amor sin posesión y es sorprendente que supremos nuestros instintos básicos para querer regalarle a un perfecto extraño algo que adoramos. Todos los melómanos tenemos discos que hemos celado intensamente; agrupaciones oscuras que sólo por conocerlas y amarlas nos dan un cierto sentido de soberbia, pero en la red estamos dispuestos a compartirlos con el universo y eso también nos genera un orgullo particular… muchas veces al subir un extraño álbum a la internet uno piensa: “ahora sí, putos, ¡agárrense que ahí les va!”.

Carlos y yo los invitamos a intercambiar música en el folder de KCT grabado. Es muy sencillo pertenecer a nuestra pequeña comunidad y accesar a la música. Recuerda de subir obras completas y siempre firmar el libro de visitas donde debes indicar que fue lo que nos compartiste.

A continuación explico paso por paso como ser parte del folder de KCT grabado.

Primero: abre una cuenta en Dropbox.

Para generar una cuenta en Dropbox ahora, da click AQUÍ.

Segundo: envía el mail con el que generaste tu cuenta en Dropbox al Twitter o Mail de Carlos o mío (Madela).

Para el Twitter de @carlosandrade da click AQUÍ
Para el Twitter de @lamadela da click AQUÍ

El mail de Carlos Andrade: carlosandrade (@) dixo.com.
El mail de Madela: madela (@) dixo.com.

Tercero: Carlos o yo (Madela) te haremos llegar la invitación al folder por medio del mismo Dropbox. A partir de ahí… eres libre de disfrutar y compartir la música que gustes.

En DIXO te estamos invitando a manifestarte… hay tantas formas de hacerlo y una de ellas es mantener el libre tráfico de información en la internet. ¡Fuck A.C.T.A.!

por Madela Bada.

“La idea central que inspira todo el Manifiesto, a saber: que el régimen económico de la producción y la estructuración social que de él se deriva necesariamente en cada época histórica constituye la base sobre la cual se asienta la historia política e intelectual de esa época, y que, por tanto, toda la historia de la sociedad -una vez disuelto el primitivo régimen de comunidad del suelo- es una historia de luchas de clases, de luchas entre clases explotadoras y explotadas, dominantes y dominadas, a tono con las diferentes fases del proceso social, hasta llegar a la fase presente, en que la clase explotada y oprimida -el proletariado- no puede ya emanciparse de la clase que la explota y la oprime -de la burguesía- sin emancipar para siempre a la sociedad entera de la opresión, la explotación y las luchas de clases; esta idea cardinal fue fruto personal y exclusivo de Marx.” – Friedrich Engels

El Manifiesto del Partido Comunista fue escrito por Karl Marx y Friedrich Engels y fue publicado por primera vez en febrero de 1848, en alemán, por un grupo de refugiados originarios de ese país, en Londres. En el transcurso de los siguientes años el texto sería traducido a varios idiomas y algunas versiones contuvieron prefacios originales escritos por Marx y Engels como la versión de 1882 en Ruso.

Este Manifiesto esta inspirado por la lucha del proletariado, la batalla sin fin en la que el sistema de ganancias sólo parece darle grandes frutos a muy pocos. Este texto fue inspirado en un estado que explota a sus trabajadores y que encima, los considera desechables.

Aquí te dejamos un versión tremendamente condensada de algunos de los conceptos básicos de Manifiesto Comunista, extraído de Monografías.com.

CONCEPTO DE ESTADO

a) Citas textuales

<<El gobierno del Estado moderno no es más que una junta que administra los negocios comunes de toda la clase burguesa. >> Cap. I de “El Manifiesto Comunista”

<<Obliga a todas las naciones, si no quieren sucumbir, a adoptar el modo burgués de producción, las constriñe a introducir la llamada civilización, es decir, a hacerse burgueses. […] se forja un mundo a su imagen y semejanza. >> Cap. I de “El Manifiesto Comunista”

b) Postura de Marx-Engels

Para estos autores el Estado no es más que una manera, sino la mejor, de perpetuar la dominación de una clase sobre otra. La burguesía, con su concepción capitalista del mundo, ha creado la figura del “Estado”; el conjunto de normas y leyes que regulan toda una sociedad y esto no es más que la legalización de las reglas capitalistas.

ASOCIACIÓN ENTRE EL PROCESO DE CONCENTRACIÓN ECONÓMICA Y PROCESO DE CONCENTRACIÓN POLÍTICA
a) Citas textuales:

<< (La burguesía) ha aglomerado la población, centralizado los medios de producción y concentrado la propiedad en manos de unos pocos. La consecuencia obligada de ello ha sido la centralización política. >> Cap. I de “El Manifiesto Comunista”

<<En su lugar se estableció la libre concurrencia, con una constitución social y política adecuada a ella y con la dominación económica y política de la clase burguesa. >> Cap. I de “El Manifiesto Comunista”
b) Postura de Marx y Engels

El proceso de concentración política es consecuencia del proceso de concentración económica. La concentración de la propiedad en pocas manos hace que la población se concentre demográficamente. A la vez el capitalismo ha creado el “estado moderno”, la centralización debajo de una única bandera de las sociedades distantes demográficamente.

EL PROCESO DE TOMA DE CONCIENCIA DE LA CLASE TRABAJADORA.
a) Citas textuales

<< […] la industria, en su desarrollo, no sólo acrecienta el numero de proletarios, sino que los concentra en masas considerables; su fuerza aumenta y adquieren mayor conciencia de la misma. >>

<< […] la burguesía proporciona a los proletariados los elementos de su propia educación, es decir, armas contra ella misma. >> Cap. I de “El Manifiesto Comunista”

<< […] el progreso de la industria precipita a las filas del proletariado a capas enteras de la clase dominante, o al menos las amenaza en sus condiciones de existencia. También ellas aportan al proletariado elementos de educación. >> Cap. I de “El Manifiesto Comunista”
b) Postura de Marx-Engels

El proletariado no se mantiene estático ante tal situación, sino más bien sufre un proceso de concientización. La clase trabajadora se da cuenta de que los intereses de la sociedad son los de una clase, que la domina. Pero tales intereses no son los únicos, sino que la clase trabajadora descubre que también posee los suyos y que son opuestos a los de la clase dominante. Pasa a ser de una clase en si a una clase para si.

Para leer el Manifiesto del Partido Comunista completo, da click AQUÍ.

Para leer los Principios del Comunismo según Friedrich Engels, da click AQUÍ.

Para leer un resumen por capítulos del manifiesto Comunista en Wikipedia, da click AQUÍ.

Ya pasó.

Pero quedan los estragos de amargura, desesperación callada, inmóvil, confundida.
Mi vida es así: despertar a las 11 am con Jeremy kyle en la tele, una lata de Stella de 500 ml E, a mi lado, medio llena, medio vacía. Un andamio que hace ruido en el tejado de enfrente, taladros, clavos, risas, “they ve been talking about West  Ham´s “super stars” for hours”,  nubes ligeras, un cuervo que no deja de hacer ruido todos y cada uno de los días, sea invierno, sea primavera. El tren a las 12 30 por tomar, todos los días, monedas de cobre en el piso, olor a mantequilla, más latas, más caballitos de la noche anterior, mi toalla caliente sobre la calefacción, recuerdos, ganas de tomar un avión, otro tren sin escalas, un megabus que me lleve a ti, oír tu voz, recordar, reír, ser los de antes, cierro los ojos para no pensar en eso.

Ya pasó, pero el viernes fue fatal, el sábado un idilio con las lágrimas que no dejan de caer. No estuviste, aunque te esperé, no estuviste, estuviste, aunque deseaba que nunca llegaras, Camino hacia la noche otra vez, con los pulmones llenos de algas rojas, con el estómago de metal, sin pupilas, callado, inconcluso, media arepa de pollo con queso en la mano.
Caminata diaria bajo la lluvia, entro al off license de paso, otras dos para el camino, ¿quién me dice que no? ¿a quién le interesa que sí?  Me an´ my drank…

Ya pasó, pasó en ruido, en borroso, en secuencia. Lento, rápido, molesto, extrañando. Imposible, inimaginable, incoherente, incongruente, desmedido, desvalido, entrañando, siempre extrañando, oscuro, rotundo, recurso, extrañando años que no están.
Quedan cervezas, queda St. Paul´s Cathedral, queda toda la vida sin ti.

En la entre guerra europea, para ser precisos en Suiza, un país neutral que permitía la libertad de expresión de varias ideologías encontradas, surge el movimiento Dadaísta. Se podría decir que el movimiento surge del colectivo de artistas que presentaban su obra en el Cabaret Voltaire y a la clausura de este, el poeta Hugo Ball expuso el primer Manifiesto Dadaísta. En el habla de cómo Dadá es algo que ese día nadie conocía pero que al día siguiente Zurich enteró estaría hablando de ello. Y tuvo razón. Se reconoce como los Manifiestos Dadaístas más importantes los de Tristan Tzara, pero en estos momentos, en alguna parte del mundo, algún universitario rebelde probablemente se dispone a escribir su propio manifiesto Dadá.

La idea dadaísta era una propuesta de anti-arte. Mientras la obra de la época estaba preocupada por la estética, el dadaísmo no sólo imponía el sentimiento sino que buscaba corromper la estética.

Aunque mucho del movimiento nace de un sentimiento anti-burgues y anti-bélico, la idea dadaísta fue adoptada no sólo por varios artistas sino por varios grupos y cada uno la interpreto a su forma. Entre las piezas más famosas del dadaísmo se encuentran los Readymades de Marcel Duchamp y también la filosofía holandesa De Stijl impulsada por Theo van Doesburg.

En uno de sus textos, Tristan Tzara dice que Dadá no significa nada y por lo tanto fue un movimiento escurridizo que cada artista aprovecho simplemente para rebelarse en contra de cualquier preconcepción social. El dadaísmo en algún intangible momeno se transformó en el surrealismo, pero hoy en día podemos reconocer esas misma ideas en la música punk, en el graffiti y en como un patineto se adjudica un espacio público para hacer sus trucos.

Aquí, Manifiesto del señor Antipirina de Tristan Tzara

Manifiesto del señor Antipirina

DADÁ es nuestra intensidad: que erige las bayonetas sin
consecuencia la cabeza sumatral del bebé alemán; DADÁ es la
vida sin pantuflas ni paralelos; que está en contra y a favor de la
unidad y decididamente contra el futuro; sabemos sensatamente
que nuestros cerebros se convertirán en cojines blancuzcos, que
nuestro antidogmatismo es tan exclusivista como el funcionario
y que no somos libres y gritamos libertad; necesidad severa sin
disciplina ni moral y escupamos sobre la humanidad.

DADÁ permanece dentro del marco de las debilidades europeas,
es una cochinada como todas, pero de ahora en adelante
queremos zurrarnos en diversos colores para ornar el jadrín
zoológico del arte de todas las banderas de los consulados.

Nosotros somos directores de circo y chiflamos entre los vientos
de las ferias, por entre los conventos, prostituciones, teatros,
realidades, sentimientos, restaurantes, uy, jojo, bang, bang.
Nosotros declaramos que el coche es un sentimiento que nos ha

mimado más de lo suficiente en las lentitudes de sus
abstracciones, como los transatlánticos, los ruidos y las ideas.
Sin embargo, nosotros exteriorizamos la facilidad, buscamos la
esencia central y nos sentimos contentos si podemos ocultarla;
no queremos contar las ventanas de la élite maravillosa, pues
DADÁ no existe para nadie y queremos que todo el mundo
entienda eso. Es ahí, se los aseguro, donde está el balcón de Dadá. Desde donde uno puede oír las marchas militares y
descender cortando el aire como un serafín en un baño popular,
para mear y comprender la parábola.
DADÁ no es locura, ni sabiduría, ni ironía, mírame, gentil
burgués.

El arte era un juego color de avellana, los niños armaban las
palabras que tienen repique al final, luego lloraban y gritaban la
estrofa, y le ponían las botitas de las muñecas, y la estrofa se
volvió reina para morir un poco y la reina se convirtió en ballena
y los niños corrían y se quedaron sin cena.
Y luego vinieron los grandes embajadores del sentimiento,
quienes exclamaron históricamente a coro:

Psicología Psicología jiji
Ciencia Ciencia Ciencia
Viva Francia
No somosn a ï f

Somos sucesivos
Somos exclusivos
No somos simples
y sabemos bien discutir de la inteligencia.

Pero Nosotros, DADÁ, no compartimos su opinión, pues el arte
no es cosa seria, se los aseguro, y si mostramos el crimen para
doctamente decir ventilador, es para halagarles, queridos
oyentes, los amo tanto, se los aseguro, los adoro.

Dogme 95 fue tanto un colectivo como un manifiesto ralizado por los directores de cine Lars von Trier, Thomas Vinterberg, Kristian Levring y Søren Kragh-Jacobsen. El manifiesto fue presentado durante el ciclo ‘La película hacia su segundo siglo’ realizado en el año 1995 en París por el más notorio de los miembros del colectivo, Lars von Trier. Algunos críticos interpretaron esta declaración como un acto de publicidad, pero los directores defendieron su postura argumentado que presentaban una alternativa al lenguaje desarrollado bajo las grandes presupuestos de Hollywood.

La primera película Dogme95 es ‘Festen’ de Thomas Vinterberg y la segunda es ‘Idioterne’ de Lars von Trier, pero rápidamente su propuesta influenciaría a otros directores, como Harmony Korine (director de ‘Gummo’ y guionista de Kids) para hacer Julien Donkey-Boy bajo estás reglas.

Lars von Trier se desviaría por completo del manifiesto con ’Dancer In The Dark’ y hoy en día ha desarrollado un sofisticado lenguaje fílmico muy lejano a la estética que propuso con el manifiesto. Pero la influencia de Dogme95 a sido inspiración al para muchos cineastas. Según el archivo de películas Dogme95, existen 254 películas realizadas bajo éste concepto y de países tan diversos como Bélgica, Chile, España, Canadá, Brasil e Italia. Entre la obras que se han generado bajo ésta ideología se encuentran las producciones mexicanas ‘Los Perritos’ de Miguel Hidalgo, ‘Rosa de la India’ de René Verduzco y ‘Fea y Rebelde’ de Fran Ilich.

Dogme95 es un voto de castidad. Una declaración de hacer una película a pesar de cualquier cosa. Es una invitación a no detenerse y ante todo es un juramento a buscar una nueva estética y narrativa fílmica que no requiere de grandes presupuestos y tecnología.

Juro someterme a las siguientes redactadas y confirmadas por DOGME 95:

1. Los rodajes tienen que llevarse a cabo en locación. No se puede decorar ni crear un “set”. Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una locación donde estén los objetos necesarios.

2. El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada).

3. Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película tiene lugar).

4. La película tiene que ser en colores. Luz especial o artificial no está permitida (sí la luz no alcanza para rodar una determinada escena, esta debe ser eliminada o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara).

5. Se prohíben los efectos ópticos y los filtros.

6. La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden haber armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia).

7. Se prohíbe la alineación temporal o espacial. (Esto es para corrobar que la película tiene lugar aquí y ahora).

8. No se aceptan películas de género.

9. El formato de la película debe ser de 35 mm.

10. El director no debe aparecer en los títulos de crédito.

Desde ahora en adelante prometo como director no ejercer ningún tipo de gusto personal. Ya no soy un artista. Desde ahora en adelante prometo no crear una “obra”, ya que considero que el instante y el ahora son más importantes que todo el producto. Mi meta absoluta es forzar la verdad de mis personajes. Prometo hacerlo a toda costa dentro de mis posibilidades y a costa de cualquier buen gusto estético.

Es por ello que hago mi VOTO DE CASTIDAD

Copenhage, Lunes 13 de marzo de 1995

En nombre del DOGME 95

Lars von Trier – Thomas Vinterberg

Sí, el viernes cumplo años.
Nunca me ha gustado celebrarlo, soy de esos que se deprimen, compran desde 5 días antes varios litros de cerveza, whiskey al 3×1 y alguno que otro licor barato pero efectivo para bloquear ideas estúpidas y promover la ansiedad post cumpleaños.
Pero bien, este año será diferente, este año ya no pienso desgarrar la camiseta, las perlas de melancolía, 300 vestigios de soledad, corbatas desteñidas, un sombrero maltrecho por el vomito y la violencia interceptada.
Bailables absurdos, agonía, música popof, jacuzzi espumoso, tus piernas saliendo de la nada, por debajo, por el frente, una toalla sin humedad.
Fiestas desmedidas, incursiones amorosas en las que no estuve presente, copas llenas de recuerdos, ausencia inconsolable actual.
Charcos redundantes en alcaloides petrificados.
El señor Rajuela está en la tele, infancia que desapareció, desteñirme en comerciales, en “duran, duran, duran” triciclos, barbas, rollos de super 8mm.

Me gustaría celebrarlo contigo, pero no estás, me gustaría celebrarlo como antes, con campiña, con cerveza Staropramen, Bono Vox en 360 grados, más cerveza, Tennent´s, más campiña, más trenes, más camiones, más cerveza, una bandera azul, una blanca, una roja, una cruz, un puente de dos torres, cuervos reales.

Sí, será mi cumpleaños, y es hora de no volver atrás, de robar sonrisas, de llenar las arcas de silencios con lluvia, arena, vino y chasquidos. Despertar con un regalo, dos o tres, una cruda de días menos hiriente, una sábana limpia, limpia de ti, lejana de ti, ausente, por fortuna, de ti, llena de otra saliva, olor a espuma de mar, olor a carbón de asador, a coral, ausente de tu sonrisa, ausente de tus mentiras, ausente de tus imágenes.

Comeré hasta reventar en 3, beberé hasta reventar en 100, invitaré, abrazaré, visitare el baño como un lord, como un sir, como una gallina.
Es un cumpleaños nuevo, y no vas a estar…

Los cortometrajes son más parecidos a la vida diaria, debido a que al pasar del tiempo sólo recordamos los pequeños momentos que nos hicieron felices, que nos hicieron aprender, que nos hicieron amar, que nos hicieron reír o llorar. Es por eso que los cortometrajes tienen la virtud de presentarnos en 5, 10 o 15 minutos un pequeño momento de la vida, un pequeño momento que puede ser inolvidable, un momento que puede ser un cortometraje.

Después de intensos días de Expresión en Corto, que culminó el domingo pasado con una proyección especial con todos los cortometrajes ganadores, queda analizar qué nos dejó este festival como audiencia. En primer lugar es uno de los pocos escaparates para la proyección de cortometrajes en el país y un gran impulso para los nuevos realizadores que tienen la oportunidad de presentar sus obras.

Uno de los mejores momentos del festival fue el tributo que se realizó al actor Manuel Ojeda. La influencia que ha tenido su trabajo en el cine nacional es de suma importancia en nuestra actualidad. Es por ello que es necesario redescubrir el cine que se ha realizado en nuestro país en décadas pasadas, al ver el trabajo que ha hecho el Ojeda desde sus inicios, despertó en mí la curiosidad de voltear a ver o revisar de nuevo películas como El apando, Canoa o La pasión según Berenice que tienen mucha carga en el cine que se realiza actualmente.

Otro punto rescatable del festival es la oportunidad que nos da en las distintas proyecciones de apreciar trabajos de distintas partes del mundo. Así como los proyectos experimentales que nos enseñan las nuevas tendencias en el campo de la animación y de efectos especiales que hay actualmente.

Hay que recordar que la creación de un cortometraje es el primer acercamiento que dan los realizadores al cine, es su primer impulso, es su primer paso. Por ello es importante que se fomente en el país la comercialización de estas obras, que como pudimos ver en el festival con trabajos menores de cinco minutos, pueden ser más impactantes y propositivos que muchos largometrajes que hay ahora en cartelera.

Esperaremos al 2011 el próximo festival, donde les puedo adelantar que Corea del Sur será  el país invitado.

Twitter: @peternieto

Shrek para siempre

Lejos quedó la tremenda primera parte que gritaba “Cuidado Pixar, éste es Dreamworks” (cuya primer advertencia la había realizado con “Antz”. Lejos quedaron las ahora líneas clásicas como el “deveritas, deveritas” o el “son de gomita” en parte gracias al magnífico doblaje mexicano, cuando el de Derbez aún no envejecía. Lejos quedó la pitorriza de los cuentos rosas de hadas con su estocada directa a Disney. Lejos quedó una maravillosa secuela con un magnífico personaje que llegó a aportarle y sumarle: El Gato con Botas. Lejos todo porque la tercera parte vino a darle en la madre. Si acaso un par de sonrisas lograba sacar pero muy por debajo de lo que uno esperaba. Al parecer hay realizadores que todavía no se dan cuenta que hay dos elementos que por lo general perjudican a la historia: los “hijos” y “demasiados personajes”. Y Shrek Tercero tenía los dos. Más una historia aburrida. Alguien entonces, por los viejos y lejanos tiempos, quizo rectificar el camino e inteligentemente, regresó a lo “básico”. A Shrek le aplicaron su “One more day” (http://en.wikipedia.org/wiki/Spider-Man:_One_More_Day) y rediseñaron la historia, con un universo paralelo, con un buen nuevo villano (Rumpelstiltskin) y deshaciéndose de la paja de la anterior. En efecto, la trama es más interesante pero nuevamente se olvidaron de los chistes, por lo que se queda en una película de aventuras. Si la tercera había queda en la lona, la cuarta se alcanza a levantar para retirarse y de manera literal, cierra el capítulo para regresar al estante y sutilmente darle paso a los spin-offs, siendo el primero el del mencionado Gato.

Así concluye la primer gran franquicia del estudio de animación de Dreamworks y seguramente no cómo ellos, y nosotros, hubiéramos querido

Mi villano favorito

A veces mis instintos no se equivocan y cuando vi el trailer de ésta, no me llamó nada la atención. Luego comencé a leer/escuchar que no estaba nada mal y que valía la pena en tercera dimensión. Bueno, la segunda se la pueden evitar. Insisto: aún no he visto película animada que supere el 3D de “Cómo entrenar a tu dragón” (http://dixo.com/2010/04/como-entrenar-a-tu-dragon-2.php). La primera, como dicen por ahí…” vamoaver”. Analizando la trama de la cinta, me doy cuenta que en realidad tiene un gran potencial que quizás no se explotó al máximo: el punto de vista del malo. Y el malo malísimo como diría mi profesor de Literatura. El malo que hace las maldades, pues. El malo villano, as in los clásicos villanos del estilo James Bond. Pero cuidado, aquí es cuando comienza a cojear la cinta, pues las grandes naves y armas, los escondites, las computadoras con cientos de botones nos remiten de inmediato a Los Increíbles. Y eso, eso no está bien.

La música de repente nos comienza a llamar la atención. El tema “Despicable Me” está increíble. Y al final, en los créditos, me doy cuenta porqué. Un gigante del score cinematográfico se unió a un gigante de la producción musical: Hans Zimmer (El Rey León, Inception) y Pharell Williams (N.E.R.D y The Neptunes) . Pero… en ese mismo mood de película de los cincuenta, también se nos aparecen de repente Los Increíbles y el score de Giacchino…y eso no está bien.

A los Minions, seguramente ya los vieron. ¿Los pequeños seres amarillos de uno y dos ojos con antifaces? Bueno, a pesar de que logran sacar un par de risas, son un terrible fusil de los Rayman Raving Rabbids, personajes de la saga de videojuegos. Y eso, eso está muy mal.

El doblaje de Andrés Bustamante prometía mucho, pero no está siquiera cercano a lo que hizo para Monsters Inc. y en ésta, no dejas de escuchar al Doctor Chunga.

Hay muy buenos gags, sin duda. La tripleta de las niñas, a pesar de que nos predicen el final desde mucho tiempo antes, está maravillosa. Será entonces Mi Villano Favorito una cinta que quedará más cerca de una Mounstros contra Aliens que de alguna otra de animación con más trascendencia. (Y me temo que por ahí irá la de Megamente, a estrenarse en diciembre, también de Dreamworks). Pero lo que no se debe dejar pasar por alto es que Universal, en su área de animación, está levantando la mano para quitarle el tercer lugar que tenía la 20th Century Fox en la misma área, quien por empecinarse con sus Ice Age, hace tiempo que no entrega un buen trabajo.

Lo que ambas películas me llevan a concluir, de manera contundente, es que ya es suficiente de los bailes en las cintas animadas. Fue cagado la primera, la segunda, la tercera…pero para la decimocuarta ya dejó de ser chistoso, y paso a ser, como dirían mis queridos Jis y Trino… “chitocho”.

El festival de Cine Expresión en Corto llegó a su fin el día de hoy, teniendo como acto de clausura la premiación a las cintas exhibidas.

Aquí les presento la lista de los ganadores, esperemos que alguna distribuidora pueda armar un “paquete” con los cortometrajes triunfadores en esta edición y exhibirlos en salas comerciales por todo el país.

Pero como creo que no pasará, internet nos puede ayudar a ver algunas de estas obras.

Mejor Largometraje Mexicano

Somos lo que hay, de Jorge Michael Gru

Mención honorífica a Martha, de Marcelino Islas Hernández

Mención honorífica Pantera Negra de Iyari Wertta

Mejor Cortometraje de Ficción Internacional

This is Alaska de Gunilla Heilborn y Marten Nilsson

Mejor Cortometraje en Video Internacional

Where is Kim Basinger?, de Edouard Deluc

Premio WIF: Mejor Cortometraje de Ficción Dirigido por una Mujer

Ella de Hannie Larsen

Mejor Cortometraje Mexicano

Firmes de Jordi Capó

Mejor Documental Mexicano (Cortometraje)

La patrona de Lizzette Argüello

Mejor Documental Mexicano (Largometraje)

Havanyork de Luciano Larovina

Mejor Largometraje Internacional

Alias de Jens Junker

Mejor Cortometraje Documental Internacional

Micky Nadando, Frida Kempff

Mejor Cotometraje Experimental

Stretching de Francois Vogel

Mejor Cortometraje de Animación

Babel and Esterhazy (tied for 1st place) de Babel-Hendrick Dusollier

Enviado especial, Pedro Nieto.

Casi en la culminación de Expresión en Corto en la ciudad de Guanajuato, se presenta la Opera Prima de Jorge Mitchel, “Somos lo que hay”, película que estuvo en competencia por la Cámara de Oro en Cannes este año y cuenta con talento de egresados de CCC.

La película narra la historia de una familia que al perder a la cabeza de hogar, al padre, se ven en la necesidad de buscar alimento por su propia mano, llegando al canibalismo.

La película se estrenará simultáneamente en salas de México, Inglaterra, Francia y Estados Unidos a finales de octubre. En la ciudad de México tendremos la oportunidad de verla semanas antes en el festival Mórbido y tendrá una proyección especial en el Festival de Morelia.

La película será distribuida por Canana y cuenta con la participación de Francisco Barreiro (“Perpetuum” de Mobile Nicolás Pereda), Alan Chávez (“Voces inocentes” de Luis Mandoki), Paulia Gaytán (“Sin nombre” de Cary Fukunaga) y Carmen Beato (“Arráncame la vida” de Roberto Sneider). Además Daniel Jiménez Cacho realiza una una actuación especial en el filme.

por Pedro Nieto.

Una infidelidad dentro de un matrimonio no sólo marca una ruptura entre las cabezas de una familia, sino que va más allá. Los hijos, algunos en silencio, otros envueltos en ira, quedan marcados, lastimados y desilusionados de la palabra “amor” hasta que en una etapa de madurez llegan al perdón. “Fuego” (The Burning Plain), primer largometraje de Guillermo Arriaga, no tiene que ver redención, sino con una serie de heridas, arrepentimientos y resentimientos que en combustión logran la esencia de este primer largometraje de unos de los mejores guionistas de México.

Arriaga, guionista mexicano, desgraciadamente mejor conocido en nuestro país por películas como Amores Perros, 21 Gramos y Babel y no por la impecable Los Tres Entierros de Melquiades Estrada; hace su debut como director en una película escrita por él, en la que desafortunadamente no puede escapar de la trillada fórmula de tres historias unidas en un mismo punto. En esta ocasión no es un accidente, sino un hilo psicológico generacional que se va desenvolviendo durante la película.

Ahora nos presentan a Gina (Kim Basinger), una  convencional ama de casa en Nuevo México. Por otra parte vemos a Sylvia, interpretada delicada y soberbiamente por Charlize Theron, quien es manager de un exclusivo restaurante en Oregon. A simple vista su vida está vacía, una mujer que se autoflajela y que ataca un resentimiento oculto acostándose con cualquier hombre que se pone en su camino. La razón de esa tristeza, de esa depresión y esa incapacidad de poder mantener algún tipo de relación, la va a ir descubriendo el espectador a lo largo de la cinta en una historia que podría ser laberíntica.

No se le puede negar Arriaga su precisión al narrar historias, en esta ocasión, casi en cada escena, hay cambios de espacio y de tiempo, lo cual obliga a uno armar el rompecabezas de la vida de Sylvia. En primera instancia puede resultar complicado ir del presente al pasado y a un pasado dentro del pasado, pero el desdoblamiento de las escenas y la edición a cargo de Craig Wood, hacen que la cinta no sea confusa, sino que exige la colaboración del espectador para armar la historia.

Otro gran punto a favor de la película es la selección del casting, es un deleite ver a figuras como Basinger y Theron en una misma cinta, así como a cada uno de los actores que aparecen encajan a la perfección con las exigencias del personaje. Un ejemplo es la joven promesa de 20 años, Jennifer Lawrence, quien realiza una gran interpretación de Mariana, hija de Gina. No en balde ganó el premio Marcello Mastroianni en el festival de Venecia, premio que se le otorga a la primera vez que un actor/actriz joven que participa en una película en competencia.

Uno de los puntos débiles del filme es la moral conservadora que maneja, los malos deben pagar sus culpas y arrepentirse para conseguir algún tipo de felicidad. “Fuego” representa un gran paso para el ahora director de cine mexicano, Guillermo Arriaga. Esta película será necesaria para entender la próspera y fructífera carrera que este compatriota tendrá en el mundo del cine internacional.

Hay que recalcar que Arriaga sin Iñarritu, superó la prueba, pero no asombró. Esperemos ver Biutiful, primer trabajar de Iñarritu sin Arriaga.

Twitter: @peternieto

Como su nombre lo indica, la convención que comenzó siendo dedicada al comic en 1970, pero de un par de años para acá se ha convertido en una parada obligada veraniega para actores, artistas, realizadoras, productoras y distribuidoras que quieran dar grandes anuncios y publicitar sus proyectos actuales y a futuro. No importa si apenas roza el mundo de la ciencia ficción, la fantasía y/o los superhéroes, con eso es pretexto perfecto para estar presente ya sea con un stand o con una conferencia. Y es que tienen al público más fiel del mundo. A aquél que durante muchos años estuvo escondido, fue buleado , incomprendido, rebajado y alienado. Por lo que ahora que puede expresarse libremente, entonces celebrará y gritará todos y cada uno de los cameos, de las revelaciones, de las imágenes en pantalla, de las respuestas, de las noticias, los lanzamientos y las confirmaciones.

Así apareció Guillermo del Toro para asegurar que su siguiente proyecto será una nueva cinta, olvidando completamente a la anterior, de la marca La Mansión Embrujada de Disney. Así aparecieron los actores anteriormente mencionados para confirmar que durante los próximos dos años junto a Chris Evans, Chris Hemsworth, Jeremy Renner y Mark Ruffalo para nosotros serán Iron Man, Nick Fury, Black Widow, Captain America, Thor, Hawkeye y Hulk. O sea los Avengers, confirmando también que el director de dicha cinta será Joss Whedon.

Trailers de videojuegos que seguramente estarán en boca de todos hasta su salida y hasta que lleguen los estrenos navideños como son el de DC Universe Online, Megaman Universe, Marvel vs Capcom 3 y la revelación ahora sí de los cuatro Hombre Araña que se podrán manejar en Spider-man Shattered Dimensions.

En la San Diego Comic-con 2010 también es el lugar dónde los realizadores de Tron Legacy prácticamente le declararon la guerra frontal a Avatar diciendo que la secuela del clásico ochentero superará por mucho al 3D de la de Cameron. Es ahí en California donde las primeras acciones concretas de la compra de Disney de Marvel comienzan a verse materializadas: la caricatura de Avengers se transmitirá por Disney XD, y los personajes de la extinta editorial Crossgen, adquirida por Disney, se incorporarán al universo Marvel. Es el lugar dónde ya muchos vieron la cinta de Scott Pilgrim vs The World y aseguran que está tan buena como se ve en los trailers además de tener quizás sea todo lo que esperábamos ver más en la de Kick-Ass.

Ya no es la San Diego Comic-con e lugar al que iban bloggeros o editores de fanzines a reportear. Ya viajan de todo el mundo críticos de cine y periodistas de espectáculos. En los pasillos seguramente te podrás topar a la fan de Star Wars más sexy, Adrianne Curry o a Thirteen de House, o sea Olivia Wilde. Y a la que hoy en día podría ser la chica de al lado más reconocida por el geekdom: Penny, quien no sólo apareció en el panel de la nueva temporada de The Big Bang Theory, sino que junto con el resto del elenco, se sentaron a dar autógrafos.

Las noticias de cómics son quizás lo que a muchos menos les interesa pero en más buenas para los mexicanos, se confirmó que Humberto Ramos será titular de Amazing Spider-man.

Otra vez fue una convención exitosa, que nos deja a un Red Hulk como parte de los Avengers y a un nuevo Daredevil que podría ser Kraven. Un nuevo título llamado Batman Inc. y un teaser del final de Brightest Day. El regreso de los Iluminati de Marvel y una nueva serie de Wolverine. No se sabe qué pasará con Dick Grayson cuando Bruce Wayne regrese y cual será Batman, mientras que Superman camina por todo EUA y al parecer se tocará el tema de la ley de Arizona.

Fue la Comic-con nuevamente una muestra de que el cine, la televisión y los videojuegos tienen bien puestos los ojos en el material impreso, y es una relación que ya es permanente. Es el evento al que el staff de Lost no dejaba de asistir mientras la serie existía. Es un evento que ha crecido y hace años, los “famosos” que se aparecían por ahí eran del tipo Todd McFarlane.

Es un evento que demuestra que el entretenimiento está siendo dominado por los geeks… mientras que es un evento, en el que nunca dejarán de aparecer imágenes como ésta…

Vengo de una familia conservadora en su moral pero muy liberal en su ideas políticas y que vive como si Dios existiera; nací en un hogar en donde las reglas cotidianas de comportamiento eran muy diferentes a un dormitorio lleno de adolescentes con aspiraciones creativas y artísticas con libertad de movimiento y pensamiento. Ese internado era un ambiente del que ningún adulto responsable poblano que yo conocía hasta ese momento hubiera aprobado para sus hijos.

Una hermosa joven de veintitantos años -recién graduada de sociología, inteligente, liberal y marihuana- era la responsable de mantener el “orden” en el edificio de residencias. Me acuerdo que ella me cortaba el pelo en capas para que se me esponjara como el de Nena (sí, la de 99 Luftballon) y también me ayudaba a pintarme la mitad del cabello con henna roja. En Cholula, dormía a las nueve, había llevado una vida muy controlada y  protegida.

Las clases en el internado eran académicamente exigentes y los maestros eran estrictos, pero sólo en el salón de clases. Llevaba clase de latín, de solfeo y filosofía. En la clase de literatura leíamos Fausto y en nuestros tiempos libres buscábamos los manifiestos más radicales (entre los favoritos estaba cualquier cosa Dadaísta) y nuestras interpretaciones eran tan exageradas como las hormonas que corrían por nuestros pubertos cuerpos.

Aunque oficialmente se reconoce la caída del Muro de Berlín con el fin de la República Democrática Alemana hasta 1990, los primeros trozos del Muro empezaron a caer en 1989. De forma fortuita, esta mexicana estaba en Alemania en uno de los momentos históricos más importantes del mundo. Varios de mis compañeros tenían familia que había quedado del otro lado de la cortina de hierro después de la Segunda Guerra Mundial. Mis amigos  y yo participábamos en rallies ant-nazis, pintábamos rosas negras sobre grafittis skinheads, íbamos a conferencias y participábamos en cadenas humanas. Usábamos libretas de papel reciclado, estábamos concientes del SIDA y de las formas de prevenirlo.

{Las pubertas que se creían muy rebeldes en 1989 o 1990}

Éramos jovencitos enérgicos que pensábamos que podíamos cambiar el mundo. Éramos contestatarios, un poco groseros, hacíamos mucho ruido y más de una vez sobrepasamos los límites de lo correcto para un chavito de 14 años. También tuve varias experiencias que ningún psicólogo recomendaría para una chamaca. No lo puedo negar, no todo era sana rebeldía, también acompañé a mi amiga de 16 años a tener un aborto; una noche llevamos a un amiguito con congestión alcohólica de urgencia al hospital; íbamos a un antro ilegal de mala muerte a escuchar música dark y ahí, en más de una ocasión, se me clavó una jeringa en la suela del zapato; recuerdo varias noches heladas de invierno dormidos hechos bolita en una estación de tren a la intemperie y viajar de aventón con perfectos extraños. Pero gracias a esa irresponsable y anárquica actitud llegamos no sólo a Berlín a quitarle con cincel y martillo un cacho al Muro y sino también, posteriormente, a celebrar en el Love Parade de 1990. Esa aventura (y supongo que el hecho de que estaba fumando cigarros y marihuana tampoco ayudó), fue lo que acabó de asustar a mi pobres padres, que después de esa fiesta me encerraron en mi casa en Cholula y me castigaron por lo siguientes dos años.

El Love Parade se generó en medio de un radical cambio político. El primer festival se llevó a cabo justamente en 1989 porque la caída del Muro de Berlín representaba ante nuestros ingenuos ojos la caída de la represión. El Love Parade celebraba la libertad, el respeto y el amor. Era una demostración de libertad y de expresar públicamente nuevos pensamientos e ideales. En el primer Love Parade sólo participaron alrededor de 150 personas y una carroza, pero instantáneamente se volvió legendario. En 1990, mis amigos y yo nos escapamos a Berlín para participar en lo que sería la demostración política más divertidas de nuestras hasta entonces muy breves y superfluas carreras de activistas sociales. Tuve que revisar los archivos históricos, porque yo no les hubiera podido dar cifras exactas, para mi fue simplemente gigantesco. En el año 1990 el Love Parade reunió a 2000 participantes, alrededor de 6 carrozas para el desfile y se llevó acabo en la calle Kurfürstendamm. No les podría decir quién tocó porque hasta 3 o 4 años después empecé realmente a prestarle atención a la música electrónica fuera de la fiesta. Pero sí, estaba Dr. Motte, el fundador del festival.
En 1999 el festival reunió a más de 1 millón y medio de asistentes y se realizó en un tramo de la ciudad que concluía en la impresionante Puerta de Brandenburgo. Ese año entre los DJ’s se encontraron: Carl Cox, DJ Hell, Mark Spoon, Sven Väth, Paul Van Dyk, Armand Van Helden y Westbam. En el año 2008 el Love Parade se llevó acabo en la ciudad de Dortmund, tuvo a más de 1millón 600 mil bailarines.

Este pasado 24 de Julio, en la Ciudad de Druisburg, en medio del frenesí y descontrol del pánico masivo, fallecieron 19 personas y fueron heridas 342 personas, de las cuales 40 fueron de gravedad. Según un reporte de la revista Spiegel, el lugar sólo contaba con el permiso de recibir 250,000 personas y se vieron en la crisis al recibir aproximadamente 1 millón 4cientos mil asistentes (esta cifra no ha sido confirmada por la policía).

Los organizadores del Love Parade han decidido que este festival ya no se volverá a realizar. Con esta tragedia, acaba el Love Parade, pero también parece el fin de la era Rave. La idea de estos festivales masivos para bailar sin parar durante maratónicas horas, exhibiendo comportamientos alternos de forma abierta, realizados de forma itinerante, existen a partir de justamente de fiestas como el Love Parade y el Mayday. Este año, se acabó el festival del amor, el rave más famoso del mundo y también el más icónico.

Por Madela Bada.
(Hay datos de mi vida personal que no han sido verificados y pueden existir algunas incongruencias.)

Kelis – Flesh Tone

will.i.am music group, 2010.

Escuchando el nuevo disco de Kelis, lo primero que pensé fue: ¿por qué esta reinita de lo más propositivo del hip hop se pondría a hacer un disco dance (tan pero tan dance) en el año 2010? Bien tiene a advertir en el primer track llamado Intro: ‘she’s gone italo disco’ (‘ella se puso italo disco’).

La pregunta rondaba en mi cabeza mientra escuchaba a todo volumen el disco llamado Flesh Tone. En tantos sentidos el dance me parece la antítesis de la vanguardia, lo observo como un método de producción tan lejano a lo innovador y a lo desafiante. El dance se ha convertido en manos de Madonna, Kyle, Lady Gaga, La Roux y el resto del sequito de princesitas del pop en la “fórmula” par crear sencillos radiofónicos y bailables. Escuchaba el Flesh Tone, mi cabeza se meneaba a su ritmo y seguía aferrada analizando porque Kelis había abandonado las raíces que había echado en conjunto con los Neptunes/ N.E.R.D.. Las canciones me hicieron levantarme de mi asiento y ponerme a bailar en lo que cuestionaba fuertemente a la cantante de voz que suena a un susurro persuasivo, por haber escogido entre sus productores a David Guetta y will.i.am.. Ya sudando de tanto brincar empecé a buscar excusas de porque estaba mi cuerpo tan involucrado con los beats del quinto álbum de Kelis; me justifiqué explicando que tenía que ser por la influencia de productores que aprecio tanto como Boys Noize y Tocadisco. Seguro era culpa de que Kelis me había seducido desde su primer disco, el Kaleidoscope de 1998 y como el amor es ciego, yo tenía que haber perdido la objetividad y por eso estaba tan metida en las voluminosas y pegajosas rolas de este disco.

Han pasado más de 15 días, sigo escuchando a cada rato el Flesh Tone de Kelis y me sigue haciendo bailar incotrolablemente. Talvez no tenga como explicarlo, pero resultó ser un disco mucho más importante de lo que hubiera sospechado de un trabajo con 2 tracks producidos por Benny Bennasi. Un disco que tendría que haber sido sólo un frívolo y pasajero entretenimiento, se ha convertido en un disco de dance esencial.

Por Madela Bada.

Con el debido crédito a Christian Martinoli, es la pregunta que se me ocurre a escasos minutos que se diera a conocer la incorporación de Cuauhtémoc Blanco al Irapuato de la segunda división. Llega a préstamo seis meses proveniente del Veracruz, que para fines prácticos de éste escrito, no está de más recordar que se trata de otro equipo que busca todavía regresar a la Primera División. En su momento, se entendió que, más que por dinero, Cuau aceptara jugar con los Tiburones Rojos por la amistad que mantiene tanto con jugadores como con directivos de dicha institución, muchos con los cuales compartió vestidor, equipo y aventuras cuando militaba con el América. Si lo del Irapuato, porque seguramente tampoco es por dinero o comodidades de lujo, es parecido a lo del equipo del puerto, entonces adelante. Lo que preocupa es… ¿cuántas serán las camisetas que Blanco tendrá que vestir antes del anhelado retiro con las Águilas del América? Es un secreto a voces que hay diferencias entre la actual directiva del equipo de Coapa, específicamente con el presidente Michel Bauer, y el delantero seleccionado nacional, por lo que o se liman asperezas entre ambas partes, o el retiro del 10 con el equipo del Estadio Azteca no llegará nunca, y ésta película no tendrá el final que todos quisiéramos ver.

Aquí quizás el enemigo más mortal es el tiempo. Todos sabemos que a cada momento, Cuau está más cerca del retiro. Ya nos dio un susto en aquella despedida del Tri cuando Sven-Göran-Eriksson se encontraba al frente de la Selección Mexicana. Una despedida agridulce, gacha, triste, desangelada, nula de todo respeto por parte del holandés para con nuestro tepiteño favorito. Afortunadamente se hizo justicia y Sven se fue pronto, y Blanco regresó. Por lo menos se lleva otro gol, el último en Mundiales, en Sudáfrica pero también, su último partido en la más reciente Copa Mundial fue desangelado y sin tiempo u oportunidad para darle una despedida digna, la cual posiblemente sea la que veamos el 11 de agosto contra el actual campeón del mundo.

El caso de Cuauhtémoc Blanco es como el juego de las sillas. El amor que le tiene a la pelota es quizás otra de las razones tan nobles que lo tienen jugando, y tal vez lo que pasa por la mente del jugador es “pues aunque sea en segunda división, pero jugando” pero no se le vaya a acabar la música, y cuando menos lo espere, se quede sin silla…o atorado en una playera que no sea la amarilla con azul.

Porque a la afición de Veracruz le bastó poco tiempo para adorarlo y hacerlo parte no sólo de su equipo sino de su ciudad, como se pudo ver una y otra vez en la producción  “La Docu-mentada”. Porque el paso por la MLS si bien fue interesante, tampoco fue la cumbre de su carrera, pero por lo menos mucho mejor que su actuación europea. Porque de lo del Necaxa y Santos ni nos acordamos. Porque nos urge no sólo ver un partido del América con sus viejos compañeros, para cuando Blanco ya no esté activo, y planeado meses después de que haya dejado de jugar. No, lo que queremos es una temporada completa en el América. Y es que es la última gran estrella que una de las marcas más importantes del fútbol mexicano, siendo el segundo mejor anotador del América.  Es el único jugador mexicano que ha anotado tres goles en tres mundiales diferentes. Es el segundo seleccionado nacional con mayor cantidad de goles en juegos oficiales de la FIFA con el Tri. Lejos de que una despedida de Cuau en el América, además del partido de despedida con la Selección, tiene un gran potencial comercial, ya si no lo ven por el lado de los números, es una cuestión de romanticismo y honor. Porque a Cuauhtémoc se le está yendo el tiempo. Y el guión del final feliz se está enredando demasiado.

Te presentas como eres, tal cual la gorra, la barba, el corazón empuñado.
Lustrosos días de silencio, sonrisas y yemas de huevo desperdiciadas. Alejandra no te quiere. Pelo extendido, razonar, sonar, resonar, humedecer, recordar, reanimar, dar electroshocks helados de vida. Invítame cervezas, whiskey, shandy y ahí veremos si los besos son eternos o las caricias se concilian en un viaje de barco por el canal.

Es de noche, lo sé, es de noche y las velas se refugian  los gritos salen de las coladeras, vidrios que estrellan el suelo, arranques infructuosos con coraje de azotea.

Esta no es la vida que me mostraste, esta no es la vida que robaste. Ésta es la que queda, vacía, sin pantalones, sin excusa, redundante en tristeza y desencanto, poderosa en lágrimas, temporal de abandono, truenos y granizo, resequedad facial, corporal, sequedad arqueológica.

Falta agosto y septiembre para curarme, y quizás, después, se abra el cielo, la fortuna en rueda circule por mis pulmones, el sombrero caiga de lluvia, la cicatriz interna madure en un odio resoluto, infestar tu sonrisa con abracadabras oscuros, parcelas interminables de llanto y al fin, tu amargura.

Y por favor, que pare aún el dolor.

La artista Janelle Monáe acaba de lanzar su álbum debut titulado The ArchAndroid pero las expresiones artísticas de esta cantante no se limitan sólo al trabajo de estudio. De pequeña ella quiso incursionar en el teatro musical y de alguna forma ese deseo perdura: aplica todos los elementos de un musical en su obra pop.

Su disco es un cuento de ciencia ficción en el que ella representa a un androide que se enamora de un humano capaz de cambiar de forma; eso la orilla a alcanzar nuevos niveles de consciencia. Monáe  es también una bailarina innovadora. Con sus colaboradores Chuck Lightning y Nate “Rocket” Wonder fundó el colectivo artístico Wondaland Arts Society en la ciudad de Atlanta. En el colectivo participan alrededor de una docena de artistas visuales, escritores, generadores de contenido para la red, video bloggers, productores, músicos, bailarines y actores. El proyecto musical y artístico de Monáe es creación de esta comunidad y Janelle Monáe cuida cada uno de los detalles del espectáculo. En entrevista con el periódico LA Times su mentor, el escritor y músico, Greg Tate comentó: “Considero que lo que están haciendo es absolutamente factible un impacto sobre el intelecto y la vida cultural pop de su generación. Sobretodo porque están comprometidos por igual con el arte, las ideas y el aspecto de negocios de lo que desarrollan.” El proyecto de The ArchAndroid incluye shows en vivo, una novela gráfica y aplicaciones para la red. El colectivo que han creado se relaciona con movimientos artísticos como El Renacimiento de Harlem y Mowtown según Lihgting, unos de sus fundadores.

El artista Greg Tate compara este trabajo con el de George Clinton o David Bowie: “libre para ser tan raro como quiera ser”. La música de disco que van creando es inclasificable aunque son sonidos vanguardistas que salen de la cultura afro-americana actual. El disco fue editado por la disquera de Sean Diddy Combs pero no se parece a nada anterior que los productores han lanzado desde esa casa del hip hop y el R&B. En la música de Monáe hay  Bee Bop y hip hop, jazz y rock y pop y soul. La forma de generar las canciones es fresca, extrovertida e inquietante. Janelle Monáe canta con una voz clara y llena de soul pero también rapea, grita y patalea. En cada canción ella da una interpretación particular del cuento que narra y eso agrega histrionismo al disco. Esta es una propuesta de una comunidad de artistas, todos muy excéntricos y con ideas novedosas.